5 bombes au box-office des années 70 qui ont changé Hollywood pour toujours

Aujourd'hui, les années 1970 sont considérées comme un âge d'or pour le cinéma américain, avec les 95 meilleurs films de tous les temps qui incarnent le genre de créativité et de prise de risque qui ont alimenté cette époque charnière de l'histoire du cinéma. Des cinéastes comme Francis Ford Coppola, Elaine May, Steven Spielberg, Alan J. Pakula et bien d’autres se sont imposés au cours de cette décennie charnière et ont changé à jamais ce que les films pouvaient accomplir. Vraiment, les années 70 ont été une époque glorieuse pour être à la fois un cinéphile et un cinéaste, avec des salles de cinéma diffusant de tout, de « The Texas Chain Saw Massacre » à « What's Up, Doc? » à « La piqûre ».

Mais aucune décennie du cinéma américain n’est exempte d’échecs au box-office, même pas une décennie aussi riche en œuvres phares que les années 1970. Même si des films comme « Le Parrain » et « Star Wars » battaient des records au box-office, il restait encore des ratés majeurs au cinéma offrant des effets d'entraînement inquiétants pour l'ensemble de l'industrie cinématographique. Cinq bombes particulièrement remarquables au box-office des années 70 ont changé Hollywood pour toujours, infligeant à l'industrie cinématographique dans son ensemble des blessures qui se feront sentir pendant des années à venir.

Qu’il s’agisse de suggérer qu’un genre était devenu obsolète, d’inspirer des difficultés financières dans un studio ou de mettre un terme à la carrière d’un réalisateur (parmi bien d’autres conséquences négatives possibles), ces cinq bombes au box-office ont bouleversé Hollywood au cours d’une décennie par ailleurs prospère pour l’industrie.

Certains des meilleurs films musicaux jamais réalisés ont été réalisés dans les années 1960, une décennie où Hollywood est devenu fou en créant de grandes extravagances musicales qui pourraient être aussi potentiellement lucratives que « Mary Poppins » et surtout « La Mélodie du bonheur ». Les studios aimaient ces titres car ils pouvaient être projetés lors de projections itinérantes qui facturaient au public des prix d'entrée élevés. Le public, quant à lui, a apprécié le meilleur de ces comédies musicales car elles offraient beaucoup de spectacle. Mais avant même la fin des années 60, plusieurs de ces comédies musicales ont connu un succès retentissant. Des artistes comme « Doctor Dolittle » et « Paint Your Wagon » ont indiqué que la floraison était éteinte pour ces projets.

Une fois les années 1970 arrivées, en particulier dans la première moitié de la décennie, la comédie musicale était désespérément dépassée, le public se présentant plutôt pour des titres plus sombres comme « L'Exorciste » et « Le Parrain ». Certaines comédies musicales, comme « Un violon sur le toit » et « Cabaret », pouvaient encore rapporter de l'argent, mais la plupart de ces titres étaient automatiquement des échecs. Cela incluait le fastidieux « 1776 » de 1972, dans lequel les pères fondateurs chantaient de nombreux airs avant de signer la Déclaration d’indépendance. Toute cette entreprise groggy donne à « Hamilton » un aspect aussi nerveux que « Avenue Q ».

Ne rapportant que 2,8 millions de dollars de recettes nationales sur un budget de 6 millions de dollars, « 1776 » rappelait aux studios que ce qui avait fonctionné en 1965 n'allait pas être lucratif en 1972. D'autres comédies musicales majeures en direct, à l'exception de quelques « Grease » ou « The Wiz », seraient rares dans les années qui suivraient immédiatement l'échec de « 1776 ».

Dans le livre de Peter Biskind « Easy Riders, Raging Bulls », le rédacteur en chef de « Sorcerer », Bud Smith, se souvient avoir vu la bande-annonce du film avant la projection de « Star Wars ». L'ampleur imposante de l'opéra spatial de George Lucas a absolument effacé tout sentiment d'anticipation ou d'excitation pour « Sorcerer ». Malgré le film du réalisateur William Friedkin, qui a réalisé des succès au début des années 70 comme « The French Connection » et « The Exorcist », la prédiction de Smith s'est avérée tragiquement exacte. « Sorcerer » n'a rapporté que 9 millions de dollars dans le monde, malgré un coût de réalisation de 22 millions de dollars.

Avec le recul, « Sorcerer » a été identifié comme un tournant clé dans l'industrie cinématographique américaine, abandonnant les films sombres et subversifs qui définissaient le mouvement New Hollywood. L’époque de « Bonnie and Clyde » et de « The Graduate » qui définissaient le cinéma américain grand public était révolue. « Star Wars », « Rocky » et « Jaws » étaient désormais le genre de films triomphants dont le public et les studios rêvaient. Des studios comme Universal Pictures et Paramount Pictures (qui ont cofinancé le film de Friedkin) n'étaient plus intéressés à investir des dizaines de millions dans des projets sinistres comme « Sorcerer ».

La tragédie de ces effets d’entraînement néfastes à long terme est qu’aujourd’hui, « Le Sorcier » est à juste titre considéré comme un chef-d’œuvre. Des titans de l’industrie cinématographique comme Quentin Tarantino l’ont qualifié de l’un des meilleurs films jamais réalisés. Hélas, tout ce talent artistique n'a pas pu empêcher les studios de considérer « Sorcerer » comme un modèle de ce qu'il ne fallait pas faire et la carrière de Friedkin de s'effondrer après son échec. Bud Smith a vu tout cela se dérouler lors des « attractions à venir » lors de cette projection fatidique de « Star Wars ».

Rares sont ceux qui ont réussi à faire aussi bien que le réalisateur Peter Bogdanovich dans la première moitié des années 1970. Son deuxième film, « The Last Picture Show », a été un succès au box-office acclamé et salué par la critique. Il a enchaîné avec deux autres films très appréciés du public, « Quoi de neuf, Doc ? » et « Papier Lune ». Malheureusement, la séquence de succès de Bogdanovich s'est arrêtée brutalement au milieu des années 70 lorsqu'il a dirigé la comédie musicale Burt Reynolds/Cybill Shepherd de 1975 « At Long Last Love », qui n'a rapporté que 1,5 million de dollars sur un budget de 5,1 millions de dollars. Même s'il a aujourd'hui ses défenseurs, « At Long Last Love » n'était qu'une bombe infâme à l'époque de sa sortie.

À la suite de cet échec, Bogdanovich a officiellement eu du mal à obtenir des financements supplémentaires ou des concerts majeurs à Hollywood. Plus urgent encore, « At Long Last Love » a débuté trois mois avant que « Jaws » ne bouleverse toute l'industrie cinématographique. Voir « Jaws » en 1975 a été une expérience transformatrice, signalant que des retours romantiques et mièvres comme « At Long Last Love » avaient encore moins de place dans une scène cinématographique des années 1970 donnant déjà la priorité à « The French Connection » aux titres évoquant « Top Hat ». En plus d'être victime du nouvel amour d'Hollywood pour les piquets de tente, « At Long Last Love » a également été considéré comme un revers majeur pour Shepherd.

« At Long Last Love » a été conçu comme une lettre d'amour fastueuse aux premières années d'Hollywood. Au lieu de cela, c'est un raté au box-office qui a fait chavirer la carrière de Peter Bogdanovich et a garanti que les studios hollywoodiens ne feraient pas plus de films comme celui-ci dans un avenir proche.

Normalement, les remakes et leurs semblables sont considérés comme des sources de revenus garanties pour Hollywood. Ce n'était certainement pas le cas de « Lost Horizon », une mise à jour de 1973 d'un long métrage de 1937 du même nom. Bien qu'il ne soit pas vraiment considéré comme l'un des pires remakes de tous les temps en termes artistiques, « Lost Horizon » reste un échec choquant. Le long métrage, qui offrait beaucoup de puissance de star chez des gens comme Peter Finch et Liv Ullmann, n'a dépassé que 3,8 millions de dollars au box-office. Compte tenu de ses coûts de 5,9 millions de dollars, ce fut un désastre pur et simple.

Les effets de la disparition de ce film ont été énormes. D’une part, cela a marqué l’un des derniers hourras pour les grands studios américains qui publiaient initialement des comédies musicales via des sorties coûteuses en roadshow. Ce style de distribution était depuis longtemps en déclin, mais entre « Le Parrain » de 1972, établissant un précédent pour des films sortant immédiatement dans des centaines de salles et la comédie musicale roadshow étant associée à des flops comme « Lost Horizon », la stratégie de sortie des roadshows était morte dans l'eau.

Pendant ce temps, les immenses pertes du film ont contribué à une année 1973 épouvantable pour Columbia Pictures, qui a dû faire face à une immense presse négative et se réorienter après l'échec de « Lost Horizon ». Tout espoir que ce remake puisse fournir de l'argent facile à Columbia s'est avéré un rêve insensé. Au lieu de cela, il s’agissait d’un autre échec musical des années 70 qui a provoqué d’énormes notes amères pour toutes les personnes impliquées.

Il y a tellement de grandeur dans la filmographie de Martin Scorsese que tout le monde doit regarder même certaines de ses bombes au box-office au moins une fois. Mais bien qu'il soit un génie du cinéma, parfois ses films ne parviennent tout simplement pas à toucher le grand public. Si une adaptation en 2011 d'un livre pour enfants populaire comme « Hugo » a eu du mal à atteindre le seuil de rentabilité, il ne faut pas s'étonner que l'incursion de Scorsese dans le cinéma musical de la fin des années 70 ait également échoué financièrement. Pour « New York, New York » de 1977, Scorsese a essayé d'incarner Vincente Minnelli ou Jacques Demy avec une comédie musicale romantique mettant en vedette Robert De Niro et Liza Minnelli.

Malheureusement, le film était aussi sombre que n'importe quel autre film de Scorsese, ce qui constituait un match pour le moins étrange pour le grand public. Les fans de musique voulaient quelque chose de plus entraînant (même le pessimiste « Sweet Charity » avait Sammy Davis Jr. chantant une mélodie pétillante), tandis que les purs et durs de « Taxi Driver » ne se sont pas effondrés pour ce genre de film. Inévitablement, « New York, New York » n'a rapporté que 14 millions de dollars, un résultat décevant compte tenu de son budget de 16 millions de dollars. Non seulement « New York » a marqué le début d’une ère plus sombre pour Scorsese, mais cela a également coûté près de 10 millions de dollars au financier United Artists.

Avec le recul, le film prédit de manière inquiétante les choses à venir pour United Artists. « New York, New York » a été une période sombre dans une année par ailleurs lucrative pour le studio, qui défendait des œuvres décalées et artistiques. Trois ans plus tard, United Artists est vendu à la MGM.