5 meilleurs films d'horreur des années 70, classés

Tout au long des années 1970, le genre de l’horreur a explosé en popularité. L’ère du Nouvel Hollywood, composée d’histoires réalistes et destinées aux adultes, qui dominait dans la première moitié de la décennie, grâce à des cinéastes comme Francis Ford Coppola et Martin Scorsese, s’est reflétée dans la montée de festivals d’horreur plus explicitement violents, expérimentaux et souvent pessimistes, qui étaient à des kilomètres de ressembler au film de monstres typique. L’aube de l’ère des blockbusters estivaux a vu autant d’œuvres influentes destinées au grand public que de films indépendants, poussant le genre plus loin dans des territoires inexplorés alors que le film slasher faisait irruption dans la conscience dominante.

Il existe d’innombrables chefs-d’œuvre de cette décennie qui mériteraient d’être inclus, et réduire cette liste à seulement cinq titres déterminants n’a pas été une tâche facile. Pour faire nos sélections, nous avons d'abord cherché à capturer un mélange plus large de films afin de mieux refléter les tendances déterminantes des années 1970 en matière d'horreur, et en gardant cela à l'esprit, avons sélectionné soigneusement ceux que nous pensions être les plus durables, en mesurant leur influence continue sur le genre ainsi que leurs notes moyennes des cinéphiles sur IMDb et Letterboxd pour nous assurer qu'ils restent tous largement appréciés.

Ce fut une période riche pour le genre, ce qui ressort aussi bien du nombre de classiques froids qui ont raté la coupe que du top cinq lui-même. Cependant, ce sont les films qui, à notre avis, continuent de se démarquer des autres. Ce sont les films qui, selon nous, résonnent encore aujourd'hui, et ils sont tout aussi terrifiants que lors de leur première première.

Les années 1970 ont été une décennie décisive pour l'Italie sur la scène mondiale de l'horreur, avec le genre sordide du giallo faisant des vagues grâce aux thrillers sanglants de réalisateurs comme Dario Argento. Les frissons viscéraux de ceux-ci ne pourraient pas être plus éloignés des horreurs affligées de chagrin dans le film de choc italien le plus célèbre de la décennie, le refroidisseur psychologique du réalisateur Nicolas Roeg « Don't Look Now ». Situé à Venise, où les parents en deuil John et Laura (Donald Sutherland et Julie Christie) ont déménagé à la suite du décès de leur fille après que John a accepté un emploi pour rénover une église, le film retrace leur chagrin et leur paranoïa après qu'une voyante aveugle lui ait dit qu'elle pouvait voir leur fille et qu'elle leur disait de quitter la ville.

Même pour un public d'horreur moderne, qui a été inondé de films qui servent de métaphores lourdes sur le chagrin et les traumatismes ces dernières années, « Don't Look Now » semble toujours comme un original, déformant les tropes d'une histoire de fantômes pour mettre en évidence les différentes façons dont le couple reste hanté par la tragédie familiale. Roeg et le monteur Graeme Clifford ont utilisé des techniques de montage expérimentales – avec des flashbacks et des flashforwards se mêlant étrangement à notre perception du présent – ​​pour accroître le sentiment d'effroi d'un autre monde, ainsi que pour capturer efficacement comment les blessures crues du chagrin peuvent vous laisser sans lien avec le temps et le monde dans son ensemble.

Se dérouler dans le contexte d'un tueur en série déchaînant la ville pousse encore plus loin le thème du chagrin et de la déconnexion, mélangeant parfaitement l'étude approfondie du personnage avec les frissons macabres d'une histoire de fantômes gothique bien mieux que n'importe quelle horreur artistique « élevée » qui a suivi. Vous pouvez voir son influence partout dans le genre moderne, et vous la voyez rarement égalée.

Le genre slasher était encore en train de trouver ses marques à la fin des années 1970, alors qu'une nouvelle génération de cinéastes inspirés par « Psycho » et le genre italien giallo commençait à proposer ses propres versions tordues du thriller de tueur en série. Arrivant quelques années après que « Black Christmas » ait servi de preuve de concept pour le genre, « Halloween » de John Carpenter s'est appuyé sur son potentiel sanglant dans la façon dont il distinguait le slasher de ce qui l'avait précédé. Auparavant, vous deviez vous rendre dans des maisons hantées isolées, des cabanes au fond des bois ou des villes éloignées des sentiers battus pour affronter vos peurs ; dans un slasher, cette menace est arrivée dans les banlieues pittoresques, traquant votre rue et pénétrant par effraction dans votre maison.

Michael Myers est peut-être un évadé d'un hôpital psychiatrique avec un lien personnel avec la baby-sitter Laurie Strode (Jamie Lee Curtis), mais l'idée qu'une banlieue banale pourrait être le lieu d'une tuerie éclipse la spécificité de l'histoire : aucun thème d'horreur n'est plus efficace que la suggestion que nous ne sommes pas en sécurité dans nos propres maisons. Le film de Carpenter est l'un des slashers les plus appréciés de tous les temps, son tueur masqué est sans doute le plus terrifiant du genre, et pourtant il semble toujours être un monde à part du genre qu'il a contribué à créer.

Au début des années 1980, les cinéastes ont commencé à incorporer des meurtres plus sanglants et plus explicites, augmentant ainsi la représentation de la sexualité au point qu'elle est devenue cruciale pour les règles déterminant qui survit le plus longtemps. « Halloween » est relativement sobre à côté de ceux-ci et a reçu un accueil critique que le genre n'a jamais connu, plusieurs critiques comparant Carpenter à Alfred Hitchcock – le compliment ultime pour un film inspiré du règne de terreur de Norman Bates.

Nous n'avions pas besoin du pouvoir du Christ pour nous obliger à inclure « L'Exorciste » dans notre compte à rebours, car le film du réalisateur William Friedkin a déjà une place dans l'histoire pour être le premier film d'horreur à obtenir une nomination pour le meilleur film aux Oscars, une décision rare et correcte de l'Académie. Adapté par le scénariste William Peter Blatty de son roman du même nom de 1971, le choc surnaturel a attiré un public qui serait habituellement repoussé par le genre. Cela n’est pas seulement dû à l’exploration de la religion à la surface, mais aussi aux riches allégories sociales qui ont rendu difficile sa place sur l’échiquier politique.

Pour certains, l’arrivée du diable dans une maison familiale entièrement américaine représentait la pourriture du Vietnam et du Watergate ; pour d’autres, le diable s’emparant de Regan (Linda Blair) représentait la façon dont les mouvements de justice sociale corromptaient la jeunesse du pays. Il a réussi à parler de son époque grâce à la façon dont il s’est mis dans la peau de spectateurs très différents.

L'autre raison pour laquelle « L'Exorciste » a été un tel moment décisif pour l'horreur était parce qu'il présentait un spectacle dégoûtant si intense et explicite que les rapports de personnes s'évanouissant et vomissant dans les théâtres sont devenus courants. Il y a bien plus dans le film de Friedkin que du vomi vert vif et des utilisations inhabituelles d'un crucifix, mais ce sont ces séquences qui ont suscité le plus de controverses. En y repensant maintenant, la nature scandaleuse de ces scènes devant un public non préparé a probablement été simplement citée par des téléspectateurs confus et secoués par les façons plus subtiles dont une horreur occulte a réussi à se mettre sous leur peau.

L'un des faits d'horreur les plus drôles est que le réalisateur Tobe Hooper tente délibérément de minimiser le sang dans « The Texas Chain Saw Massacre » pour obtenir une note PG de la MPAA, pour ensuite obtenir une note X, alors que plusieurs autres pays l'ont carrément interdit. Lorsqu'il s'agit de créer et de maintenir une atmosphère troublante, « The Texas Chain Saw Massacre » n'a pas vieilli d'un seul jour, et très peu de films slasher qu'il a inspirés ont capturé le même sentiment d'effroi persistant qui le rend bien plus percutant que le bain de sang typique d'un tueur en série. Comme les titres de genre les plus influents de cette époque, il est resté dans la conscience culturelle autant pour son allégorie sociale que pour sa brutalité révolutionnaire, le film ne cachant pas ses intentions satiriques à chaque fois qu'il dépeint Leatherface et les Sawyers comme une unité familiale entièrement américaine.

Les films ultérieurs, y compris la suite campagnarde de Hooper à la fin des années 1980, ont poussé cela dans une direction plus comique, mais ici, il utilise l'idée comme une arme pour cailler l'idée même de l'Americana. Son film a fait revivre les horreurs qui vivaient sous la surface des États-Unis, allant même jusqu'à ouvrir le film en déclarant qu'il était basé sur une histoire vraie pour intensifier son commentaire social sur la corruption morale du pays. Bien sûr, ces thèmes se cachent sous la surface d'un film qui était déjà viscéralement efficace à première vue, mais ils sont cruciaux pour expliquer pourquoi ce film d'exploitation à petit budget a résisté à l'épreuve du temps. C'est une vision de la vie américaine vue à travers un miroir fissuré, avec toute la pourriture, la décadence et la brutalité ramenées à la surface – pas étonnant qu'elle ait parfaitement vieilli.

C'est peut-être le film qui a terrifié des millions de personnes à l'idée d'aller dans l'eau, mais il semble maintenant un peu étrange de qualifier la percée grand public de Steven Spielberg de pur film d'horreur. À côté des exploits de Leatherface et Michael Myers, cette histoire d'un requin terrorisant les habitants d'Amity Island semble relativement pittoresque, et le fait qu'elle ait donné naissance au blockbuster estival tel que nous le connaissons le place dans une ligue différente des chocs hyper-violents et à petit budget qui dominaient le genre dans les années 70. Mais « Jaws » reste une classe de maître en matière d'horreur en raison de sa retenue, gardant son méchant aquatique à bout de bras même s'il reste une menace constante, devenant encore plus terrifiant en raison de la parcimonie avec laquelle Spielberg montre sa nageoire à l'approche de la côte.

Malheureusement, cela était dû à des contraintes budgétaires et à un accessoire de requin qui n'arrêtait pas de mal fonctionner, mais le réalisateur prodige a transformé ces revers en l'une des forces les plus durables de son film, en particulier dans la seconde moitié. Là, le film devient de plus en plus tendu et paranoïaque alors que les trois protagonistes sont piégés dans les limites claustrophobes de l'Orca II, s'avançant plus loin dans le territoire infesté.

Juste après que « L'Exorciste » soit devenu une sensation au box-office et aux Oscars quelques années plus tôt, « Jaws » a attiré encore plus de téléspectateurs qui seraient généralement allergiques à la haute intensité du genre, et les personnages au cœur de l'histoire sont cruciaux pour expliquer pourquoi. Ce ne sont pas des héros d’horreur typiques, ni même des protagonistes archétypaux de films d’aventure. Grâce à eux, un long métrage de créature vintage s'est ancré dans le quotidien, permettant au public de croire qu'une menace réelle pourrait se cacher sous la surface.