5 meilleurs films néo-occidentaux de tous les temps, classés

Le western a eu un impact énorme sur le cinéma américain. Non seulement les films occidentaux que vous devez voir avant de mourir sont très acclamés, mais ils ont également influencé d'innombrables artistes qui réalisent de nouveaux films. Il suffit de regarder le nombre infini de films faisant référence au plan de porte emblématique de « The Searchers », ou le déluge de fonctionnalités enracinées dans l'iconographie issue des westerns. L'héritage de ce genre comprend l'apparition du néo-occidental, un successeur du genre contemporain.

Le néo-occidental est mieux décrit comme un film traduisant souvent des histoires et des environnements occidentaux dans des mondes plus modernes. En règle générale, ils plongent dans des atmosphères plus sombres, des sens moraux complexes et offrent même des commentaires sociaux perspicaces sur le noyau interne des westerns classiques. Ce faisant, les cinéastes créent quelque chose de nouveau à partir des tropes familiers des films de genre. Ils tissent également des histoires qui entretiennent des relations intéressantes entre le passé et le présent. La meilleure façon de savoir si un film que vous regardez est un néo-occidental est simplement de le regarder et de voir s'il semble appartenir au genre. Les cinq meilleurs films néo-occidentaux de tous les temps (classés ci-dessous du « moins meilleur » au meilleur) illustrent ce genre naissant.

Même pour ceux qui ont du mal à mettre le doigt sur ce qui est ou n'est pas néo-occidental, ces productions s'inscriront immédiatement comme appartenant à cet espace cinématographique. Ces cinq films illustrent également les vertus artistiques du genre, qui maintiennent le genre occidental en vie d’une manière nouvelle et fascinante.

Dans les années 2020, le milieu créatif du scénariste/réalisateur Taylor Sheridan est devenu banal. Presque toutes les émissions télévisées de Taylor Sheridan, y compris « Yellowstone », ont succombé à d’étranges défauts d’écriture comme des dialogues didactiques et délirants et une écriture rétrograde irritante sur les femmes. Avant de produire d'interminables slops télévisés teintés de western pour Paramount+, Sheridan a écrit des drames respectables sur grand écran qui l'obligeaient à travailler avec d'autres cinéastes comme Denis Villeneuve. Son plus grand scénario reste celui de « Hell or High Water » de 2016, une collision fantastique entre les caractéristiques narratives occidentales et le monde moderne.

Cette fusion de l'ancien et du nouveau se réalise dans un moment mémorable « Enfer ou hautes eaux » où un éleveur de bétail exprime sa frustration à l'idée qu'il élève toujours du bétail comme ses ancêtres tandis qu'une ville moderne et scintillante s'attarde au loin. La spécificité qui sous-tend ce visuel évocateur se répercute tout au long du reste de l'histoire, qui suit les frères Toby (Chris Pine) et Tanner Howard (Ben Foster) se livrant à des braquages ​​​​de banque pour se venger de la Texas Midlands Bank. Pendant ce temps, le Texas Ranger Marcus Hamilton (Jeff Bridges) est déterminé à traquer le duo.

Ce fil convaincant tire une grande utilité des performances profondément vécues de ses différents acteurs, en particulier Foster et Bridges. Un tour de soutien mémorable de la part du toujours bienvenu Dale Dickey, dernièrement de « Widow's Bay », ne fait pas de mal non plus. Un travail de caméra et un montage solides imprègnent également le savoir-faire exceptionnel de la production. Offrant des rebondissements divertissants, un paysage moral difficile et une tragédie puissamment douloureuse, « Hell or High Water » fait honte aux œuvres télévisées modernes et ternes de Sheridan.

C'est formidable de voir un premier film et de se rendre compte que le cinéaste est sur le point de devenir une légende. C'est ce qui est arrivé à tous ceux qui ont eu la chance de voir le premier long métrage de Nia DaCosta, « Little Woods », dans un théâtre en 2019. La future réalisatrice de « Hedda » et de « 28 ans plus tard : Le Temple des os » utilise sa caméra pour suivre Ollie (Tessa Thompson), résidente du Dakota du Nord, alors qu'elle lutte pour traverser à la fois ses derniers jours de probation et sa relation avec sa sœur, Deb (Lily James). Lorsque de nouveaux obstacles financiers apparaissent (comme la perte de sa maison), Ollie n'a d'autre choix que de recommencer à distribuer des médicaments, le même crime qui l'avait auparavant mise derrière les barreaux.

Comme les meilleurs films néo-occidentaux, « Little Woods » jette un regard sans faille sur le monde moderne dans lequel il a été produit. Dans ce cas, les luttes pour diverses formes d'autonomie dans le capitalisme américain en phase avancée se répercutent à chaque instant de l'intrigue. Ollie, par exemple, a du mal à se forger un nouvel avenir tandis que Deb fait face à une grossesse inattendue et au jugement sociétal attaché à l'avortement. Pendant ce temps, la tension des confrontations occidentales classiques de « midi » est ici traduite en séquences de suspense captivantes, comme l'agent de libération conditionnelle d'Ollie faisant une inspection surprise de sa maison. Même la partition atmosphérique de Brian McOmber canalise les harmonies distinctives créées par des compositeurs classiques du cinéma occidental comme Ennio Morricone.

« Little Woods » rappelle souvent les westerns tout en devenant moderne et captivant. Nia DaCosta a placé la barre haute pour sa carrière cinématographique avec ce premier film exceptionnel.

De nombreux westerns classiques visaient à renforcer le « pouvoir » des rôles de genre et raciaux conventionnels aux États-Unis. Même certains des 10 meilleurs films occidentaux de tous les temps selon Letterboxd le soulignent malheureusement. Dans le pire des cas, ces titres mettaient en vedette des acteurs comme John Wayne romantisant le colonialisme ou les concepts traditionnels de genre. Laissez à un maître comme le scénariste/réalisateur John Sayles, célèbre pour ses œuvres réfléchies et conscientes de sa classe comme « Matewan », le soin de réprimander cet héritage dans « Lone Star » de 1996. Situé dans une ville frontalière du Texas, le film suit le shérif Sam Deeds (Chris Cooper) alors qu'il tombe dans un terrier de complots et dissimule des secrets après avoir déterré un crâne enterré.

Plutôt que de renforcer nonchalamment ou activement la suprématie blanche, « Lone Star » jette plutôt un regard sans faille sur les horreurs des préjugés raciaux. Et plutôt que d’enfermer ses personnages masculins dans des archétypes rigides dépourvus d’émotions, des gens comme Sam Deeds se voient attribuer une vulnérabilité et des complexités nuancées (que Cooper gère avec sa maîtrise fiable). Alors que les westerns proposent souvent des visions d'antan qui n'aggraveront pas les classes encore socialement privilégiées, « Lone Star » raconte l'histoire de Deeds découvrant le passé sombre qui a rendu possible son monde moderne. « Lone Star » est fascinant à la fois comme subversion des caractéristiques du cinéma occidental et comme simple thriller.

Qu'il s'agisse des transitions de scènes inspirées (qui passent intelligemment d'une période à l'autre) ou de sa douloureuse réplique finale, « Lone Star » est une œuvre obsédante toujours aussi pertinente. Ne sous-estimez jamais les prouesses de John Sayles.

Au début du texte de Mark Harris « Pictures at a Revolution : Five Movies and the Birth of the New Hollywood », l'auteur raconte à quel point l'industrie cinématographique était déprimée à cause des films nominés à la 36e cérémonie des Oscars. Signe du retard du cinéma américain par rapport au public et à la scène cinématographique mondiale, les films internationaux (notamment les titres européens) ont dominé les nominations de l'année. Harris raconte également à quel point d'innombrables personnalités de l'industrie cinématographique ont été sidérées par le fait que « les studios hollywoodiens avaient rassemblé une programmation embarrassante de films en 1963 et n'avaient ensuite pas réussi à nommer (pour le meilleur film) le meilleur d'entre eux, 'Hud' ».

Cet effort de réalisation de Martin Ritt est bien plus que la simple catégorie majeure des Oscars qu'il n'a pas réussi à percer. L'un des plus grands films de Paul Newman jamais réalisés, « Hud » a vu Newman jouer le rôle principal du film, un éleveur vaniteux traversant les troubles familiaux dans un ranch de l'enclave du Texas. La partition entraînante et l’héroïsme classique des westerns sont ici effacés au profit d’une douleur douloureuse sans fin. Souvent, Ritt évite la partition d'Elmer Bernstein juste pour laisser le silence et l'angoisse de ces gens remplir l'écran. L'excellent travail de Newman dans le rôle de Hud réaffirme avec force pourquoi il est toujours l'un des meilleurs acteurs de tous les temps.

Cependant, c'est la performance lasse de Melvyn Douglas en tant que père de Hud qui fait office de MVP du film. Il résume le chagrin transperçant qui alimente « Hud », un film remarquable de 1963 – ou de n’importe quelle année de l’histoire du cinéma américain.

L'auteur Cormac McCarthy est célèbre pour ses œuvres sombres comme « The Road ». Ce palmarès a perduré avec son roman de 2005 « No Country for Old Men », qui a été adapté en 2007 dans un film magistral du même nom. La vision de Joel et Ethan Coen conserve l'esthétique sinistre de son matériau d'origine en réalisant l'histoire de Llewelyn Moss (Josh Brolin) tombant sur et saisissant un sac d'argent, ce qui le met dans la ligne de mire de l'assassin Anton Chigurh (Javier Bardem). Le meilleur parmi les meilleurs films lauréats d'un Oscar des années 2000, « No Country for Old Men » insuffle une vulnérabilité et une petitesse écrasantes dans ce fil se déroulant au Texas.

Souvent, dans les westerns vintage, l’homme idéal avec un chapeau de cowboy pouvait résoudre n’importe quel problème, surtout s’il portait une arme à feu. Dans « No Country for Old Men », aucun sauveur ne vient secourir son peuple en danger. La violence se produit de manière aléatoire et n'importe où, des bureaux élégants aux rues animées, en passant par votre propre domicile. Même le juriste Ed Tom Bell (Tommy Lee Jones) admet finalement qu'il est dépassé par la méchanceté de la brutalité du monde – une chose qui n'a jamais vraiment changé, juste son point de vue à ce sujet. Ces subversions des représentations standards de la masculinité dans les westerns font de « Pas de pays pour les vieillards » une entreprise captivante et imprévisible. Les frères Coen font également preuve d'une grande finesse dans la réalisation des différentes séquences de suspense du film.

Œuvre obsédante dont il est impossible de se débarrasser, « No Country for Old Men » est une refonte fascinante des normes du genre occidental. Dans cette recontextualisation, les Coen livrent quelque chose d’inoubliable.