5 biopics musicaux les plus historiquement précis, classés

Lorsqu’il s’agit de réaliser un bon biopic, aucun cinéaste ne devrait jamais laisser la vérité faire obstacle à une bonne histoire. C'est ainsi que des icônes deviennent des légendes quasi mythiques sur grand écran, même si le processus d'écriture d'un blockbuster qui plaira au public dans cette veine signifie irriter les fans inconditionnels et les puristes, qui perdront rapidement le compte des détails incorrects sur la chronologie de la carrière d'un artiste. C'est pourquoi des films comme « Bohemian Rhapsody » et « Michael » ont été d'énormes succès auprès du public tout en étant méprisés par les critiques – il n'y a aucune attention aux détails lorsqu'il s'agit de raconter de manière authentique leur ascension vers la gloire, mais ils frappent les rythmes de leur vie et jouent tous les plus grands succès. Ainsi, au moins les fans occasionnels repartiront satisfaits.

Certains biopics restent plus proches de la vérité que d’autres, mais vous aurez du mal à en trouver qui ne ressemblent pas un peu à Hollywood dans leur reconditionnement d’une histoire vraie. Nous avons certainement eu du mal à faire des recherches sur ces films, car même les biopics musicaux les plus régulièrement cités comme les plus précis contiennent leur part de mensonges, avec plusieurs articles et pages de forum de fans dédiés à la vérification des faits dans chaque petit détail. Aucun des films ci-dessous ne présente toute la vérité, mais ce sont ceux qui sont le plus souvent célébrés par les fans des artistes représentés pour avoir réussi la majorité des détails. Notre classement n'est pas basé sur la qualité de chaque film, mais sur leur précision lorsqu'ils sont soumis à un examen minutieux, du plus au moins de mensonges à l'écran.

Si cela vous donne envie de plus de biopics musicaux – et que vous ne vous souciez pas de savoir si les faits sont clairs – alors rendez-vous ici pour découvrir notre sélection des cinq meilleurs et pires du genre.

Si nous classions en fonction de la qualité, croyez-nous, « Straight Outta Compton » serait plus élevé. Mais parmi les biopics régulièrement cités en ligne comme étant les plus précis sur le plan historique, ce film est celui qui truque le plus les faits. Cependant, ce biopic rauque de NWA capture toujours l'esprit des pionniers du hip-hop, les libertés qu'il prend étant celles qui rendent leurs années d'avant la célébrité plus excitantes, en accord avec leurs personnages de rap endurcis. Par exemple, il est vrai qu'un ancien Dr Dre (Corey Hawkins) a été emprisonné et sa caution a été payée par Eazy-E (Jason Mitchell) ; est-il important qu'en réalité, il ait été derrière les barreaux pour ne pas avoir payé ses contraventions au lieu de se battre ?

L'accent mis par le film sur les batailles juridiques du groupe avec les flics et leur manager Jerry Heller (Paul Giamatti) signifie que l'intensité des deux luttes a été accrue pour un effet dramatique. Pour un groupe notoirement controversé, c’est l’approche percutante que tout biopic doit adopter. Sorti à l'été 2015, alors que les violences policières à caractère raciste faisaient à nouveau la une des journaux, le film ressemblait moins à un film des années 80 et 90 qu'à un film parlant du moment présent, reflétant parfaitement pourquoi la musique de NWA est restée pertinente jusqu'à ce jour.

Il convient de noter que certains faits cruciaux ont été omis de « Straight Outta Compton », le membre fondateur Arabian Prince étant presque entièrement ignoré (et n'apparaissant que lorsque la couverture de « Straight Outta Compton » est montrée momentanément). Il n’y a également aucune référence aux diverses agressions physiques enregistrées par Dre contre des femmes. Sa relation abusive avec la chanteuse Michel'le Toussaint reçoit une seule référence passagère, et sa tristement célèbre attaque contre le journaliste Dee Barnes est entièrement absente, bien qu'elle figure dans une version antérieure du scénario. Ils ne ressemblent guère à des anges, mais il y a une histoire encore plus sombre qui attend d'être racontée.

Adapté des mémoires de Loretta Lynn de 1976, « Coal Miner's Daughter » est un biopic de la légende country du Kentucky, interprété par Sissy Spacek dans une performance primée aux Oscars. Ce film a gardé ses enjeux dramatiques modestes, se concentrant sur la relation tendue entre Loretta et son mari Doolittle (Tommy Lee Jones) alors qu'elle passait du statut d'épouse adolescente à la renommée de Nashville. C'est l'un des premiers films à établir ce que nous considérons maintenant comme une formule biopic hollywoodienne, mais la première moitié qui se concentre sur la vie domestique de Lynn suit fidèlement les rythmes de son autobiographie. Même si elle devient une star majeure, se liant d'amitié avec Patsy Cline et donnant des concerts à guichets fermés, le film reste singulièrement consacré au drame relationnel troublé, équilibrant parfaitement l'intimité de sa vie familiale avec son temps sous les projecteurs.

Il convient de noter qu'en 2012, il a été révélé que Lynn avait menti sur sa propre histoire d'origine ; elle n'avait pas épousé Doolittle à l'âge de 13 ans, mais à 15 ans, ce qui aurait été légal dans le Kentucky. Au moment où le film a été produit, cependant, son statut d'épouse-enfant beaucoup plus jeune était un fait enregistré, ce qui réaffirme l'engagement du film à dépeindre ses jeunes années de manière réaliste et non romantique. C'était un récit authentique de son histoire d'origine telle qu'elle l'avait racontée, dépeinte avec tout le courage associé aux personnages de ses chansons. Même avec cet avertissement, il reste essentiel pour les fans de musique country, suivant fortement les rythmes moins que glamour des mémoires à succès de Lynn.

Même si « Walk the Line » est plus responsable que tout autre film du martelage des clichés biopics directement parodiés dans « Walk Hard: The Dewey Cox Story », il reste bien plus proche de la vérité que prévu – avec une pincée de magie hollywoodienne pour intensifier le drame. Ce n'est pas le seul biopic musical à raconter la bataille d'une star contre la dépendance alors qu'elle se rapproche de l'attention, mais la performance nominée aux Oscars de Joaquin Phoenix maintient la mystique de l'Homme en noir d'une manière qui surmonte tout cliché de genre, garantissant qu'il se sent toujours comme une icône singulière même lorsqu'on lui donne le traitement du film grand public. En présentant June Carter de Reese Witherspoon comme un double protagoniste plutôt que comme un simple intérêt amoureux, « Walk the Line » a longtemps été célébré comme un drame relationnel plus authentique que toute autre chose du genre.

Il y avait quelques inquiétudes mineures (en particulier de la part des enfants de Cash) selon lesquelles le film dépeint injustement sa première femme Vivian (Ginnifer Goodwin), une représentation qui a heureusement été corrigée dans un documentaire HBO 2020 acclamé, « My Darling Vivian ». Cependant, un récit plus complet de cette relation nécessitait franchement un film à part entière pour que justice soit rendue. Alors que « Walk the Line » raconte l'histoire des étincelles qui ont jailli entre Johnny et June, un mariage qui a duré jusqu'à sa mort quelques mois avant celui de son mari en 2003, c'est un excellent récit des pressions que la célébrité peut exercer sur une relation entre deux personnes sous les projecteurs et des défis que présente un partenariat créatif. Phoenix et Witherspoon ont une excellente alchimie en tant que deux icônes country, ce qui n'a fait qu'aider le film à maintenir une réputation constante parmi les fans pour rendre justice à ses sujets sans enrober de sucre leur vie éclair.

Le fait que des musiciens vivants donnent leur approbation aux représentations de leur vie signifie généralement que le film propose une approche propre et aseptisée pour couvrir leur histoire. Ce n'était pas le cas du récit du réalisateur Bill Pohlad sur deux moments cruciaux de la vie de Brian Wilson dans « Love & Mercy », où le Beach Boy est interprété par Paul Dano et John Cusack. Wilson a fait l'éloge des deux performances, ce qui a surpris Dano car il craignait initialement que la description des batailles de Wilson en matière de santé mentale ne bouleverse la star. Au lieu de cela, cela l'a aidé à apprécier plus facilement la quantité de recherches que Pohlad et les scénaristes Oren Moverman et Michael Lerner avaient investies dans son projet. La façon dont les recréations des compositions les plus expérimentales de Wilson sonnaient était tout aussi cruciale que les moindres détails de sa vie.

Le film sautant les années 1970, de nombreux détails sur la vie du chanteur au cours des années intermédiaires ne sont que référencés au lieu d'être représentés, comme les quelques années qu'il a passées au lit. Cependant, en plus de ceux associés au groupe eux-mêmes (à l'exception notable du maussade Mike Love, qui a qualifié le film de « conte de fées » parmi les meilleurs groupes classiques), les historiens du rock qui ont couvert la carrière de Wilson ont attesté que les périodes étaient représentées avec une attention surprenante aux détails. Peter Ames Carlin, auteur de la biographie de Wilson « Catch a Wave », a noté que la seule inexactitude qui méritait d'être mentionnée était de savoir qui avait annoncé la nouvelle selon laquelle le manager coercitif de Wilson s'était inscrit dans le testament de la star. C’est par ailleurs un récit aussi fidèle que celui que le genre biopic musical a jamais livré.

Après sa première au Festival de Cannes 2007, l'ancien batteur de Joy Division, Stephen Morris, a déclaré à NME que, même s'il aimait « Control », « Rien de tout cela n'est vraiment vrai. C'est en quelque sorte vrai, mais il faut prendre des libertés quand on fait un film parce que la vérité est trop ennuyeuse. » C'est exactement ce que les producteurs espèrent qu'un musicien ne dira pas lorsqu'ils font la promotion d'un film basé sur la vie de leur ancien membre du groupe. « Control » raconte l'histoire de Ian Curtis (Sam Riley), le chanteur du groupe post-punk influent de Salford, Joy Division.

Malgré les commentaires de Morris, son coéquipier Peter Hook a répondu à un fan lors d'une AMA Reddit et a expliqué que « Control » était « TROP précis ». « J'ai très bien (reconnu) mes (anciens camarades du groupe) dans le film. Anton (Corbijn) nous connaissait très bien et a formé religieusement les acteurs pour capturer toutes nos petites bizarreries. C'était un film génial. »

« Control » est le premier film du photographe néerlandais, qui a déménagé au Royaume-Uni à la fin des années 1970 et a réalisé plusieurs couvertures pour NME et The Face d'icônes du rock, dont Joy Division, avec qui il a passé beaucoup de temps sur la route. Avec le film fidèlement adapté de « Touching from a Distance », les mémoires de la veuve de Curtis, Deborah, on a souvent l'impression que les portraits en noir et blanc de Corbijn prennent vie, refusant catégoriquement de romantiser les jours de gloire du groupe ou d'édulcorer les tendances autodestructrices de Curtis. C'est aussi bon qu'un biopic rock que nous n'avons jamais eu, et cela semble le moins hollywoodien du groupe.