Classement des 5 westerns les plus historiquement précis

La citation la plus célèbre du genre western arrive peut-être à la fin de l'un des plus grands films de tous les temps, le film de John Ford de 1962 « L'homme qui tua Liberty Valance », sorti longtemps après l'apogée du genre : « Quand la légende devient un fait, imprimez la légende ». Il ne s’agit pas seulement d’un résumé de décennies de films hollywoodiens qui ont mythifié l’Ouest américain, mais aussi d’un énoncé de mission que les cinéastes arrivés plus tard chercheraient à renverser, l’idée d’un western révisionniste contre-culturel prenant de l’ampleur plus tard dans les années 1960. Peu intéressé par les récits traditionnels d’héroïsme, le western deviendra de plus en plus fidèle aux livres d’histoire ; contrer ces légendes mythiques avec des récits plus sombres et fondés sur des faits qui empruntent généreusement aux récits enregistrés d’époques révolues.

Les cinq films suivants représentent les meilleurs exemples de cette marque de westerns historiquement précis, renversant le scénario en ignorant les vieilles conventions et en créant quelque chose de plus fidèle aux dures réalités de la vie. Les titres démythifiés de cette liste offrent tous des récits réalistes de différents événements extraits des livres d'histoire, offrant une perspective plus réfléchie sur l'histoire américaine en examinant ses coins les plus sombres.

Quiconque pense qu'un western devrait être consacré à des affrontements entre shérifs, cowboys et flingueurs hors-la-loi pourrait être laissé de marbre par la plupart des titres ci-dessous, mais ceux qui recherchent désespérément des récits plus réalistes et plus véridiques sur la survie pendant une période aussi anarchique trouveront beaucoup à mâcher ici. Parfois, les faits devraient être des légendes à part entière.

Parallèlement à l'essor du nouvel Hollywood, une vague subversive de westerns a émergé à la fin des années 1960 et au début des années 1970, visant à démythifier le genre, que les critiques ont surnommé le « western acide ». Le premier film de Robert Benton en 1972 (qui réalisera le film oscarisé « Kramer contre Kramer » plus tard dans la décennie) est l'un des plus cinglants, avec son décor de guerre civile masquant à peine une critique du projet de guerre du Vietnam.

L'odyssée retrace les expériences d'un groupe de jeunes hommes qui esquivent la conscription dans l'armée de l'Union, utilisant le peu d'argent dont ils disposent pour échapper à la capture par les autorités et se rendre dans l'Ouest américain. Jeff Bridges incarne le voleur charismatique Jake Rumsey, dont le groupe hétéroclite se divise de plus en plus à mesure qu'ils se révèlent incapables de prendre les décisions impitoyables dont ils ont besoin pour survivre dans un paysage aussi impitoyable.

Raconté avec une structure narrative plus proche d'une série de vignettes que d'un arc conventionnel, « Bad Company » est percutant en raison de la façon dont il documente les réalités de la vie dans le vieil Ouest, loin des tropes romancés d'un western hollywoodien classique. Regardé maintenant, il est plus intéressant en tant que document historique, capturant le sentiment anti-vietnamien accablant de l'époque de manière plus vivante que de nombreux autres films de cette période. Aux yeux d’aujourd’hui, la structure tentaculaire donne l’impression qu’elle est moins ciblée maintenant que le sujet est moins prémonitoire. Pourtant, il atterrit avec un coup de poing et devrait être considéré comme un visionnement essentiel pour quiconque s'intéresse à la guerre civile ou aux retombées culturelles du Vietnam.

Une bombe au box-office si tristement célèbre qu'elle reste un raccourci pour un flop à succès près de 50 ans plus tard, le consensus critique sur le suivi du réalisateur Michael Cimino au film oscarisé « The Deer Hunter » est progressivement revenu vers le territoire des chefs-d'œuvre incompris ces dernières années.

D'une durée exhaustive de 207 minutes, c'est un western aussi épique que possible, et certainement aussi brutal : il retrace la guerre du comté de Johnson dans le Wyoming des années 1890, au cours de laquelle de riches barons du bétail ont dressé des listes de décès d'immigrants européens. Ce moment sombre et sous-discuté de l’histoire américaine avait également inspiré « Shane » quelques décennies auparavant, même s’il s’agissait d’un public beaucoup plus traditionnel qui plaisait aux occidentaux ; « Heaven's Gate » se termine par un bain de sang qui fait suite à des heures de désespoir existentiel. C'est presque une blague que le film tire son nom de la patinoire qui offre l'une des rares scènes de lumière.

Le film de Cimino est un récit très documenté, mais les représentations de personnages réels – tels que le shérif Jim Averell de Kris Kristofferson et sa partenaire Ellen Watson, interprétée par Isabelle Huppert – s'écartent fortement des faits enregistrés. Tous deux ont été tués deux ans avant le début du conflit, sans aucune trace indiquant qu'ils connaissaient Nate Champion (Christopher Walken), le troisième axe de leur triangle amoureux, ou qu'Ellen exploitait un bordel. Ces inventions donnent l’impression que les parties les plus sombres des recherches de Cimino à l’époque se sont superposées à la réalité, c’est pourquoi c’est une bizarrerie si séduisante. Il s'agit de jouer vite et librement avec certains faits, tout en restant fidèle aux événements globaux dans toute leur obscurité. En tant qu’épopée inoubliable, elle mérite sa réévaluation critique. Il y en a encore beaucoup ici qui doivent être pris avec des pincettes.

Kelly Reichardt est l'une des réalisatrices américaines les plus intéressantes du moment, et même avec les films récents « First Cow » et « The Mastermind » qui génèrent une attention critique accrue, on a toujours l'impression qu'elle n'a pas été récompensée pour son approche subversive et texturée du cinéma de genre traditionnel. Sa version du western, « Meek's Cutoff » de 2010, est née après avoir découvert l'histoire vraie de Stephen Meek, dont la tentative en 1845 de diriger un groupe de colons à travers l'Oregon Trail s'est mal terminée après qu'il se soit perdu en chemin.

En plus d'une attention minutieuse portée à l'exactitude de l'époque – Reichardt et le scénariste Jonathan Raymond ont lu de longs journaux intimes de femmes qui se sont lancées sur la piste, capturant autant que possible leurs routines quotidiennes monotones à la frontière – « Meek's Cutoff » semble aussi réaliste qu'une histoire de survie peut le faire, d'une manière qui confronte la création de mythes du genre.

Tout au long, elle contraste directement le personnage imitant le cow-boy du trappeur de fourrures Meek (Bruce Greenwood) avec les familles pauvres qui lui confient leur voyage, explorant le profond déséquilibre des pouvoirs entre elles, ainsi que la relation entre un archétype mythique et les réalités plus graves d'une terre difficile à apprivoiser. Bien qu'il soit l'un des films les plus courts de cette liste, d'une durée de 104 minutes, l'anti-occidental captivant de Reichardt exige de la patience du public alors qu'il dénoue lentement les conventions du genre avec un récit savamment documenté de la survie. Si vous parvenez à être sur sa longueur d'onde, vous serez récompensé par l'une des versions les plus historiquement précises du genre du 21e siècle.

Adapté du roman du même nom de Ron Hansen de 1983, « L'Assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford » fut la rare œuvre de fiction historique révisionniste à être chaleureusement accueillie par les historiens sceptiques. Dans les sources, l'auteur s'est appuyé sur un large éventail de sources, notamment des coupures de journaux, des rapports judiciaires et des témoignages de première main récupérés, pour construire son récit, en l'associant au point de vue contemplatif de ses personnages principaux qui ont déconstruit davantage leur mythologie sans s'éloigner des faits enregistrés.

Plusieurs critiques ont qualifié le roman de « cinématographique », il est donc surprenant que non seulement il ait fallu encore 23 ans pour qu'une adaptation arrive, mais qu'elle n'ait pas réussi à toucher le public. Certes, cela est probablement dû au fait que le réalisateur Andrew Dominik s'est inspiré du travail de Terrence Malick, dont le mélange distinct et captivant d'Americana d'époque et de monologues internes contemplatifs (tels que « The Tree of Life » et « The Thin Red Line ») est une influence appropriée, même si elle allait toujours laisser le courant dominant froid. Même Malick a dit que c'était « trop ​​lent » pour lui.

C'est dommage, car en plus d'offrir l'une des représentations les plus magnifiquement réalisées du vieil Ouest impitoyable jamais filmées – la première séquence de vol de train est une pure poésie cinématographique, une beauté stupéfiante coexistant avec une brutalité viscérale – « L'assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford » déconstruit efficacement les archétypes du genre en racontant l'histoire du hors-la-loi le plus célèbre de tous. Dominik a décrit le film comme un « sombre examen de la renommée et de l'infamie », mais il va au-delà de l'étude de cas centrale du culte du héros tordu pour s'interroger sur qui crée les mythes qui transforment des personnages historiques mineurs en légendes.

Autre western révisionniste accueilli avec froideur par la critique et le public, « McCabe et Mme Miller » de Robert Altman a pris un chemin plus rapide vers un public culte grâce à la série de chefs-d'œuvre du réalisateur tout au long des années 1970. Adapté du roman « McCabe » d'Edmund Naughton de 1959, Warren Beatty incarne le joueur titulaire. Il arrive dans une petite ville paroissiale de Washington pour créer un bordel, faisant équipe avec l'expatriée britannique astucieuse Constance Miller (Julie Christie) pour développer davantage leur entreprise. Lorsqu'une organisation minière connue pour tuer des rivaux qui ne veulent pas vendre leur entreprise arrive à la porte, les deux improbables doivent faire face à une ribambelle de mercenaires.

Contrairement à la plupart des autres titres de cette liste, « McCabe et Mme Miller » ne repose pas sur des faits historiques enregistrés. Il offre toujours un regard brut et plus authentique sur la vie à cette époque et dans cette région que beaucoup d'autres éléments du genre, rompant avec les archétypes occidentaux pour offrir une approche fondée. C'était entièrement dû à la conception du réalisateur, admettant plus tard que son attirance pour le matériel source était due au fait qu'il s'agissait « du western commun le plus ordinaire qui ait jamais été raconté » et « d'un mauvais morceau d'écriture », présentant tous les stéréotypes de genre clichés que vous pourriez inventer.

Altman souhaitait trouver la vérité authentique antérieure aux archétypes, recherchant des costumes et des dialectes, et s'assurant que son héros restait un « genre fanfaronnant » plutôt qu'un hors-la-loi endurci. Placer cela au premier plan et au centre d’une structure narrative traditionnelle du genre a produit quelque chose de singulier et d’inoubliable, ce qui en fait notre premier choix.