Les meilleurs films d'horreur avec des partitions parfaites de tomates pourries

Tout au long de l’histoire du cinéma, l’horreur n’a jamais été un favori des critiques. L’horreur était le domaine des images populistes de série B ; un genre qui pouvait toujours garantir des fesses dans les sièges, mais qui atteignait rarement le respect critique réservé à ses cousins ​​​​de genre plus respectables. Même si les Oscars ne constituent pas le test décisif le plus fiable, il est révélateur que seuls sept films d'horreur aient été nominés pour le meilleur film : « L'Exorciste », « Les Dents de la mer », « Le silence des agneaux », « Le Sixième sens », « Cygne noir », « Sortez » et « La substance ». Cependant toi peut sembler cher lecteur (et croyez-moi, vous êtes entre amis), en ce qui concerne les créateurs de tendances historiques, l'horreur est un art bas. C'est du divertissement, bien sûr. Mais sa valeur esthétique est suspecte. C’est du moins ce que veulent vous faire croire les pouvoirs en place.

Même si le vent a certainement changé ces dernières années (apprécier le genre n’est plus la marque noire qu’il était autrefois), la réticence à reconnaître l’horreur comme autre chose que le spectacle persiste. Lorsque les gens tentent, sur la défensive, de recontextualiser les « bons » films d'horreur comme élevé l'horreur, c'est un révélateur du réflexe de ressentir de la gêne à aimer les films d'horreur. En effet, le genre a toujours été intelligent, beau et suscitant la réflexion. Et même s’il est tentant de percevoir la présence écrasante des films modernes comme un biais de récence, nous aimerions penser qu’il s’agit simplement d’un signe que peut-être le vent commence enfin à tourner.

Donc, avec tout cela dit, asseyez-vous et installez-vous pour notre répartition des films d'horreur bénéficiant actuellement d'un taux d'approbation critique parfait de 100 % sur l'agrégateur d'avis Rotten Tomatoes.

Attention aux légers spoilers ci-dessous.

Ce n'est pas un petit miracle que le légendaire « Angst » de Gerarld Kargl, difficile à regarder, bénéficie actuellement d'une note de 100 % sur Rotten Tomatoes. Illustration consacrée de la brutalité perpétrée par de vrais psychopathes, « Angst » suit un tueur en série anonyme (Erwin Leder) après sa sortie de prison. Dès que les portes se ferment derrière lui, le tueur totalement non réhabilité se précipite immédiatement dans le monde pour commettre le meurtre parfait. Cela a toujours fait partie du plan ; maintenant, il ne reste plus qu'à trouver une victime convenable. Après plusieurs faux départs et occasions manquées, le tueur décroche bientôt le jackpot d'un fou : un domaine isolé entouré d'épais bois. Lorsque les habitants – une femme âgée, sa fille et son fils handicapé – rentrent chez eux, le tueur ne perd pas de temps pour déchaîner ses désirs pervers sur la famille sans méfiance.

« Angst » fait partie de ces films qu'on ne peut vraiment recommander à personne en toute bonne conscience. Mais c’est sans aucun doute l’un des plus grands films d’horreur jamais consacrés au celluloïd. Forçant son public à une proximité insupportable avec son sujet, avec une cinématographie qui vacille et flotte avec un malaise et une curiosité désincarnés, le film oscille entre justifications psychotiques et dégénérescence érotique, tandis que le tueur monologue tout au long du film, détaillant sa prise de décision avec une facilité déconcertante. Chargés d’une violence primale et terriblement maladroite, peu de films peuvent véritablement prétendre être aussi viscéralement inconfortables à regarder. Comme le dit Meagan Navarro de Bloody Disgusting, le film « donne même à Henry : Portrait d'un tueur en série un aspect quelque peu apprivoisé ».

Si vous n'avez pas encore eu la joie de regarder « One Cut of the Dead », tenez compte de cet avertissement : il est préférable, si possible, d'y aller à l'aveugle. Pas de spoilers ici, mais procédez à vos propres risques. Une partie du charme indéniable du film d'horreur japonais de Shinichiro Ueda de 2017 réside dans ses révélations et la manière astucieuse avec laquelle il vous fait croire que vous êtes prêt pour un autre film d'images trouvées à petit budget, avant de révéler qu'il s'agit de tout autre chose. En dire beaucoup plus reviendrait à trahir le tirage du tapis au milieu du film. Mais si vous avez l'impression de rouler des yeux pendant le premier acte du film, continuez : des délices sanglants vous attendent de l'autre côté. Appeler cela une combustion lente ne signifie pas vraiment rendez-lui justice. « One Cut of the Dead » s'apparente davantage à une routine de stand-up longue et sinueuse.

Assis joliment avec une partition parfaite de Rotten Tomatoes au moment de la publication, « One Cut of the Dead » a été unanimement salué pour son mélange effronté de gore joyeux et de méta-commentaires intelligents. Comme le dit Carlos Aguilar du Los Angeles Times, le film est « une classe de maître en matière d'inventivité narrative sans fin et une ode à l'esprit ingénieux et collaboratif du cinéma pratique ». Une partie de cette collaboration vient de vous, du public, et de votre volonté de vous abandonner à la poupée russe qui se déploie (chaque couche est plus sanglante et hilarante que la précédente). Comme le titre le proclame avec audace, une grande partie de l'action se déroule dans une véritable prise unique, sans coupures mais abondante en morsures, cris et membres perdus. Peu de films d’horreur parviennent à obtenir une partition sans faille pour Rotten Tomatoes. Et parmi ce nombre, seul « One Cut of the Dead » est considéré comme la race la plus rare : la comédie d'horreur véritablement horrible (et hilarante).

Premier long métrage exceptionnel du réalisateur britannique Remi Weekes, « His House » suit Bol (Sope Dirisu) et Rial (Wunmi Mosaku), un couple arrivé au Royaume-Uni après avoir fui le Soudan du Sud. Pour obtenir leur asile, Bol et Rial doivent respecter les règles strictes qui régissent leur vie quotidienne et vivre dans un logement qui leur est assigné. C'est un immeuble en ruine dans un quartier raciste, mais après avoir affronté tant d'épreuves, avoir un toit au-dessus de leur tête signifie tout pour eux. Tandis que Bol tente de s'assimiler à la culture britannique, Rial ne peut s'empêcher de ressentir que quelque chose de sombre les a suivis à travers l'océan. Toujours en deuil de la perte de leur fille, qui n'a pas survécu au voyage, le couple commence bientôt à ressentir la présence de quelque chose de sombre et de colérique qui se cache dans les murs de la maison dans laquelle ils ont reçu l'ordre de vivre.

Récit poignant et puissamment réalisé sur la culpabilité du survivant et les fantômes du passé, « His House » expose les véritables horreurs d'un système d'immigration déshumanisant, tout en évoquant des fantômes surnaturels réellement inquiétants. Une version moderne, émotionnelle et véritablement terrifiante, de la formule de la maison hantée, « His House » rappelle la logique onirique cauchemardesque de Lucio Fulci tout en se créant un espace qui lui est propre. Arborant un consensus critique parfait sur Rotten Tomatoes, « His House » équilibre son intelligence désarmante avec des images véritablement troublantes qui font honte à la plupart des plats surnaturels modernes. Comme le résume bien Tim Grierson de Screen Daily : « Le film a beaucoup à dire sur le chagrin, la culpabilité, l'assimilation et la crise actuelle des réfugiés. Au final, « His House » est la preuve que les films d'horreur peuvent tout faire.

Aaron (Mark Duplass) vieillit : 40 ans se profilent à l'horizon et son projet passionné commence à ressembler à n'importe quel travail quotidien. Et hé, écoutez, les crises de la quarantaine se multiplient. Ils font naturellement partie du vieillissement et du fait de regarder sa propre mortalité en face. Et pour Aaron, la joie de plonger des haches et des couteaux de cuisine dans des jugulaires sans méfiance n'a tout simplement plus le même piquant maintenant que les cheveux gris ont commencé à envahir ses tempes. Assassiner des gens n'a tout simplement pas la même chose je-ne-sais-quoi qu'avant. Et se retrouvant en pleine action, Aaron commence à se demander comment il peut continuer. Entrez : Sara (Desiree Akhavan), une aspirante réalisatrice dans une crise créative similaire. Sa série Web, « Encounters », ne fonctionne pas aussi bien qu'elle l'espérait, et dans un ultime effort pour sauver son émission, Sara répond à la sinistre annonce Craigslist d'Aaron pour se présenter, au milieu de nulle part, avec une caméra et un esprit ouvert.

Un jeu du chat et de la souris laconique et rempli de tension où il n'est jamais vraiment clair qui est le chat et qui est la souris, « Creep 2 » est une suite choquante à « Creep » de 2014, mêlant humour noir et tropes d'horreur trouvés à un effet rampant. Sorti en 2017, de nombreux critiques, dont Alex McLevy d'AV Club, ont noté que la suite « s'améliore par rapport au premier film presque dans tous les sens », réservant un éloge particulier à la présence magnétique d'Akhavan à l'écran. Complété par « une tension angoissante et anxiogène », comme le note Jonathan Barkan de Dead Central, « Creep 2 » surpasse son prédécesseur et plus encore.

Docteur en psychologie et fervent sceptique, le Dr John Holden (Dana Andrews) est en route pour Londres pour co-animer un séminaire plutôt particulier : une conférence visant à exposer le culte du diable, la sorcellerie et le pouvoir occulte comme rien de plus que de la fumée, des miroirs et de la persuasion. La cible centrale du symposium est le ridiculement barbiche Julian Karswell (Niall MacGinnis), un chef de secte locale qui semble avoir une emprise sur ses partisans. Lorsque le Dr Holden arrive en Angleterre, il est surpris d'apprendre que son collaborateur, le Dr Harrington, a été tué dans un étrange accident électrique. Seulement, sa nièce intelligente (Peggy Cummins) pense que l'état de brutalité du cadavre de son oncle indique une cause bien plus violente, et peut-être surnaturelle. Alors que le Dr Holden reste catégorique sur le fait que Karswell n'est rien d'autre qu'un charmant escroc, les preuves commencent à s'accumuler selon lesquelles il pourrait être le prochain à mourir par des moyens… contre nature.

Réalisé par le maître français du macabre Jacques Tourneur (l'homme derrière « Cat People » et « I Walked With a Zombie »), « Curse of the Demon » (alias « Night of the Demon ») oppose une rationalité obstinée à des croyances déséquilibrées avec des résultats véritablement terrifiants. Bien que « l’horreur populaire » ne soit pas correctement codifiée en tant que sous-genre d’horreur avant la fin des années 1960 ou le début des années 1970, les grondements de fantômes cinématographiques occultes sont présents dans ce film glacé de 1957. En tant que lecteur de Chicago Le critique Dave Kehr écrit dans sa critique de 1985 que le film de Tourneur est « intelligent, délicat et réellement effrayant », parvenant à évoquer une véritable terreur à partir de l'invisible et de l'implicite.

Un célèbre chasseur de gros gibier nommé Bob (Joel McCrea) navigue joyeusement sur un yacht de luxe, régalant ses compagnons de voyage de récits passionnants sur ses exploits passés. Puis, tout à coup, leur navire s'écrase sur un récif inexploré, tuant tout le monde à bord, à l'exception de Bob, qui survit miraculeusement et s'échoue sur le rivage d'une île apparemment désolée des Caraïbes. Bientôt, Bob se retrouve l'invité de l'excentrique comte Zaroff (Leslie Banks), un mystérieux reclus russe. Constatant qu'il n'est pas le seul naufragé dans le château de Zaroff, Bob apprend vite que son hôte se façonne en quelque sorte un chasseur accompli. Seulement, le comte Zaroff ne chasse pas les animaux. Ses intérêts sont ailleurs, chez des proies plus rusées : les humains.

Lâchés dans la jungle dangereuse, Bob et sa compagne Eve (Fay Wray) doivent survivre jusqu'au lever du soleil s'ils veulent quitter l'île vivants. Entre se recroqueviller dans des troncs d'arbres et échapper aux chiens de Zaroff, Bob commence à sympathiser avec les animaux qu'il chassait autrefois.

Basée sur une nouvelle de 1924 de Richard Connell, l'adaptation de 1932 d'Irving Pichel et Ernest B. Schoedsack de « The Most Dangerous Game » a été saluée par le New York Times contemporain. critique Mordaunt Hall, comme « un mélodrame très satisfaisant » avec des éloges particuliers réservés à la performance de Banks dans le rôle de l'ignoble Comte. Pendant ce temps, des médias modernes comme TimeOut ont remarqué positivement le statut du film comme « l'un des films les meilleurs et les plus instruits des grands jours de l'horreur ». Ne perdant pas de temps avec son rythme effréné, « Le jeu le plus dangereux » persiste près d'un siècle plus tard avec ses délices morbides.