Les bombes au box-office des années 70 que tout le monde doit regarder au moins une fois

Les années 1970 ont peut-être été la plus grande décennie du cinéma, et les meilleurs films de tous les temps sont encore appréciés aujourd’hui. Pourtant, de nombreux films de cette époque qui sont aujourd’hui considérés comme des classiques ont connu un énorme échec lors de leur première sortie. Rejetés tant par la critique que par le public, certains de ces films ont porté avec eux la puanteur de l'échec pendant des années avant d'être réévalués. Le temps, comme on dit, est le test ultime de la valeur d'un film, et de nombreux films des années 70 qui ont d'abord été radiés ont mieux résisté que certains des plus grands succès au box-office de cette même décennie. Grâce aux diffusions par câble, aux sorties de vidéos personnelles et au streaming, ces flops se sont finalement transformés en succès.

Voici cinq bombes au box-office des années 70 que tout le monde doit regarder au moins une fois. Ces titres sont tous venus de réalisateurs majeurs qui ont pris de gros coups qui n'ont pas porté leurs fruits au début, pour finalement être considérés comme des circuits. Couvrant une variété de genres, de la comédie au noir en passant par le thriller, ces films offrent quelque chose pour tout le monde. Compte tenu de la qualité de leur héritage, vous pourriez être surpris d’apprendre qu’ils ont été considérés comme des échecs lors de leur sortie. Cela montre simplement que même les cinéphiles les plus avertis peuvent se tromper de temps en temps, en particulier au cours d'une décennie qui regorgeait de tant de grands titres parmi lesquels choisir. Mais bon, il n'est jamais trop tard pour rattraper quelque chose qui vaut la peine d'être regardé au moins une fois (sinon plusieurs fois).

Harold (Bud Cort), 20 ans, obsédé par la mort, passe ses journées à assister à des funérailles, à conduire un corbillard et à organiser des tentatives de suicide élaborées. Sa mère mondaine (Vivian Pickles) essaie de le mettre en contact avec des filles de son âge, mais il les effraie avec son comportement excentrique. Alors qu'il assiste à l'un de ses funérailles quotidiennes, Harold rencontre Maude (Ruth Gordon), une octogénaire bohème qui croit qu'il faut essayer quelque chose de nouveau chaque jour. Harold tombe amoureux de Maude, dont le décret selon lequel il faut vivre pleinement sa vie change sa vision de la mort.

Lorsque « Harold et Maude » est sorti en 1971, Variety a déclaré qu'il y avait « tout le plaisir et la gaieté d'un orphelinat en feu ». Cela résume assez bien la réponse critique du film, qualifiée de « effrayante et rebutante » (The New York Times) pour avoir osé dépeindre une histoire d'amour intergénérationnelle basée sur une appréciation mutuelle de la vie et de la mort. Le film a tellement explosé qu'il a fallu 12 ans pour qu'il génère enfin des bénéfices pour le réalisateur Hal Ashby et la star Ruth Gordon. Pourtant, à la fin du XXe siècle, le film Variety, comparé à un orphelinat en feu, était classé 45e sur la liste de l'AFI des 100 films américains les plus drôles de tous les temps. Il est impossible de ne pas tomber amoureux de « Harold and Maude », qui présente une bande originale entraînante de chansons de Cat Stevens. Bien qu'il soit aussi noir que les comédies, il est réalisé avec beaucoup de sincérité et affirme la beauté de la vie malgré sa brièveté.

De retour d'une visite nocturne à l'épicerie pour acheter de la nourriture pour chat, le détective privé Philip Marlowe (Elliott Gould) trouve son ami, Terry Lennox (Jim Bouton), qui l'attend dans son appartement. Terry doit se rendre au Mexique, alors Marlowe l'emmène sans se rendre compte qu'il aide son ami à fuir le pays après que sa femme ait été retrouvée morte. La police maintient Marlowe en détention jusqu'à ce que Terry se suicide, laissant derrière lui des aveux signés. Sentant que quelque chose ne va pas, Marlowe essaie d'aller au fond de ce qui s'est passé. Cela pourrait avoir quelque chose à voir avec Eileen Wade (Nina van Pallandt), une belle blonde qui a engagé Marlowe pour retrouver son mari disparu (Sterling Hayden), un ancien grand romancier devenu amer à cause de l'alcoolisme.

Bien qu'il soit désormais considéré comme l'un des meilleurs films policiers de tous les temps, « The Long Goodbye » n'a pas vraiment été un succès lors de sa sortie en 1973. En fait, la version contre-culturelle de Robert Altman sur le roman noir classique de Raymond Chandler a été un échec commercial, ce qui a conduit United Artists à le retirer temporairement des salles et à le rééditer avec une nouvelle campagne publicitaire mettant l'accent sur le ton décontracté du film. Recadrer le détective dur de Chandler comme un pothead paresseux était conforme à la façon dont le réalisateur Robert Altman a subverti le genre tout au long de sa carrière, mais il reste également fidèle à l'accent mis par l'auteur sur les vibrations plutôt que sur une intrigue cohérente. Véritable classique culte, « The Long Goodbye » a ouvert la voie à des comédies policières similaires basées à Los Angeles comme « The Big Lebowski » (1998) et « Inherent Vice » (2014).

Harold Moseby (Gene Hackman dans l'un de ses meilleurs rôles au cinéma), ancien footballeur devenu détective privé de Los Angeles, doit trouver une distraction après avoir découvert que sa femme (Susan Clarke) a une liaison. Il réalise son souhait lorsque la star du film B Arlene Iverson (Janet Ward) l'engage pour retrouver sa fille, Delly (Melanie Griffith), qui s'est enfuie dans les Keys de Floride. Harry trouve Delly vivant avec son beau-père Tom (John Crawford) et sa petite amie Paula (Jennifer Warren), avec qui il se couche rapidement. Plus Harry est mêlé à cette étrange dynamique familiale, plus l'affaire pour laquelle il a été engagé pour résoudre devient complexe et sinistre.

Sorti en 1975, « Night Moves » est l'un de ces films sous-estimés des années 70 qu'il faut regarder tout de suite. Réalisé par Arthur Penn, qui a contribué au lancement du nouvel Hollywood avec « Bonnie and Clyde » (1967), il renverse les tropes du film noir en plongeant un détective typiquement dur dans un mystère qui dépasse sa compréhension. Canalisant l'anxiété et l'incertitude de l'ère post-Watergate, le film se délecte de sa nature elliptique ; la fin offre plus de questions que de réponses. Signe d'une époque qui évolue rapidement, « Night Moves » a déjeuné au box-office de « Jaws », qui a ouvert ses portes une semaine plus tard et a déplacé l'attention des études de personnages à petite échelle vers des superproductions de haut niveau. Pourtant, à une époque où la confiance dans nos institutions est au plus bas, le film n’a fait que gagner en pertinence, alors que nous nous retrouvons chacun désespérément à essayer de résoudre des problèmes insolubles.

Le petit gangster Nicky Godolin (John Cassavetes) est en cavale lorsqu'il apprend que son patron (Sanford Meisner) l'a poursuivi pour avoir volé son argent. Caché dans une chambre d'hôtel sordide, il contacte son meilleur ami, Mikey Mittner (Peter Falk), qui accepte de l'aider à quitter Philadelphie. À l'insu de Nicky, Mikey communique avec le tueur à gages (Ned Beatty) qui a été engagé pour le tuer. Alors qu'ils passent la nuit à se promener en ville, Mikey et Nicky nettoient les vieilles blessures qui s'enveniment depuis l'enfance, culminant dans une finale dévastatrice au lever du soleil.

Avec « Mikey et Nicky », Elaine May a réalisé le meilleur film de John Cassavetes qui n'a pas été réalisé par Cassavetes, car il adopte le même style d'improvisation et de cinéma vérité que les drames financés de manière indépendante qu'il a produits avec sa femme (Gena Rowlands) et ses amis (dont Peter Falk). Pourtant, contrairement à Cassavetes, May travaillait avec l'argent de Paramount Pictures, tournait des heures de séquences et traînait la post-production pendant des années, ce qui entraînait de longues batailles juridiques avec le studio. Tourné en 1973, « Mikey et Nicky » n'est sorti en salles qu'en 1976, et son dumping sans cérémonie a tenu May à l'écart du fauteuil du réalisateur pendant 11 ans. Elle est revenue avec « Ishtar », une de ces bombes notoires au box-office qui valent vraiment la peine d'être regardées mais qui ont mis fin définitivement à sa carrière de réalisatrice. Pourtant, l'héritage de « Mikey et Nicky » n'a fait que croître avec le temps, et son influence se fait sentir sur les films d'Ari Aster et des frères Safdie.

Dans un village isolé d'Amérique latine, quatre fugitifs venus de différentes parties du monde – le gangster américain Jackie Scanlan (Roy Scheider), le banquier d'affaires parisien Victor Manzon (Bruno Cremer), le tueur à gages mexicain Nilo (Francisco Rabal) et le militant arabe Kassem (Amidou) – se cachent tous en préparant leur évasion. Désespérés d'argent, ils acceptent ce qui est essentiellement une mission suicide : transporter de la nitroglycérine hautement explosive jusqu'à un puits de pétrole à travers un terrain instable de la jungle. Conduisant deux camions sur des routes rocailleuses et des ponts de corde oscillants, les quatre tentent d'accomplir leur mission dangereuse avant d'exploser.

Avec « The French Connection » (1971) et « L'Exorciste » (1973) à son actif, William Friedkin a reçu chèque en blanc pour son prochain film : « Sorcerer » (1977). Remake américain du classique français de 1953 « Le salaire de la peur », c'est un film sombre et implacable sur un monde cruel et impitoyable. Alors que les films aux perspectives tout aussi sombres ont souvent connu le succès dans les années 1970, le public n'était pas d'humeur à le faire l'été même où « Star Wars » est sorti. « Sorcerer » a été un échec financier, qui a précipité la disparition du nouvel Hollywood, tout comme les échecs budgétaires tout aussi importants de grands réalisateurs comme « Heaven's Gate » (1980) et « One from the Heart » (1982). Pourtant, le temps a été l'arbitre ultime du goût, et des gens comme Quentin Tarantino ont qualifié « Sorcerer » de l'un des plus grands films jamais réalisés. Nominé aux Oscars pour le meilleur son, c'est un chef-d'œuvre expérientiel qui vous laissera un nœud au creux de l'estomac.