5 meilleurs films occidentaux de Henry Fonda, classés

Pendant des décennies, Henry Fonda a été considéré comme l’icône ultime du cinéma américain, un homme ordinaire qui avait autant de chaleur qu’une autorité furtive. Mais nulle part dans sa filmographie il n’a été mieux défini ou subverti que dans ses rôles occidentaux, dont les plus forts ont mis à l’épreuve les limites de sa personnalité. Fonda était considéré par beaucoup comme l'une des manifestations cinématographiques du caractère national idéalisé de l'Amérique, et au fil des décennies, il a souvent été utilisé dans ce sens ; il s'est facilement mis à jouer des héros forts et dotés d'une grande intégrité.

Pour choisir les cinq meilleurs westerns de Fonda, nous sommes allés sur Letterboxd et avons trié sa filmographie par note moyenne sur le site, supprimant tous les titres d'autres genres pour réduire son œuvre à cette liste définitive. Une fois que nous avons affiné la sélection, nous avons jeté par la fenêtre le consensus cinéphile et classé en fonction de nos préférences personnelles.

Il va sans dire qu'il n'y a pas de mauvais films sur cette liste, mais nous avons peut-être classé certains films plus bas que ce à quoi on pourrait s'attendre, compte tenu de leur réputation. Cela est dû en grande partie au fait que nous évaluons chaque film dans le contexte plus large de la carrière de Fonda et qu'en revisitant ces films, nous nous sommes retrouvés avec une plus grande appréciation des titres, dont certains offraient une nouvelle profondeur plutôt que de jouer sur ce qui était attendu de son personnage de star de cinéma.

Voici ses cinq westerns les plus appréciés, classés du moins au plus préféré – c'était un défi de les classer car ils sont tous des bangers, alors pardonnez-nous d'avoir commencé la porte avec un placement controversé.

Nous n'allons probablement pas nous faire aimer des puristes occidentaux en plaçant deux efforts dirigés par John Ford au bas de ce best-of, surtout lorsqu'on démarre avec l'un des plus grands du genre. C'est l'un des favoris de tous les temps, de Hayao Miyazaki au président Harry Truman. Mais aussi agréable que reste « My Darling Clementine », il n'offre pas le même niveau de matière à réflexion que les titres à venir, avec le portrait de Wyatt Earp avant la fusillade à OK Corral l'un des rôles les plus conventionnels et incontestablement héroïques qu'Henry Fonda ait jamais joué.

Il a peut-être été catalogué comme des personnages reflétant le centre moral imaginé de l'Amérique, mais le présenter comme la plus célèbre des légendes occidentales réelles cherchant une juste vengeance pour la mort de son frère garantissait qu'il n'y avait rien qui pourrait compliquer sa personnalité. La complication est un trait commun à ses meilleurs véhicules vedettes, et elle est absente ici.

Comme dans de nombreux films Ford, les meilleurs moments ne se trouvent pas dans la bataille, mais dans les moments calmes des personnages qui se cachent sous les vues panoramiques et les fusillades tendues. C'est quelque chose que Roger Ebert a souligné lorsqu'il a ajouté le film à sa collection Great Movies en 1997, soulignant que le choix du titre du film – qui évite toute référence directe à OK Corral ou à sa fusillade à venir – est un signe que Ford considérait le sujet principal de l'affection romantique de Cathy Downs comme le cœur de l'histoire, son arrivée étant un tournant plus crucial dans la vie de Wyatt Earp que la confrontation.

Leur connexion discrète est la raison pour laquelle la scène finale est l’une des meilleures de tous les westerns, montrant un intérêt plus sincère pour ces personnages au-delà de leur réputation dans les livres d’histoire.

Les films de John Ford étaient plus socialement conscients que ce que l'on croit au genre occidental, et « Fort Apache » est l'un des plus manifestes dans sa tentative de mettre à jour certains stéréotypes narratifs, offrant une représentation plus empathique des personnages amérindiens que celle à laquelle le public était habitué en 1948.

Cela est dû en grande partie à leur rôle face au colonel Owen Thursday, ouvertement raciste, d'Henry Fonda, un adepte des règles et de la tradition militaire qui est immédiatement en désaccord avec les nouveaux subalternes de l'avant-poste titulaire de l'Arizona auquel il a été affecté. Il ignore tous les avertissements de son commandant en second (John Wayne) de traiter les tribus avec respect, alors que l'agent indien chargé par le gouvernement américain de surveiller leur réserve (Grant Withers) a fomenté une famine, sentant l'opportunité d'un conflit. Celle qui pourrait déboucher sur une victoire militaire qui cimente sa légende.

La méfiance des autochtones à l'égard du gouvernement est dépeinte comme juste, le rôle de Fonda étant positionné comme un antagoniste, ses motivations étant obscurcies par sa propre ignorance. Ce fut l’un des premiers grands westerns à corriger la représentation historique des communautés autochtones comme des méchants. Il est éclairé et sympathique envers les conditions désastreuses auxquelles les tribus ont dû faire face pendant cette période, et se dirige vers une confrontation finale tonitruante qui vise à amener le public à s'enraciner contre le colonel et sa stratégie ignorante.

Le dénouement est également particulièrement pessimiste, thématiquement lié à la fin du chef-d'œuvre ultérieur de Ford « L'homme qui tua Liberty Valance » dans la manière dont il décrit qui verra sa réputation réhabilitée par les livres d'histoire. C'est vers le bas de cette liste, car il y a beaucoup de drames relationnels qui réduisent son punch, mais c'est toujours un tournant crucial pour le genre, avec une excellente performance contre-type de Fonda.

Vous pensiez que « 12 Angry Men » était le seul film dans lequel Henry Fonda et un groupe d'hommes devaient réfléchir aux conséquences morales de l'envoi à la mort d'une personne accusée d'un crime ? Alors vous n'avez pas vu « The Ox-Bow Incident », l'un des westerns ultimes qu'il faut voir avant de mourir, et qui détient également le titre du dernier film à avoir été nominé pour le meilleur film et aucun autre Oscar. Fonda incarne Gil Carter, qui arrive dans une ville du Nevada alors que la nouvelle se répand selon laquelle un éleveur local a été assassiné, les habitants se mobilisant rapidement pour trouver les coupables. La foule a trop faim de sang pour envisager de remettre les accusés aux autorités pour qu'ils soient jugés.

« L'incident du Ox-Bow » est prémonitoire aujourd'hui, alors que la même mentalité de domination de la foule peut être trouvée partout, de notre sphère politique divisée aux divers espaces partisans des médias sociaux. Quelques années après avoir joué Abraham Lincoln dans « Young Mr. Lincoln » de John Ford, ce sombre récit du réalisateur William A. Wellman a continué de consolider le statut de Fonda comme l'une des principales voix de la raison du cinéma, régulièrement interprété comme des personnages qui sont le centre moral de leurs histoires.

Gil est plus discret dans son cynisme au début, mais exprime ses inquiétudes quant à un procès équitable, qui culmine dans un débat passionné sur l'état de droit et sur la manière dont notre humanité inhérente devrait nous empêcher d'être obscurcis par un violent besoin de représailles. Elle ne dure que 75 minutes, mais cette histoire désespérée persiste bien après le générique. C'est ce qui se rapproche le plus d'un film américain qui reproduit la puissance brute de l'un des plus grands films de tous les temps, « M », un avertissement terrifiant concernant la domination de la foule, lancé juste au moment où les nazis accédaient au pouvoir.

Quelques années avant que son interprétation de Norman Bates dans « Psycho » ne le transforme en un nom connu, Anthony Perkins est apparu dans l'un de ses premiers rôles principaux face à Henry Fonda dans ce western sous-estimé du réalisateur Anthony Mann. Dans « The Tin Star », Perkins incarne le shérif Ben Owens, un boy-scout très apprécié dans sa ville, mais qui n'a pas la confiance qui scellerait son autorité.

Cela change lorsqu'un nouveau mentor arrive sous la forme du chasseur de primes et ancien avocat Morgan « Morg » Hickman (Fonda), un homme aimable mais fatigué du monde qui accepte d'aider Ben pendant qu'il attend en ville le paiement d'une prime. Lorsqu'un médecin local est assassiné à la veille de son 75e anniversaire, la ville a faim de sang ; Ben demande l'aide de Morg pour réaffirmer le contrôle de la ville et éviter de sombrer dans le règne de la foule.

Fonda et Perkins forment un double acte profondément sympathique, le scénario de Dudley Nichols réussissant à éviter les tropes dépassés auxquels vous pourriez vous attendre. L'histoire ne parle jamais d'un shérif sage qui apprend à « être un homme », mais qui apprend à avoir le courage de ses convictions pour défendre la loi. En tant qu'ancien shérif qui a quitté son poste en raison d'une tragédie personnelle, Morg prêche le contraire du procès par fusillade, ce qui rend le point culminant captivant contre un chef de la mafia autoproclamé (Neville Brand) d'autant plus subversif – combien de confrontations se produisent au nom du pacifisme ?

Le réalisateur n'a pas été séduit par le film final, mais dans le contexte de la carrière de Fonda, cela ressemble à une extension passionnante des thèmes explorés pour la première fois dans « The Ox-Bow Incident », avec un attrait plus grand pour le public.

Henry Fonda était l'acteur préféré du réalisateur Sergio Leone, ce qui est l'une des nombreuses raisons pour lesquelles son introduction en tant que Frank dans « Il était une fois dans l'Ouest » est si choquante. Il avait déjà joué à contre-courant auparavant, mais voir ce héros classique d'Hollywood – la voix de la raison dans d'innombrables chefs-d'œuvre – abattre des enfants ne faisait que souligner le mal absolu du tueur à gages qu'il incarnait. Ce qui est moins surprenant, c'est que Fonda était excellent dans le rôle de quelqu'un dont les instincts de sang-froid étaient en contradiction avec ses rôles les plus appréciés. Il constitue un casting parfait ici car, auprès de millions de personnes, il a représenté de manière si constante l'Américain ordinaire.

Cet avatar de l’âme d’une nation a été ostensiblement érigé en méchant ; celui visant à expulser les gens de leurs terres pour un magnat des chemins de fer. C’était là le héros de l’Ouest américain, reflétant les aspects les plus sombres de la construction des États-Unis modernes ; l’âme mythique d’une nation recaractérisée comme le visage de son sombre ventre capitaliste.

Le film de Leone est l'un des meilleurs westerns de tous les temps pour les différentes manières dont il recontextualise les tropes occidentaux pour une nouvelle ère. C'est un précurseur important du mouvement New Hollywood, qui a adopté des approches plus cyniques et plus sombres de la narration de genre classique. Le western était passé de mode tout au long des années 1960, même si les westerns spaghetti de Leone les aidaient à retrouver une certaine ferveur, et ce chef-d'œuvre ressemblait à un chant du cygne qui marquait la fin officielle d'un âge d'or. Une subversion nihiliste qui cache une sincère célébration du passé du genre. Difficile de faire mieux.