5 meilleurs films d’animation dont personne ne parle plus

Le cinéma d'animation est « tellement à la mode en ce moment », comme pourrait le dire un certain méchant de « Zoolander ». Après tout, « Inside Out 2 » et « Zootopia 2 » ont chacun dominé le box-office national annuel en 2024 et 2025, respectivement, tandis que « KPop Demon Hunters » est devenu jusqu'à présent l'une des plus grandes sensations culturelles de la décennie. Pendant ce temps, des programmes comme les productions animées composant les 25 meilleures séries Adult Swim de tous les temps ont normalisé l’idée selon laquelle la narration animée n’est pas réservée aux enfants. Ce média peut divertir n’importe qui et raconter n’importe quelle sorte d’histoire. Compte tenu de l’immense popularité actuelle de l’animation, la polyvalence de ce média se renforce chaque jour.

Les 98 meilleurs films d'animation de tous les temps témoignent de l'immense talent artistique qui existe dans ce domaine depuis des décennies. Cependant, qu'en est-il des joyaux du cinéma d'animation qui n'attirent pas autant d'attention que « Zootopia 2 » ou « Demon Slayer : Kimetsu No Yaiba The Movie : Infinity Castle » ? Tant de projets d'animation sont réalisés chaque année qu'il est facile pour certains bangers de se perdre dans les mailles du filet. Les cinq meilleurs films d'animation dont personne ne parle plus ne sont peut-être pas sur le bout de la langue de tout le monde, mais cela ne dilue pas leurs mérites artistiques individuels. Au contraire, cette réalité rend encore plus impératif que ces cinq films d’animation passent leur temps au soleil.

Après tout, ces cinq caractéristiques reflètent les possibilités infinies de narration et de visuel offertes par le cinéma d’animation. Cet exploit à lui seul devrait propulser ces films dans bien plus de conversations.

Parfois, il suffit d’une seule bonne chanson pour solidifier immédiatement un film en tant que classique. Tout comme « Drive It Like You Stole It » du film « Sing Street », « Deewangi Deewangi » de « Om Shanti Om » et une nouvelle interprétation de « Rock DJ » ont fait de « Better Man » de grands joyaux de tous les temps, le ver d'oreille animé « Samidare 20 Love » garantit également que « K-On! The Movie » ne sera pas oublié de sitôt. Cette expression musicale de rébellion du troisième acte n’est pas seulement une mélodie entraînante en soi. Il fournit également une démonstration très énergique de la connexion entre les personnages centraux du film (un groupe de lycéennes courageuses essayant de diriger leur propre groupe).

La réalisatrice Naoko Yamada donne un coup de main assuré à cette adaptation cinématographique du film « K-On! » manga et émission de télévision. Sa vision créative apporte empathie et nuance au point de vue des adolescentes, un groupe démographique que les longs métrages relèguent souvent au rang de caricature et de minimisation. Ici, cependant, chacun des personnages principaux est réalisé de manière réfléchie. Leurs rêves et leurs projets (parfois maladroits) doivent être encouragés et non ridiculisés. Cela confère un formidable noyau émotionnel à leurs diverses aventures (comme voyager à Londres ou trouver un cadeau pour un membre du groupe) tout en donnant à l'ensemble de la procédure un air irrésistible et attachant.

« K-On! The Movie » excelle même pour ceux qui s'y lancent sans aucune connaissance préalable de son matériel source. Les charmes et les prouesses artistiques ici conviennent à tous ceux qui recherchent un cinéma sincère ou des airs aussi accrocheurs que « Samidare 20 Love ».

Les plus beaux films d'animation dessinés à la main reflètent les triomphes visuels uniques exclusifs aux titres réalisés avec des techniques d'animation plus anciennes. Si vous recherchez un bel exemple des images merveilleuses que seuls les éléments dessinés à la main peuvent réaliser, regardez simplement le titre tout à fait délicieux « Ernest & Celestine ». Cet effort de mise en scène des légendes françaises de l'animation Stéphane Aubier, Vincent Patar et Benjamin Renner (adapté d'un livre du même nom de Gabrielle Vincent) est réalisé avec une délicieuse animation dessinée à la main évoquant les lignes ondulées et les couleurs douces (ce dernier élément canalisant les aquarelles) que l'on trouve souvent dans la littérature pour enfants.

Il y a une ambiance belle et chaleureuse dans le style d'animation complètement idiosyncratique « Ernest & Celestine ». Ces visuels s’avèrent un véhicule fantastique pour des morceaux de comédie physique et rendent des personnages comme l’ours imposant Ernest encore plus attachants. Heureusement, l'équipe créative du film a adopté « Ernest & Celestine », qui fonctionne comme le récit classique d'une amitié inattendue (entre une souris nommée Célestine et cet ours nommé Ernest). Plutôt que de compliquer les débats avec des détours narratifs alambiqués, ce long métrage se délecte avec confiance de ses sensibilités narratives anciennes et rationalisées. Une émotion sincère est bien plus puissante que des plaisanteries gênées.

Ainsi, « Ernest & Célestine » est un titre qui éblouit les yeux tout en étant profondément émouvant pour le cœur. Pas étonnant que son autonomie de 80 minutes s'écoule en un éclair. Pour ceux qui en ont assez des films d'animation CG à l'emporte-pièce et pleins de moqueries, les joies glorieuses d' »Ernest & Celestine » sont exactement ce que le médecin a ordonné.

Ne regardez pas, je le répète, « The Plague Dogs » si vous êtes un passionné de chiens d'humeur émotionnellement fragile. L'adaptation par le scénariste/réalisateur Martin Rosen du roman du même nom de Richard Adams est un exercice épuisant qui met deux chiens, Snitter (John Hurt) et Rowf (Christopher Benjamin), à l'épreuve alors qu'ils s'échappent de leur laboratoire et luttent pour survivre dans le monde réel. Le style d'animation du film, qui ne stylise ni les protagonistes canins ni le monde qui les entoure, accentue le caractère douloureux de cette histoire. Ce ne sont pas des chiens plus farfelus dont la misère existe dans un royaume différent du nôtre. « Plague Dogs » évoque en revanche constamment notre monde et l'angoisse qui y existe.

Facilement l'un des films les plus tristes de tous les temps, « The Plague Dogs » tire la tragédie du fait que les deux protagonistes n'ont aucune langue ni aucune connaissance de la misère qui leur est constamment infligée. Ils ressentent constamment de la douleur, mais se battent tragiquement pour savoir pourquoi les humains les détestent ou pourquoi certains environnements créés par l'homme sont si dangereux. Tout cela est réalisé à l'écran de manière si douloureuse et efficace, notamment grâce aux performances vocales profondément vécues de Hurt et Benjamin. Ces deux-là dégagent une humanité déchiquetée et expérimentée dans leur voix respective, ce qui rend Snitter et Rowf encore plus captivants.

De nombreux films avec des chiens comme personnages principaux sont des exercices doux-amers. Cependant, rares sont ceux qui sont aussi bouleversants que « The Plague Dogs ». Ce n'est pas une montre facile, mais l'immense savoir-faire (y compris dans l'excellente animation dessinée à la main) en fait un incontournable.

Heureusement, l’Amérique n’est plus considérée par le grand public comme le seul pays à produire des longs métrages d’animation. Par exemple, bon nombre des meilleurs films d’animation de tous les temps ont attiré l’attention sur l’industrie japonaise de l’animation. Aardman, quant à lui, est le visage de l'animation britannique, tandis que des œuvres acclamées comme « Une ville appelée panique » et « Les Triplettes de Belleville » ont rendu la scène de l'animation française emblématique. Malgré cela, les énormes contributions de nombreux pays internationaux à la scène des longs métrages d’animation restent sous-estimées. Les classiques de divers pays d’Amérique du Sud, par exemple, ne sont souvent pas autant évoqués qu’ils le devraient.

Cela inclut le joyau de la couronne des longs métrages d'animation brésiliens, « Le garçon et le monde ». Le scénariste/réalisateur Alê Abreu imprègne cette production d’une esthétique visuelle fascinante, abstraite et colorée. Pour démarrer, de nombreux personnages et couleurs sont réalisés comme s'ils avaient été dessinés avec des crayons de couleur par des enfants aussi jeunes que l'enfant titulaire du film. Dans ce film libre largement dialogué, Abreu plonge les spectateurs dans un film mettant délicieusement l'accent sur l'imagerie créative par-dessus tout. Dans une distillation parfaite de l'ambition et des multiples niveaux de « Le garçon et le monde », ce film a encore beaucoup de choses à dire sur le monde réel concret, y compris des critiques du capitalisme.

« Le garçon et le monde » ne ressemble à aucun autre film d'animation que vous verrez jamais. C’est une vision singulière qui mérite bien plus d’amour dans un paysage culturel qui ne reconnaît souvent que les films d’animation américains.

« Penguin's Memory: A Tale of Happiness » commence avec le pingouin Mike (Kôichi Satô) et ses camarades battus et séparés de leur unité. Même si elle représente des pingouins animés tenant des fusils, ce n’est pas une séquence jouée pour rire. Au lieu de cela, le réalisateur Shunji Kimura établit le matériel sans faille et brutal dont « Penguin's Memory: A Tale of Happiness » traite pendant toute sa durée. Ce projet de poids traite ensuite du retour de Mike du front avec un psychisme tourmenté. Tout le monde dit que c'est un « héros ». Mais à l’intérieur, il est hanté par les civils étrangers qu’il a vu massacrer et par les amis qu’il a perdus.

L'exploration de ce matériau est souvent réalisée de manière évocatrice et discrète, comme dans un montage de Mike errant sans but dans les rues. Bien qu'enraciné dans des personnages originaires de mascottes de bière, « Penguin's Memory: A Tale of Happiness » plonge tête première dans le traitement de ses joueurs pingouins comme des personnages tridimensionnels. Cela révèle l’immense émotion qui sous-tend les tendres interactions entre Mike et ses nouveaux copains de Lake City, y compris l’intérêt amoureux potentiel Jill (Hiromi Tsuru).

Pendant ce temps, « Penguin's Memory » couvre des sujets allant de l'infidélité au SSPT sans la moindre trace de moquerie. Il ne s'agit pas d'une situation de « Sausage Party » où c'est censé être « drôle » lorsque du matériel pour adultes existe dans une narration animée. Les artistes de « Penguin's Memory » prennent ces points de l'intrigue au sérieux et s'attendent à ce que le public emboîte le pas. Cela garantit que « Penguin's Memory: A Tale of Happiness » est un chef-d'œuvre unique dès sa séquence d'ouverture de bravoure en temps de guerre.