5 meilleurs films d'espionnage dont personne ne parle plus

Il y a certains visages auxquels vous pensez immédiatement lorsque vous entendez l'expression « film d'espionnage » : les sept acteurs de James Bond, peut-être, ou un agent infiltré plus solide comme Jason Bourne. Vous ne considérez probablement aucun des espions dans les cinq films suivants que nous allons déballer ici, mais vous devriez probablement le faire – chacun des films que nous avons sélectionnés pour cette liste mérite plus de crédit pour être une version plus audacieuse et plus subversive de ce que nous attendons d'un genre glamour et plein d'action.

Il convient de noter qu'il ne s'agit pas d'une liste des meilleurs films d'espionnage de tous les temps – même si l'un d'eux est le mieux noté de tous sur Letterboxd – mais de cinq films qui méritent de figurer dans cette conversation, mais qui ne semblent jamais avoir de place à la table. Ce sont tous des films qui ont un public dévoué, soit auprès des critiques, soit auprès des cinéphiles, et qui ne semblent sous-estimés que lorsque nous parlons du genre dans son ensemble ; il y a très peu de chances que l'un de ces films soit le premier auquel vous pensez lorsqu'on vous demande de nommer un thriller d'espionnage, même si vous les avez vus et aimés. Il est temps de changer cela : personne ne parle de ces films maintenant, mais ils méritent tout l'amour qu'ils peuvent recevoir de la part des fans de thrillers d'espionnage.

Le film d'espionnage le mieux noté sur Letterboxd – et manquant de peu le top 100 des films les mieux notés du site au moment de la rédaction – « Army of Shadows » a le sceau d'approbation des cinéphiles, mais entre rarement dans une conversation culturelle plus large sur les meilleurs films d'espionnage. C'est peut-être parce que les critiques français l'ont absolument méprisé lors de sa sortie en 1969, et qu'il a fallu attendre 2006 pour obtenir une sortie américaine. Il s'est retrouvé dans le top 10 de nombreux critiques de cinéma à la fin de cette année et a été salué comme un chef-d'œuvre, mais convaincre les lecteurs qu'un film des générations précédentes était l'un des meilleurs de l'année était naturellement trop difficile à vendre.

Le film de Jean-Pierre Melville est un thriller factuel exquis, adapté directement du livre du même nom du journaliste Joseph Kessel et détaillant ses expériences en tant que membre de la Résistance française pendant l'occupation nazie. Il ne s'agit pas d'un film de guerre patriotique sur la défaite du fascisme en marge, mais sur la nécessité de survivre contre une dictature brutale, décrivant sans détour les luttes de divers membres de la résistance alors qu'ils tentent de se déplacer de refuge en refuge dans un paysage impitoyable. Les éléments d'espionnage proviennent de leurs tentatives de vengeance contre leurs informateurs, qui abandonnent leur nom pour survivre. Melville – dont le film précédent, « Le Samouraï », était un thriller élégant et romancé et l'antithèse de cela – refuse la moindre allusion à la catharsis en décrivant ce qu'ils supposent tous qu'il finira par devenir une mission suicide.

« Black Book » marque le retour du réalisateur Paul Verhoeven dans son pays natal, les Pays-Bas, après deux décennies de tournage de films hollywoodiens, notamment « RoboCop », « Total Recall » et « Starship Troopers ». Se déroulant en 1944, « Black Book » suit Rachel Stein (Carice van Houten), une chanteuse juive cachée dans les Pays-Bas occupés qui se fait prendre par le mouvement de résistance après que les nazis ont intercepté le reste de son groupe en route vers le sud libéré. Lorsque des membres de haut rang du groupe sont capturés, elle est chargée de se faire passer pour une non-juive afin de s'attirer les bonnes grâces du parti nazi local et d'obtenir des informations depuis leur siège à La Haye.

« Black Book » possède toutes les qualités intemporelles d'un mélodrame du vieil Hollywood – ce n'est pas pour rien qu'il a été élu meilleur film néerlandais jamais réalisé deux ans seulement après sa sortie en 2006 – mais avec la sordidité distinctive que l'on attend de l'homme qui nous a précédemment donné « Basic Instinct » et « Showgirls ». Cela signifie que la mission d'infiltration de Rachel commence naturellement par la décoloration de ses poils pubiens avant de se coucher avec le haut commandement nazi, et il y a une scène avec un pistolet caché sous un drap, conçu pour tenir debout comme quelque chose d'autre, que Francis Ford Coppola a soulevé pour sa propre « Mégalopole ». En d’autres termes, c’est exactement le mélange de bêtise et de prestige que vous attendez d’un film d’espionnage de Verhoeven, et c’est extrêmement divertissant.

Quelques années seulement après que James Bond de Sean Connery soit apparu pour la première fois à l'écran et ait rendu le jeu d'espionnage irrésistiblement cool, son opposé polaire a fait ses débuts dans une franchise d'espionnage britannique étonnamment durable. Il s'agissait de l'antihéros Harry Palmer (Michael Caine), présenté pour la première fois dans « The Ipcress File » en 1965, comme un ancien sergent de l'armée en disgrâce chargé d'enquêter sur les mystérieuses disparitions de plusieurs scientifiques. Plus qu'une version pessimiste de 007, cette première adaptation de Harry Palmer ressemblait à un équivalent britannique de la vague de thrillers politiques du début des années 1960 qui avaient une touche de science-fiction ; plus proche d'un « candidat mandchou » britannique que d'un « Goldfinger » moins exagéré.

Bien qu'il ait joué un rôle clé dans les premières années de la carrière de Caine, il n'est pas vraiment reconnu comme l'un de ses films définitifs, même dans son pays d'origine (il est toujours classé parmi ses meilleurs et les plus mémorables pour nous). Cette version du film d'espionnage doit être considérée comme une contemporaine des différentes adaptations de John le Carré – le roman source a été publié un an avant la percée de ce dernier « L'espion venu du froid » – dans la manière dont il a déglamorisé le genre, prouvant qu'il existait un public pour des histoires plus cruelles et moins héroïques sur la vie dans l'ombre.

Malheureusement, son plus grand héritage culturel durable pourrait être que le look d'Austin Powers de Mike Myers ait été inspiré par Harry Palmer de Caine. Mais quiconque s’attend à des détours campagnards basés sur cette description sera profondément déçu.

Que faites-vous après avoir remporté votre premier Oscar du meilleur réalisateur, et pour une histoire d'amour de cow-boy gay en plus ? Pour Ang Lee, la réponse était simple : vous faites une histoire sexuellement explicite sur la Seconde Guerre mondiale à propos d'un agent infiltré chinois réticent (Tang Wei) et de sa relation florissante avec un agent du gouvernement d'occupation japonais (Tony Leung Chiu-wai) qu'elle aide à assassiner.

Quiconque pense qu'il est impossible que les scènes de sexe fassent avancer l'intrigue d'un film devrait être obligé de regarder « Lust, Caution » de 2007, qui utilise sa sensualité pour tenter de briser les barrières entre deux personnages qui se cachent de graves secrets l'un à l'autre. Il s’agit d’une approche controversée de la narration, mais qui s’est révélée payante ; il a rapporté 67 millions de dollars et est devenu le film NC-17 le plus rentable de tous les temps.

Lee ayant réalisé de nombreux films considérés comme des chefs-d'œuvre, « Lust, Caution » est rarement mentionné comme l'une des œuvres les meilleures et les plus audacieuses dans une filmographie qui comprend également « Crouching Tiger, Hidden Dragon », « Brokeback Mountain » et « Sense and Sensibility ». Il est également fréquemment négligé dans les listes des meilleurs films d'espionnage, ce qui est dommage, car son approche sexuellement franche explore et déconstruit l'un des tropes les plus récurrents du genre. Nous voyons des super-espions suaves comme James Bond utiliser le sexe pour obtenir des réponses tout le temps – il est rare qu'un film explore les retombées émotionnelles d'une relation sexuelle fondée sur des mensonges, en particulier dans un contexte historique aussi riche que celui-ci.

Il a reçu les nominations du meilleur film et du meilleur réalisateur début 2006, mais on pourrait probablement encore considérer « Munich » comme le film le plus sous-estimé de la filmographie de Spielberg. Traitant des retombées des attentats terroristes du 5 septembre aux Jeux olympiques de Munich de 1972, le film est une dramatisation des agents officieux du Mossad engagés pour assassiner chaque nom figurant sur la liste des suspects terroristes. C'est un sujet chargé, surtout si l'on considère les horreurs en cours dans le conflit israélo-palestinien, mais le scénariste Tony Kushner – dans sa première de plusieurs collaborations avec Spielberg – en est parfaitement conscient et ne peut être accusé d'avoir réalisé un drame d'espionnage qui valorise de quelque manière que ce soit son noyau d'agents.

Comme « La Guerre des mondes », sorti plus tôt en 2005, « Munich » est l'une des tentatives de Spielberg pour faire face aux retombées du 11 septembre. Dans le blockbuster de science-fiction, c'était une allégorie paranoïaque, mais cette épopée historique est bien plus complexe, établissant des parallèles entre cette mission de vengeance sans fin et la guerre contre le terrorisme en cours, montrant la spirale catastrophique qui se produit inévitablement lorsque l'on agit au nom de la vengeance plutôt que de la justice. Si ce parallèle n’était pas assez subtil, la confrontation finale se déroule directement devant le World Trade Center.

C'était une pilule difficile à avaler pour beaucoup et il reste l'un des films les moins rentables de Spielberg, mais « Munich » mérite bien plus de crédit pour la complexité morale qu'il apporte au genre de l'espionnage.