5 films de Steven Spielberg les plus sous-estimés

À ce stade, le nom de Steven Spielberg est synonyme du cinéma lui-même. L'homme derrière des œuvres comme « Jaws » et « Disclosure Day » a passé des décennies à réaliser d'énormes productions qui éblouissent les gens du monde entier. Le simple fait de regarder les cinq meilleurs films de Steven Spielberg selon Letterboxd donne une indication des caractéristiques marquantes qu'il a apportées au monde. Des superproductions imposantes comme « Jurassic Park » aux œuvres plus intimes comme « Lincoln », le talent artistique de Spielberg ne faiblit jamais. Il n’est pas étonnant qu’il soit considéré comme le visage du cinéma américain.

Cependant, même un réalisateur comme Spielberg ne livre pas un chef-d'œuvre à chaque fois qu'il est au bâton. Pour démarrer, il a également réalisé des films qui, pour une raison ou une autre, n'ont tout simplement pas plu au public lors de leur première sortie en salles. Ce n’est pas parce que ces efforts de réalisateur de Spielberg n’ont pas battu des records au box-office qu’ils sont dépourvus de valeur artistique. Au contraire, certaines de ses plus grandes œuvres sont aussi les plus sous-estimées. Les cinq films de Steven Spielberg les plus sous-estimés reflètent tous différents aspects de ses impulsions créatives. Ils cristallisent également le travail impressionnant des différents membres de l'équipage avec lesquels Spielberg collabore régulièrement.

Il est stupéfiant de considérer qu’un cinéaste aussi important que Spielberg ait des projets qui sont passés inaperçus. C’est exactement ce qui s’est passé avec ces cinq joyaux. Chacun de ces films mérite son temps au soleil et sa reconnaissance pour la façon dont ils renforcent le statut légendaire de Spielberg.

L'une des plus grandes collaborations réalisateur/scénariste du cinéma a débuté en 2005 avec « Munich ». C’est à l’époque où le cinéaste Steven Spielberg a travaillé pour la première fois avec le dramaturge et auteur Tony Kushner. Ensemble, ils ont créé des films comme « Lincoln », « West Side Story » et « Les Fabelman », prouvant que Kushner et Spielberg faisaient toujours ressortir le meilleur de l'autre. Pour « Munich », ces deux hommes ont excellé dans la sombre histoire d'agents du Mossad qui se préparaient à assassiner diverses cibles prétendument liées à l'attaque terroriste des Jeux olympiques d'été de 1972 à Munich. Ce groupe, qui comprend Avner Kaufman (Eric Bana), est envoyé pour se venger, mais ils découvrent vite que les choses sont bien plus compliquées qu'il n'y paraît.

Le scénario de « Munich » de Kushner (qu'il a écrit avec Eric Roth) est extraordinaire, mais ce film est aussi une vitrine pour les talents du monteur incontournable de Spielberg, Michael Kahn. Dans les séquences pleines de suspense où des assassinats sont commis, Kahn chronomètre magistralement chaque coupe pour une tension maximale. Le montage dégage une incroyable précision d'un mur à l'autre, mais ce talent artistique ne détourne jamais l'attention de l'histoire et des personnages. Ces éléments, quant à eux, sont réalisés avec un effet exceptionnellement dévastateur alors que Spielberg raconte la chronique de personnes qui ne trouvent aucune catharsis dans la vengeance. Les visuels et le récit obsédants montrent clairement que ces assassinats ne conduisent qu’à la décadence morale.

Grâce à son sujet sombre (qui n'en a pas fait un film facile à regarder pour certains téléspectateurs) et à ses premiers retours au box-office médiocres, « Munich » est désormais considéré comme un coin méconnu de la filmographie de Spielberg. Son talent artistique signifie qu’il devrait être bien plus que cela.

Lors de sa sortie initiale, le long métrage « War Horse » de 2011 a été rejeté dans certains coins parce qu'il était trop schmaltzy pour son propre bien. Franchement, cependant, plus de 15 ans de films américains excessivement cyniques et conscients d'eux-mêmes ont sans aucun doute rendu l'esthétique du « War Horse » beaucoup plus acceptable. Comme c’est rafraîchissant de voir un film avoir le cœur sur sa manche et n’avoir pas peur d’accepter la vulnérabilité. Bien sûr, « War Horse » n'a pas la profondeur ni les performances exceptionnelles des plus grandes œuvres de Spielberg. Cependant, il s'agit toujours d'une production somptueusement réalisée qui excelle particulièrement dans la narration sans dialogue suivant le cheval titulaire, Joey, essayant juste de rentrer chez son propriétaire pendant la Première Guerre mondiale.

Dans ces séquences, la caméra panoramique de Spielberg et son investissement sincère dans ce cheval se révèlent absolument contagieux. Une pièce mémorable impliquant des soldats allemands et anglais travaillant ensemble pour sauver Joey des barbelés, quant à elle, est vraiment douce et comporte même un gag visuel hystérique impliquant des personnages hors écran jetant des coupe-fils en l'air. John Williams s'épanouit dans ces confins de la vieille école avec un barrage de compositions transportantes. Des morceaux comme « Seeding et Horse vs. Car » sonnent pratiquement comme des pièces de ballet classiques. Évoquer les souvenirs d'Igor Stravinsky plus que ceux de Hans Zimmer est une magnifique façon d'accentuer l'ambiance cinématographique de « War Horse ».

Réalisé avec un savoir-faire exceptionnel, « War Horse » mérite plus de crédit pour son pathos sincère et sa partition émouvante. À tout le moins, c'est à la fois l'un des plus grands films équestres de tous les temps et l'un des meilleurs films sur la Première Guerre mondiale.

Seul Steven Spielberg pouvait réaffirmer ses incroyables talents visuels dans une scène aussi simple qu'un père essayant de monter une tente. Dans une seule prise ininterrompue de « Les Fabelmans », Burt Fabelman (Paul Dano) tente de monter une tente tout en expliquant les subtilités du camping à ses enfants, y compris le personnage principal Sammy (Gabriel LaBelle). Cependant, en arrière-plan, la mère Mitzi (Michelle Williams) se lance dans des manigances que les enfants trouvent beaucoup plus absorbantes. Les jeunes sont tous attirés par maman, laissant Burt au premier plan frustré et seul. Dans cette seule image sans ciller, la dynamique centrale et les personnalités individuelles des protagonistes titulaires de « Les Fabelman » sont apparentes. Spielberg et le directeur de la photographie Janusz Kamiński n'ont pas perdu une once de leur créativité visuelle après des décennies de collaboration.

« Les Fabelman » est une œuvre autobiographique qui s'inspire de l'enfance de Spielberg, notamment de la relation compliquée qu'il entretenait avec ses parents. Cependant, cette scène de camping est l’un des innombrables cas où « Les Fabelman » excelle dans ses propres conditions plutôt que de fonctionner comme un voyage isolé dans le passé. Des séquences comme une scène hystérique où le juif Sammy Fabelman s'imprègne du décor profondément chrétien de la chambre de son béguin ou les recoins les plus dévastateurs émotionnellement des performances de Michelle Williams sont absolument extraordinaires, quelles que soient vos connaissances sur la vie personnelle de Spielberg.

Le mauvais résultat au box-office de « Les Fabelman » a finalement éclipsé ces vertus ainsi que d'autres formidables vertus du long métrage. Le film qui s'est perdu lors du remaniement des fêtes de fin d'année 2022 est cependant une magie absolue, réaffirmant constamment les talents cinématographiques de Spielberg.

L’une des plus grosses bombes au box-office de 2021 a malheureusement été le remake de « West Side Story » de Steven Spielberg. Essayer d'amener les personnes âgées au cinéma moins de deux ans après la fermeture des multiplexes par le COVID-19, combiné à la concurrence de titres comme « Spider-Man : No Way Home », a voué ce long métrage au désespoir financier. Cela signifie que « West Side Story » a échappé aux radars de beaucoup de gens, malgré son statut impressionnant comme l'un des meilleurs films musicaux jamais réalisés. La première incursion de Spielberg (après avoir rendu hommage au royaume tout au long de sa carrière) dans le cinéma musical a été une création d'une confiance impressionnante.

Le rare remake à améliorer son prédécesseur, « West Side Story », utilise des blocages imaginatifs et des décors créatifs pour donner à des chansons familières comme « America » ​​un aspect à nouveau flambant neuf. Pendant ce temps, la conception de costumes et la cinématographie resplendissantes garantissent que cela est à la hauteur de l'idée selon laquelle les films musicaux doivent être des extravagances visuellement saisissantes. Mieux encore, « West Side Story » est une vitrine pour de nombreux jeunes artistes incroyables, dont David Alvarez, Ariana DeBose et Mike Faist. Le meilleur d'entre eux est Rachel Zegler dans le rôle de Maria, qui illumine l'écran avec son travail magnétique. Ses expressions faciales captivantes rendent à elles seules sa performance légendaire. Ajouter la voix impressionnante de Zegler n’est qu’une cerise sur le gâteau fascinante.

Mieux encore, « West Side Story » ne cache pas qu'il s'agit d'une comédie musicale. Alors que d'autres comédies musicales essayaient d'embrasser la réalité, le sens du spectacle grandiose est palpable dans chaque routine de chant et de danse de « West Side Story ». De toute évidence, la remarquable adaptation de Spielberg méritait un bien meilleur sort au box-office et sur le plan culturel.

La seule IA qui devrait être autorisée à jouer sur les écrans de cinéma sont les projections du long métrage de Steven Spielberg de 2001, « AI Artificial Intelligence ». Une partie de la vérité indescriptible de « l’intelligence artificielle de l’IA » est qu’elle a d’abord été accueillie avec un haussement d’épaules par le public et les critiques. Beaucoup de ces reproches étaient liés à la perception selon laquelle Spielberg avait «édulcoré» un long métrage plus complexe que le réalisateur Stanley Kubrick avait autrefois eu l'intention de réaliser. Cependant, des décennies après sa sortie, le vent tourne enfin en faveur de « l’intelligence artificielle IA ». Les éléments les plus sombres du film et le talent artistique de Spielberg, entre autres vertus de l'IA, reçoivent enfin leur dû.

Parmi les innombrables éléments impressionnants qui rendent « l’intelligence artificielle IA » si extraordinaire, il y a son engagement à réaliser la quête d’un amour triste de l’enfant automate David (Haley Joel Osment). Il aspire à une émotion que même les humains ne ressentent pas souvent dans ce monde tourmenté. Il s’agit d’un exercice douloureux où la catharsis basée sur le désir n’existe que dans les simulations. Spielberg exécute ce ton avec un panache dévastateur. Pendant ce temps, la production et la conception des costumes confèrent une spécificité infinie et des images dynamiques à ce monde futuriste. Jude Law est également formidable dans l'un de ses meilleurs seconds rôles en tant que Gigolo Joe, un allié inattendu dans le voyage de David.

Initialement, « l'intelligence artificielle » était définie uniquement par la perception des gens de ce que Kubrick aurait pu faire avec cette histoire. Ce chef-d'œuvre superbement réalisé mérite d'être pris pour ses mérites, notamment pour son regard sans faille sur les expériences les plus mélancoliques de l'humanité.