5 meilleurs films d'horreur des années 80, classés

Les années 1970 ont été une décennie révolutionnaire pour l’horreur, et les années 1980 ont continué à pousser le genre au-delà de ses limites. Il semblait que chaque week-end, il y avait un nouveau film slasher battant des records pour la plupart des meurtres gratuits et de la nudité à l'écran, ou une suite de franchise plus grande et plus sanglante que son prédécesseur. C’était l’avènement de la vidéo domestique, et les appareils à petit budget faisaient fureur, créant une panique morale dans le monde entier en terrorisant les foyers. Enfouis sous les titres des titres les plus notoires, plusieurs chefs-d’œuvre sont devenus parmi les plus influents de leur genre.

Avec autant de choix, nous avons eu du mal à réduire cette liste à seulement cinq entrées – supprimer les comédies d'horreur comme « Evil Dead II » n'a pas non plus rendu les choses plus faciles. Notre sélection des meilleurs films d'horreur des années 1980 comprend les films que nous considérons comme les plus révolutionnaires et les plus marquants de l'époque, dont l'influence se fait sentir aujourd'hui dans l'horreur, et qui ont toujours des fans cinéphiles passionnés avec des notes élevées sur Letterboxd et IMDb.

Certains d’entre eux étaient des superproductions appréciées dès leur sortie, d’autres ont mis du temps à être appréciés et à devenir cultes. Chacun d’entre eux mérite d’être considéré comme l’un des meilleurs de sa décennie.

L'un des grands mythes du cinéma urbain est que Steven Spielberg aurait réalisé secrètement « Poltergeist », une rumeur qui s'est longtemps révélée invincible. Alors que les quartiers californiens nouvellement construits semblaient pouvoir être à quelques minutes en voiture de la maison d'Elliott (Henry Thomas) dans « ET l'extra-terrestre » et que l'histoire d'une cellule familiale en crise faisait écho aux préoccupations thématiques personnelles de Spielberg, il s'agissait d'un film de Tobe Hooper de bout en bout -– avec beaucoup moins d'effusion de sang que son « Massacre à la tronçonneuse ». Au contraire, c'est l'inverse direct de cet effort de slasher décisif, avec la famille Freeling agissant comme les protagonistes sains de la banlieue dont Leatherface et les Sawyers étaient l'image miroir fissurée.

Dans « Poltergeist », la hantise est un sous-produit de la construction de la banlieue familiale sur un ancien cimetière, le fantôme qui possède la jeune fille Carol Anne (Heather O'Rourke) étant introduit dans leur maison via l'écran de télévision. Il est peut-être moins viscéralement désagréable que son œuvre la plus connue, mais utilise également ses horreurs pour faire la satire de la vie de famille américaine moderne, avec cette unité stéréotypée de la classe moyenne ignorant l'histoire qui se trouve en dessous d'elle et sensible à ce qu'elle voit sur ses écrans. Bien sûr, ce commentaire vient loin derrière les frissons bien conçus qui font de « Poltergeist » l'un des films de maison hantée les plus efficaces de tous les temps, créant lentement la tension car il renforce le fait qu'aucune maison n'est à l'abri des menaces paranormales.

Quelques semaines seulement après « Poltergeist », un autre des films d'horreur les plus pionniers de la décennie est sorti, et dire que le public n'était pas prêt pour « The Thing » de John Carpenter serait un euphémisme. Le film de Hooper a été un énorme succès car, sous les frayeurs de la MPAA, il y avait le portrait sérieux d'une famille aimante et résiliente face à une menace. Comparé au désespoir existentiel de l’horreur de survie paranoïaque de Carpenter, il n’est pas surprenant qu’il ait rencontré une réponse aussi froide que son décor antarctique. C'était une affaire sombre et sans ménagement, en décalage avec l'évasion populaire d'un film d'Amblin Entertainment ; maintenant, il a magnifiquement vieilli pour devenir l'une des plus grandes réalisations de Carpenter et de la star Kurt Russell.

Cela est en grande partie dû à sa fin ambiguë, puisque Childs (Keith David) revient au moment même où le dernier survivant, MacReady (Russell), brûle ce qu'il croit être les restes du monstre métamorphe qui les hante. Ils échangent quelques mots de méfiance et sirotent du whisky alors qu'ils se retrouvent seuls, ignorant si ce sera leur dernier moment. Carpenter a tourné une fin plus concrète qui révélait le sort du protagoniste, mais a constaté que cela sapait le sentiment persistant de paranoïa. Leur décision a peut-être bouleversé le public à l'époque, mais a aidé « The Thing » à devenir un classique, reflétant les tensions sociales et politiques paranoïaques de son époque d'une manière avec laquelle les téléspectateurs n'étaient pas prêts à lutter.

« Halloween » a prouvé que le sanctuaire des banlieues n'était pas à l'abri d'un tueur masqué, puis Wes Craven est allé encore plus loin en faisant de vos rêves un espace dangereux. Inspiré par des articles de presse datant de la guerre du Vietnam sur des réfugiés qui refusaient de dormir à cause de cauchemars intenses, dont plusieurs sont finalement morts dans leur sommeil, le scénariste/réalisateur a introduit cette histoire vraie surréaliste dans la maison familiale américaine avec le tueur en série mort-vivant Freddy Krueger (Robert Englund), qui cherche à se venger des enfants de ceux qui l'ont brûlé vif des années plus tôt. Le principe surnaturel a permis à Craven de jouer vite et librement avec la logique d'un slasher typique, créant certaines des images les plus emblématiques du genre.

Il est devenu un film slasher déterminant en dissociant les règles du réalisme sanglant qui l'avait précédé, servant de modèle au virage éventuel de Craven vers les méta slashers qui ont brouillé davantage la frontière entre la réalité et la fantaisie du film. La dynamique des personnages aide à ancrer l'histoire, Craven trouvant une nouvelle approche pour explorer comment les péchés des parents sont transmis à leurs enfants et comment la génération suivante peut échapper à la spirale autodestructrice de celle qui l'a précédé. Freddy Krueger est peut-être la plus grande menace, mais la peur de devenir des parents allant de déprimés à absents est ce qui a élevé « A Nightmare on Elm Street » au rang d'œuvre de terreur existentielle qui a défini une époque.

Stephen King le déteste peut-être, mais c'est sa perte : l'adaptation audacieuse de « The Shining » par Stanley Kubrick reste le meilleur film tiré d'un de ses livres malgré ses lourdes déviations. Alors que King était concret sur le fait que Jack Torrance (Jack Nicholson) et l'Overlook Hotel étaient hantés par des forces malveillantes, Kubrick a rendu les événements beaucoup plus ambigus, créant un texte encore plus riche qui a été débattu et réinterprété d'innombrables fois. Si vous avez vu le documentaire « Room 237 », vous saurez à quel point certains sont allés à l'extrême en interprétant les images obliques du film pour tout représenter, depuis un commentaire sur le génocide des Amérindiens jusqu'à l'aveu de Kubrick selon lequel il a aidé à simuler les alunissages.

Que nous soyons témoins d'événements surnaturels ou simplement des interprétations de plusieurs narrateurs peu fiables subissant la fièvre des cabines dans un hôtel abandonné n'est jamais clair. La réalité du film dépend de la question de savoir si nous interprétons le comportement destructeur de Jack pour ce qu'il était dans le matériel source – un alcoolisme qui incite à des actions abusives – ou pour quelque chose de plus difficile à ancrer. Il est plus facile de l'interpréter comme l'histoire d'un père et d'un mari violents, mais ses détours surréalistes et horribles signifient qu'il ne peut pas être examiné uniquement sous cet angle.

« The Shining » reste une œuvre pionnière car c'est l'un des rares chefs-d'œuvre vieux de plusieurs décennies dont les plus grands secrets semblent encore couverts. Il y a quelque chose de troublant à se retrouver face à un mystère que nous ne pourrons jamais percer, peu importe à quel point nous connaissons le roman dont il est adapté.

David Cronenberg a connu un sacré parcours dans les années 1970 et 1980 ; nous aurions facilement pu dresser un top cinq ne présentant que ses films. Cependant, le remake du réalisateur de « The Fly » de 1958 est notre choix personnel pour la première place, transformant un long métrage de créature de film B en son récit de métamorphose le plus sincère : une tragédie épique cachée sous une surface d'horreur corporelle classiquement cronenbergienne. La performance de Jeff Goldblum dans le rôle du scientifique excentrique Seth Brundle est le meilleur travail de sa carrière, utilisant sa physique décalée pour dramatiser parfaitement sa lente et douloureuse transformation en Brundlefly.

Cronenberg a conçu son interprétation du matériau comme une allégorie de voir un être cher succomber à une maladie en phase terminale, faisant délibérément l'histoire de sa transformation plutôt que de ce qui se passe après que Brundlefly ait atteint sa forme finale comme le faisait le film original. De nombreux critiques en 1986 y ont vu une allégorie de la pandémie du sida en particulier, ce qui l'a aidé à parler d'un moment où l'humanité des victimes du sida était sous-discutée dans la culture pop, mais cela résonne au-delà de cela : très peu de films d'horreur peuvent être qualifiés de larmoyants, mais « The Fly » le peut.

Cronenberg a réalisé des films plus étranges et plus inconfortables qui ont repoussé les limites de l'horreur ailleurs dans les années 1980 (« Videodrome » serait également un concurrent sérieux pour le meilleur de la décennie), mais trouver l'humanité dans des sources profondément idiotes est l'une de ses grandes réalisations. « The Fly » reste la meilleure horreur des années 1980 et l'un des meilleurs remakes de films jamais réalisés.