5 films classiques de Stephen King qui ne peuvent plus être regardés aujourd'hui

Le travail de Stephen King a inspiré de nombreux chefs-d'œuvre et encore plus de ratés sur grand écran, mais même ses adaptations les plus faibles ont des défenseurs prêts à se battre dans leur camp. Aujourd’hui, nous nous penchons sur ceux pour lesquels il est devenu de plus en plus impossible de plaider en faveur en raison de leur vieillissement. Certaines d’entre elles n’étaient pas si géniales au départ, vous ne pouvez donc qu’imaginer à quel point elles pourraient être pénibles à vivre aujourd’hui.

Ce sont nos préférences personnelles, mais nous avons défini ici « classique » comme désignant tout ce qui a été publié avant le 21e siècle, et non s'il s'agit d'un classique dans la conscience culturelle. Les titres ci-dessous sont un mélange de films mal jugés, allant d'adaptations mal gérées de sources problématiques à des films initialement appréciés qui ont vieilli comme du lait, et plusieurs qui présentent certaines des pires réalisations que vous verrez dans votre vie. Nous nous attendons à une certaine controverse à propos de quelques titres avec des bases de fans plus importantes que d’autres inclus ici. Cependant, si vous les regardez à travers les yeux d'un spectateur en 2026, vous comprendrez pourquoi nous les considérons désormais comme inregardables comme les pires films réalisés au nom de King.

Il ne s'agit pas d'un classement, les cinq films suivants étant tous classés par ordre alphabétique. Si vous avez envie de voir un grand film de Stephen King après cela, nous avons également classé ses 15 meilleurs films. Cependant, dans un petit spoiler pour cette liste, nos scénaristes ne sont pas d'accord sur un film, qui est soit inregardable, soit l'une des plus grandes adaptations de son œuvre. Tout dépend de qui vous croyez !

Habituellement, les controverses en coulisses n’affectent pas notre plaisir d’apprécier un film. À moins de voir des signes de ce drame dans le montage final, il est facile d'oublier qu'un film a eu une production tortueuse. Mais quand il s'agit du réalisateur Bryan Singer, il est impossible de regarder un de ses films sans voir les signes d'allégations répétées selon lesquelles il se présenterait rarement sur le plateau, avec des réalisateurs fantômes embauchés pour prendre le relais. Le montage saccadé de « Bohemian Rhapsody » a remporté l'Oscar du meilleur montage, probablement par sympathie pour les pauvres monteurs qui ont dû faire de leur mieux pour récupérer les images de plusieurs étapes différentes d'une production notoirement maudite.

Singer n’a pas toujours eu cette réputation. Son suivi de « Usual Suspects », « Apt Pupil », se déroule comme une adaptation compétente du roman de Stephen King, détaillant l'histoire d'un adolescent (Brad Renfro) découvrant qu'un voisin excentrique (Ian McKellen) était un ancien nazi de haut rang vivant en exil. Cependant, une fois que vous avez pris connaissance d'une scène supprimée et des procès qu'elle a inspirés, rien dans le film ne peut échapper à son ombre inconfortable. Une séquence cauchemardesque déjà de mauvais goût, dans laquelle le protagoniste adolescent Todd imagine des victimes de l'Holocauste dans les douches du gymnase de son école, avait été initialement envisagée alors que ses camarades de classe étaient maquillés pour ressembler à des détenus des camps de concentration.

Cela a inspiré des poursuites judiciaires car plusieurs acteurs mineurs de la scène ont affirmé que Singer les avait forcés à se déshabiller pour le tourner ; en 2020, lorsque le comportement de Singer a été de nouveau scruté à la loupe, il aurait été réglé pour un montant non divulgué, les plaignants étant tous liés par des accords de confidentialité. « Apt Pupil » n'est pas parfait comme thriller, mais ce contexte rend profondément inconfortable la relecture, même si toutes les preuves ont été effacées de l'écran. En fait, il s’agit peut-être de l’adaptation de King la plus controversée.

Stephen King a aimé l'adaptation de « The Green Mile » par Frank Darabont, bien qu'il ait formulé quelques critiques mineures sur la façon dont elle augmentait la sentimentalité de son matériel source, plaisantant en disant que le réalisateur avait réalisé le premier film Hallmark classé R. Bien qu'il soit sans vergogne minable et inutilement long (189 minutes) (le roman source n'est guère une des épopées de King, comptant un peu plus de 400 pages), le plus gros problème de ce film nominé aux Oscars est la caractérisation du personnage de Michael Clarke Duncan, John Coffey, un défaut inhérent à l'histoire qu'il est impossible de négliger à l'écran.

Il s’agit d’un conte qui s’appuie sur le trope raciste de l’homme noir magique, dont les pouvoirs surnaturels n’existent que pour aider le protagoniste blanc à connaître une croissance profonde. Malgré toutes ses capacités de guérison, John est sans agence, tout son personnage étant défini par sa relation avec l'agent correctionnel Paul Edgecomb (Tom Hanks) et par la façon dont il remodèle sa vision du monde.

C'était un trope courant dans les romans réalistes magiques plus anciens que nous ne voyons heureusement pas trop dans la fiction contemporaine, où les personnages noirs serviles étaient généralement caractérisés comme étant de faible intellect, parlant dans des non-sequiturs populaires. En d’autres termes, ils étaient positionnés comme ne menaçant pas le statut du protagoniste blanc, même s’ils étaient cruciaux pour son voyage. C'est pourquoi « The Green Mile » ne fonctionne pas aussi bien qu'il le devrait en tant que larmoyant, car il s'appuie sur ce qui a été largement accusé de stéréotype raciste négatif pour générer une certaine résonance émotionnelle. Beaucoup l’apprécient, mais même en 1999, « The Green Mile » semblait dépassé.

Pour Stephen King, « The Lawnmower Man » est sans aucun doute l'un des films inspirés de son œuvre les plus incontournables, car il s'agit d'une adaptation de sa nouvelle de 1975, rien que le nom. Plusieurs poursuites ont été intentées par l'auteur pour s'être écarté de l'histoire d'un banlieusard qui engage involontairement un adorateur du diable pour tondre sa pelouse et devenir une histoire cyberpunk boiteuse sur un scientifique (Pierce Brosnan) utilisant son jardinier handicapé intellectuel (Jeff Fahey) comme cobaye dans une expérience de réalité virtuelle.

Certes, ce film de 1992 n'est pas le seul film de cette liste à conserver une certaine visibilité si vous le regardez uniquement sur le plan kitsch, mais la représentation datée de la technologie – y compris certains des effets spéciaux pré-Internet les plus ridicules représentant le cyberespace – est loin d'être le seul aspect qui rend difficile de prendre ce film au sérieux avec un œil moderne.

Bien qu'on ne puisse pas accuser Fahey de manque d'engagement dans le rôle, la première représentation de son personnage, Jobe Smith – avant qu'il ne se transforme en un psychopathe numériquement amélioré – reste une caractérisation inconfortable et à la limite répréhensible d'un homme ayant une déficience intellectuelle. Certes, une horreur qui plie les genres au début des années 1990 n'est pas l'endroit où aller lorsque l'on recherche une représentation sensible de cela, mais le recours aux tropes dans l'écriture et la performance constitue un début difficile, d'autant plus qu'il n'y a rien de spécifique dans le récit qui justifie cette caractérisation. Si vous pouvez le voir ironiquement, « The Lawnmower Man » est un bon moment comme il n'a jamais été prévu de l'être, mais vous devez quand même négliger de nombreux tropes obsolètes pour atteindre ce niveau.

Il existe de nombreuses raisons pour lesquelles le seul effort de réalisation de Stephen King a été récupéré par le public du si mauvais c'est bon, avec de nombreux décors illustrant le chaos des véhicules sur une bande originale qui présente plusieurs des plus grands succès d'AC/DC. Mais si vous ne revisitez pas « Maximum Overdrive » comme un film de minuit avec une foule de théâtre bondée, alors les mêmes raisons pour lesquelles il joue bien là-bas en tant que kitsch technologique des années 1980 sont pourquoi il tombe complètement à plat si vous le revisitez à la maison. Lorsque vous ne riez pas avec des cinéphiles partageant les mêmes idées sur les tueries exagérées de machines nouvellement sensibles, il y a peu de raisons d'être investi grâce à la caractérisation insipide et à un réalisateur qui semble plus intéressé à choquer le public qu'à les effrayer efficacement.

La production torturée du film a été longuement documentée, et la nature souvent incohérente de la narration est en grande partie due au fait que – selon les propres mots de l'auteur – King était « fou de coke » pendant la production (via Far Out Magazine). D'autres collaborateurs ont déclaré qu'il arrivait au travail à 6 heures du matin ivre et qu'il continuait à boire des bières tout au long de la journée de travail. Rien dans « Maximum Overdrive » ne dissipe ces affirmations, et il n'y a qu'une quantité limitée de cet excès drogué qu'un spectateur peut supporter avant que l'esprit amateur de la force créatrice derrière tout cela ne devienne apparent.

C'est une curiosité fascinante car c'est la seule fois où King est passé derrière la caméra et fait preuve d'un certain panache visuel dans quelques scènes qui suggèrent un cinéaste beaucoup plus compétent s'il n'était pas sous influence. Malheureusement, ce n'est pas le King qui s'est présenté au set « Maximum Overdrive », et vous aurez du mal à défendre les résultats ; on dirait qu'il a été fabriqué lors d'une cintreuse.

L'un des romans de Stephen King des années 1980 publiés sous le pseudonyme de Richard Bachman, et notamment celui dont la publication à succès a finalement permis de révéler la vérité sur son véritable auteur, « Thinner » était déjà source de discorde dans sa forme originale – du moins, selon les normes habituelles de King. C'était une histoire noire et comique qui avait besoin de la main directrice d'un réalisateur capable de marier les aspects d'horreur corporelle avec une tradition surnaturelle qui pourrait donner l'impression de jouer sur des stéréotypes raciaux si elle n'était pas dramatisée avec soin. Un cinéaste comme Tom Holland (non, pas celui-là) qui a déjà réalisé « Child's Play » et l'original « Fright Night » semblait être le candidat parfait pour une comédie d'horreur de haut niveau qui flirtait avec le transgressif, mais son adaptation de 1996 de « Thinner » a du mal à surmonter les défauts inhérents à l'histoire.

Le discours éclair d'un avocat obèse maudit par une perte de poids rapide est intrigant, bien que ce sort soit imposé par un homme rom pour se venger du meurtre de sa fille, comptant sur le public stéréotypant la communauté comme abritant des pouvoirs de magie noire pour faire fonctionner la peur. Le traitement du personnage central (interprété par Robert John Burke) devrait faire la satire des questions d’image corporelle, mais alimente plutôt la grossephobie générale des années 1990. Les prothèses irréalistes de l'acteur sont qualifiées de grotesques et le personnage souffre d'une obsession malsaine pour la nourriture.

Le matériel pourrait être efficacement modernisé en tant que satire d'horreur corporelle d'une manière qui parle des normes de beauté impossibles de la société et d'autres thèmes adjacents (comme les troubles de l'alimentation). Malheureusement, cette incarnation est un produit de son époque de la manière la plus préjudiciable, se conformant aux mêmes normes de beauté superficielles dans lesquelles elle voulait trouver l'horreur.