5 meilleurs films médiévaux dont personne ne parle plus

Nous remontons le temps jusqu'au Moyen Âge avec cinq films qui méritent un culte bien plus grand. Tout cela est plus sombre que votre fantaisie habituelle ou votre drame historique se déroulant pendant la période médiévale, ce qui pourrait expliquer pourquoi ils ont eu tant de mal à trouver un public, avec des histoires qui reflètent la violence brutale et des contes populaires horribles qui illustrent la barbarie insensée de la vie à cette époque. Vous serez heureux de ne pas avoir accès à une machine à remonter le temps après avoir vu ceux-ci, mais vous serez heureux de les avoir vécus.

Pour déterminer ce qui constitue un film dont personne ne parle plus, nous avons choisi des films sur Letterboxd avec moins de 50 000 vues enregistrées. Le site compte plus de 30 millions d’utilisateurs enregistrés au moment de la rédaction de cet article, donc tout ce qui dépasse ce seuil pourrait être envisagé. Nous avons parcouru plusieurs listes principales de films se déroulant pendant la période médiévale et triés par note moyenne pour les réduire à cinq, tous les titres sélectionnés ayant une note moyenne de 3,1 sur 5 ou plus, afin de garantir une large approbation de la part des quelques dévoués qui les ont vus.

Il existe de nombreux autres excellents films médiévaux parmi lesquels nous aurions pu choisir, mais les cinq ci-dessous sont ceux qui, à notre avis, méritent le plus un second regard.

Christopher Smith est un grand réalisateur de genre qui n'a pas reçu la reconnaissance qu'il méritait. Après son slasher sous-estimé sur le voyage dans le temps « Triangle », il est remonté plus loin dans l'une des pandémies les plus meurtrières de l'histoire. « Black Death » suit Osmund (Eddie Redmayne), un moine dont la relation secrète avec Averill (Kimberly Nixon), une femme cherchant refuge dans son monastère, est menacée par la peste. Il lui dit de se cacher dans les bois pendant une semaine, en attendant un signe de Dieu pour la rejoindre. Cela arrive de manière inattendue sous la forme d'Ulric (Sean Bean), qui a besoin d'un guide pour un village épargné par la pandémie, qui, selon lui, est dirigé par un nécromancien.

Peu de temps après qu'ils soient partis pour les capturer, les choses empirent ; des membres de leur groupe meurent de manière inattendue, Osmund trouve les vêtements ensanglantés d'Averill et les villageois se méfient de ces étrangers. Peu de temps après, ils sont drogués et torturés, et le film devient une représentation aussi vivante de l'enfer sur Terre que celle que l'on trouve dans ce genre.

Smith a réalisé de nombreuses réécritures non créditées du scénario de Dario Poloni pour en faire une exploration encore plus sombre de la foi, en utilisant les croyances en duel de la société médiévale selon lesquelles la pandémie était causée soit par Dieu, soit par le Diable comme forme de punition divine comme point de départ pour explorer le fondamentalisme religieux. Bien que l'histoire se déroule au XIVe siècle, cette distance historique n'apporte aucun réconfort : les divisions causées par cette pandémie continuent de résonner aujourd'hui.

Avant que le réalisateur Paul Verhoeven ne réalise « Robocop » et ne se lance dans une série de films de genre hollywoodiens incroyables et carrément scandaleux, il a fait ses débuts en anglais avec un véritable échec au box-office. Depuis, il a critiqué son expérience en réalisant « Flesh + Blood » et comment cela a transformé son approche cinématographique, mais cette saga médiévale reste un moment crucial dans la carrière du réalisateur, possédant toutes les caractéristiques thématiques de son meilleur travail ; des personnages déformant la religion pour l'adapter à leurs propres objectifs et la militarisation du sexe pour affirmer le pouvoir.

Verhoeven avait pour objectif de réaliser un film médiéval plus réaliste que d'autres de cette période, voulant souligner la nature « puante » de la civilisation au Moyen Âge. Rutger Hauer incarne Martin, qui devient le chef inattendu d'un groupe de mercenaires après le siège d'une ville italienne, kidnappant plus tard la future mariée (Jennifer Jason-Leigh) du fils du chef (Tom Burlinson), le drame devenant en quelque sorte un triangle amoureux déformé.

C’était une époque moins éclairée, où les boussoles morales étaient bien plus biaisées que la nôtre, et c’était quelque chose que le réalisateur voulait refléter. Cela l’a amené à s’aliéner un public plus large et l’a amené à recalibrer son approche narrative à cette échelle, mais ce n’est qu’un signe que – même avec l’interférence du studio – il a réussi à dépeindre la vie pendant cette période comme l’enfer moralement corrompu sur Terre.

« Difficile d'être un Dieu » rejette rapidement les prémisses de science-fiction de haut niveau du roman soviétique de 1964 sur lequel il est basé, examinant plutôt comment les gens modernes et éclairés se comporteraient dans une époque brutale dans laquelle ils ne pouvaient pas intervenir. Un groupe de scientifiques est envoyé pour enquêter sur une planète extraterrestre qui ressemble directement à la Terre et à ses habitants, mais en arrivant dans le royaume d'Araknar, ils découvrent que cette société n'a pas connu sa renaissance.

Les intellectuels sont exécutés par la milice du chef de l'État, l'esclavage est toujours répandu et le scientifique Anton (Leonid Yarmolnik) est chargé d'aider cette société à progresser, sans implication directe de ses supérieurs. Il prend l'identité d'un noble, s'installe dans un château dans une ville pauvre et devient une figure de division ; un Dieu éclairé pour certains et un imposteur intellectuel pour d’autres.

Tourné entre 2000 et 2006, le réalisateur Aleksei German est décédé en 2013 avant d'avoir terminé le montage final, sa famille se chargeant de la touche finale pour que le film puisse être projeté cette année-là. Il est difficile d’imaginer une œuvre finale plus accablante ; une déclaration épique sur la relation entre l'autoritarisme et la religion, et sur la façon dont les despotes prospèrent grâce à l'ignorance de leurs sujets. Ce qui élève le chant du cygne de German au-dessus de la simple allégorie politique, c'est sa représentation saisissante du Moyen Âge, avec une violence grotesque et des villages puants si viscéraux que vous pouvez les sentir, et sans aucune main directrice pour vous aider à traverser la barbarie.

La nouvelle d'Edgar Allan Poe a été adaptée à l'écran à plusieurs reprises, mais cette version de 1964 de Roger Corman – qui a réalisé huit adaptations de l'œuvre de l'écrivain gothique influent – ​​est de loin la version définitive, remettant en question toutes les idées préconçues selon lesquelles Corman serait un sensationnaliste low-brow du film B. Cela ressemblait certainement à un film de série B moyen, avec l'icône de l'horreur Vincent Price dans le rôle du sataniste Prince Prospero, despote d'un village italien ravagé par la peste, qu'il ordonne de détruire. Faisant prisonniers deux hommes affamés, il se confine dans le château alors que les villageois ne parviennent pas à franchir ses portes, invitant uniquement la noblesse locale à témoigner d'une tournure diabolique des événements.

Avec toutes sortes d'excès sataniques se déroulant à huis clos, la vision orgiaque de Corman sur l'histoire de Poe est à la fois une horreur gothique et une comédie noire déchaînée pour manger les riches, maintenues ensemble par la meilleure performance de Price dans une filmographie remplie d'apparitions légendaires. Avec sa cinématographie expressionniste et colorée (avec l'aimable autorisation du futur réalisateur de « Don't Look Now » Nicholas Roeg) et ses décors élaborés, il semble très éloigné de toute adaptation de Poe ou de tout autre film se déroulant à cette époque désespérée, et a magnifiquement vieilli grâce à cela.

Les critiques y ont répondu plus chaleureusement que d'habitude pour Corman, même si le succès commercial a été moindre car ce n'était pas l'horreur simple à laquelle beaucoup s'attendaient. C'était une bête étrange, même si elle ne s'éloignait pas de son penchant pour le macabre.

Adapté plusieurs fois au fil des ans et présenté dans le manuel cinéphile « 1001 films à voir avant de mourir », ce film d'horreur populaire soviétique pionnier est encore largement sous-discuté. Considéré comme le tout premier film d'horreur de l'Union soviétique, « Viy » est également l'un des meilleurs produits de cette époque. Il suit Khoma (Leonid Kuravlyov), étudiant dans un séminaire ukrainien dont la foi est mise à l'épreuve à la suite d'une rencontre avec une sorcière âgée. Quand lui et quelques amis se perdent dans la campagne, ils demandent à rester dans sa ferme, et quand Khoma repousse ses avances sexuelles, elle l'hypnotise et le chevauche comme un cheval à travers le village.

Se réveillant de la transe, il essaie de la tuer, mais elle se transforme en une femme plus jeune – et bientôt, il est obligé de rester pour veiller sur son corps pendant trois nuits afin de prier pour son âme. Comme vous l'avez probablement deviné, passer du temps dans une morgue avec seulement le corps d'une sorcière pour compagnie n'est pas l'endroit le plus sûr pour un homme en formation. « Viy » est une simple histoire de fantômes, regroupant plus d'horreurs hallucinatoires en 77 minutes que la plupart des acteurs du genre ne le peuvent avec une durée d'exécution plus soutenue.

Comme beaucoup de films d’horreur hollywoodiens de cette période, il dépeint l’épreuve religieuse ultime de la foi tout en s’inspirant de contes populaires tirés de plusieurs régions soviétiques ; la sorcière qui chevauche un futur mari était par exemple un thème récurrent dans le folklore ukrainien. Il s’agit d’une œuvre négligée et troublante dont l’influence se fait sentir dans d’innombrables grandes histoires de fantômes.