5 films classiques de Marlon Brando qui ne peuvent plus être regardés aujourd'hui

Incontournable de toute liste des meilleurs acteurs de tous les temps, Marlon Brando était un artiste révolutionnaire sur d'innombrables fronts. Non seulement il a redéfini le jeu d'acteur américain, mais il a également livré des personnages richement détaillés dans « Le Parrain » et « Apocalypse Now » dont les gens parlent encore aujourd'hui. Naviguer dans le monde du cinéma américain signifie également explorer ses nombreuses performances acclamées. Cependant, Brando était une âme profondément imprévisible qui a également fait quelques ratés majeurs.

Compte tenu de l’immense portée de Brando en tant qu’artiste, cela vaut la peine d’explorer les recoins les plus sombres et les moins bienvenus de sa carrière. Malheureusement, Marlon Brando, longtemps considéré comme une figure subversive qui a bouleversé les normes du jeu d'acteur à Hollywood, a ancré plusieurs films qui ont renforcé les normes toxiques de l'industrie cinématographique plutôt que de les remettre en question. Les films les plus inaccessibles de Marlon Brando incarnent aujourd’hui cette réalité. Ces cinq longs métrages ont été des succès au box-office et/ou critiques lors de leur première première. Cependant, cette première vague de positivité n’a pas pu effacer le fait que ces titres ont tous vieilli comme du lait.

Quoi qu'il en soit, ces cinq véhicules vedettes de Marlon Brando reflètent que même les instincts créatifs de cette légende du cinéma n'ont pas fonctionné à plein régime. Parfois, ils l’ont même conduit vers des projets qui n’étaient jamais acceptables au départ.

Dans le livre de Donald Bogle « Bright Boulevards, Bold Dreams : The Story of Black Hollywood », une lettre de la fin des années 1940 écrite par Betsy Blair (actrice de cinéma légendaire et partenaire réelle de Gene Kelly) aux différentes guildes d'Hollywood est racontée. Il appelait à des améliorations significatives dans la façon dont la vie des non-blancs – et en particulier des noirs – était représentée à l’écran. À titre d'exemple de ces horreurs, Blair a noté que « dans plusieurs cas, les producteurs sont même allés jusqu'à utiliser des acteurs blancs dans des rôles noirs ». Les horreurs du blackface et des pratiques similaires étaient flagrantes, même dans les années 40.

Hélas, près d’une décennie après la rédaction de cette lettre, ces pratiques déshumanisantes se sont poursuivies. Cela comprenait la comédie de 1956 « Le salon de thé de la lune d'août », dans laquelle Marlon Brando jouait l'interprète japonaise Sakini. Des décennies après sa sortie et en grande partie tombée dans l'obscurité, la performance de « August Moon » de Brando reste largement critiquée. Conceptuellement, le film était censé parler de personnages japonais et américains apprenant à s'entendre. Cependant, même en mettant de côté cette prémisse un peu simplifiée après les horreurs des attentats à la bombe de Nagasaki et d'Hiroshima, toute tentative d'humanisation de la morale a été sapée par le portrait profondément caricatural de Sakini par Brando.

Jouant cet individu comme un personnage de dessin animé agressif, la performance de Brando a fait échouer toutes les tentatives de « The Teahouse of the August Moon » de fonctionner comme une œuvre d'art. Si seulement les producteurs du film avaient tenu compte des avertissements de Betsy Blair des années plus tôt.

Une partie de la vérité indescriptible sur Marlon Brando était qu’il était pratiquement devenu un acteur bancable à la fin des années 1960. Ensuite, « Le Parrain » est arrivé et d'un seul coup, l'étoile de Brando a été restaurée. Facilement l'un des meilleurs films de Marlon Brando, « Le Parrain » a donné à cet artiste une nouvelle vie que des gâchis antérieurs comme « Mutiny on the Bounty » rendaient impossible à obtenir. Mais juste avant que sa performance de Don Vito Corleone ne change tout, il titrait « The Nightcomers » dans le rôle de Peter Quint. Cet effort de réalisateur de Michael Winner a fonctionné comme une préquelle à la célèbre nouvelle « Le Tour d'écrou » et mettait en vedette Stephanie Beacham et Thora Hird, entre autres.

Au moment de sa sortie, Brando a obtenu une nomination aux BAFTA pour le meilleur acteur pour « Nightcomers ». Malheureusement, tous les aspects du film ne sont pas encore considérés avec autant de noblesse. D'une part, la décision de Brando de donner à Quint un accent irlandais particulier a mérité sa juste part de nervures modernes. Pendant ce temps, la tentative du projet d'être une préquelle confortable à « Le Tournage d'écrou » n'a fait que susciter davantage de controverses avec le temps, surtout compte tenu du nombre de préquelles ultérieures avec des impulsions narratives tout aussi ordonnées qui ont dominé les théâtres. Le modèle de leurs échecs a été établi par « The Nightcomers ».

Bien que moins flagrant que certains films de cette liste, « The Nightcomers » a quand même vieilli bizarrement et pas pour le mieux.

Un an après « The Teahouse of the August Moon », Brando est revenu pour présenter un autre film sur les cultures américaine et japonaise en collision avec « Sayonara ». Ici, il incarne le major Lloyd « Ace » Gruver, qui, alors qu'il est en poste au Japon, tombe amoureux de Hana-ogi (Miiko Taka). Leur relation est compliquée par le fait que l'Amérique déclare illégaux les mariages mixtes et que Gruver est déjà fiancé à Eileen (Patricia Owens). Lors de sa première sortie en salles, « Sayonara » a été un triomphe critique. Il a remporté dix nominations aux Oscars et en a même remporté un grand nombre, notamment des victoires d'acteur pour les artistes de soutien Red Buttons et Miyoshi Umeki.

Des décennies après ses débuts, cependant, les évaluations de « Sayonara » sont plus compliquées que la réputation durablement euphorique des meilleurs films des années 1950. L'écrivain Scarlet Cheng du Los Angeles Times, pour sa part, a observé que « Sayonara » et ses appels à la tolérance raciale étaient sapés par sa perspective souvent déshumanisante sur les femmes japonaises-américaines, en particulier en les idéalisant comme « subordonnées » aux hommes blancs. L'approche stéréotypée du titre pour décrire la culture japonaise a également été critiquée dans les critiques modernes. Son approche réductrice des hommes japonais-américains, incarnée par Ricardo Montalban au visage jaune pour représenter le personnage masculin japonais-américain le plus important, est tout aussi gênante et constamment controversée.

Même si « Sayonara » se présentait comme avant-gardiste, il est malheureusement tombé dans les pièges hollywoodiens courants lorsqu'il s'agissait de représenter des pays étrangers. Aucune gloire aux Oscars ne peut effacer ces problèmes frustrants.

Pour tous ceux qui espèrent que « The Teahouse of the August Moon » soit le seul exemple de Marlon Brando jouant malheureusement une ethnie non blanche, détrompez-vous. Comme si dénoncer ses amis à HUAC n'était pas assez grave, les exploits du réalisateur Elia Kazan dans les années 1950 incluaient également la réalisation de « Viva Zapata ! », dans lequel Brando incarnait le légendaire personnage mexicain Emiliano Zapata. Deux ans après « Viva Zapata! » Sorti en salles, l'excellent film pro-travailliste « Le Sel de la Terre » a peuplé son casting d'artistes mexicains comme Rosaura Revueltas et Juan Chacón. Pendant ce temps, « Viva Zapata ! » mettez Brando, Jean Peters, Joseph Wiseman et d’autres en brownface et c’est fini.

Lors de sa première sortie en salles, « Viva Zapata! » a plutôt bien réussi à établir une réputation positive. Brando a même remporté un prestigieux prix à Cannes pour son interprétation de Zapata. Cependant, ce titre est finalement devenu un autre film populaire qui a terriblement vieilli. Avec le recul, « Viva Zapata! » a été critiqué pour être si éloigné de la culture et de l'histoire mexicaines qu'il est apparu involontairement comique. Ensuite, il y a l'utilisation du seul artiste mexicain majeur, Anthony Quinn, comme un méchant traître tandis que les Blancs au visage brun deviennent héroïques.

Tout sur « Viva Zapata! » a été terriblement mal calculé, ce qui le rend carrément digne d'être regardé aujourd'hui. Passez plutôt votre temps à regarder de vrais films mexicains des années 50, comme « Él » de Luis Buñuel.

Aujourd'hui considéré comme l'un des meilleurs films des années 1970 de tous les temps, « Le Dernier Tango à Paris » a immédiatement été un chouchou des critiques lors de sa sortie en 1972. Pauline Kael l'a salué comme un événement marquant du cinéma, tandis que Martin Scorsese a salué « Le Dernier Tango à Paris » comme un microcosme de ce qui a rendu le réalisateur Bernardo Bertolucci spécial. Cependant, un nuage sombre plane sur ce film. « Last Tango in Paris » présente une scène impliquant Paul de Marlon Brando violant Jeanne (Maria Schneider). L'exécution de ce moment, et notamment son utilisation du beurre, n'a pas été préalablement approuvée par Schneider.

« Ils m'en ont seulement parlé avant de filmer la scène et j'étais tellement en colère… Je me suis senti humilié et pour être honnête, je me suis senti un peu violé, à la fois par Marlon et par Bertolucci », se souvient Schneider en 2007 auprès du Daily Mail. « Après la scène, Marlon ne m'a pas consolé ni excusé. Marlon m'a dit : 'Maria, ne t'inquiète pas, c'est juste un film', mais pendant la scène, même si ce que faisait Marlon n'était pas réel, je pleurais de vraies larmes. » Ce récit horrifiant et déchirant, associé à la déclaration de Bertolucci « Je me sens coupable, mais je ne le regrette pas » en réponse au témoignage de Schneider (via The Guardian), a désormais mis « Le dernier tango à Paris » sous un jour inévitable.

Quelle que soit sa puissance initiale, le contexte plus large de « Le Dernier Tango à Paris » se résume désormais à un film où deux hommes traumatisent un acteur de 19 ans.