5 meilleurs films d'animation qui n'ont pas été nominés aux Oscars

Au cours de son histoire qui dure près d'un siècle, les Oscars ont montré une propension à certains films et performances plutôt qu'à d'autres. Par exemple, les Oscars sont obsédés par les biopics et leurs performances, et les drames médiocres ont tendance à l'emporter sur les plats de genre ou les comédies légères. Ensuite, il y a le grave effacement de l’animation des plus grandes catégories. Au moment d'écrire ces lignes, seuls trois longs métrages d'animation ont obtenu des nominations pour les meilleurs films, et même ceux-ci ont été largement ignorés dans d'autres grandes catégories simplement en raison du support dans lequel ils ont été réalisés. Les geeks de l’animation ne connaissent que trop bien la douleur annuelle de voir cette remise de prix très médiatisée ignorer certains des meilleurs films d’animation de tous les temps.

Ce phénomène exaspérant est résumé par cinq films d’animation spécifiques qui n’ont reçu aucune nomination aux Oscars. La majorité de ces titres sont même sortis après la création de la catégorie des meilleurs longs métrages d'animation, ce qui rend leur absence totale encore plus inexplicable. Mais ce n’est pas parce qu’ils n’ont pas réussi à briser l’épaule froide que les Oscars donnent à l’animation qu’ils doivent être ignorés. Au contraire, revenir sur leur incapacité à obtenir la reconnaissance aux Oscars ne fait qu'illustrer davantage la maîtrise de ces films en matière de narration animée.

Les plus beaux films en stop-motion révèlent les joies glorieuses que cette forme d’art minutieusement méticuleuse peut produire. La nature chronophage de l’art du stop-motion aboutit généralement à des films mettant l’accent sur la grande beauté ou sur des contemplations tranquilles sur l’existence. Cependant, pour « A Town Called Panic » de 2009, ce médium réalise une bêtise implacable et hystérique. Les réalisateurs Stéphane Aubier et Vincent Patar ont adapté leur émission de télévision française du même nom pour une odyssée de folie autour de Cowboy (Aubier) et d'Indien (Bruce Ellison) essayant de construire un barbecue pour leur copain Horse (Patar). Une commande de briques en ligne erronée envoie le trio dans une course folle à travers la planète.

Le monde de « A Town Called Panic » ressemble intentionnellement à un tas de jouets pour enfants qui boitillent. Cela rend le scénario du film « tout est permis » tout à fait approprié, car il ressemble à ce qu'un jeune inventerait à la volée. Cette imprévisibilité explique en grande partie l’hilarité déchirante, car il est vraiment impossible de prédire quels gags rempliront ensuite l’écran. Les tendances maladroites d'Aubier et Patar démontrent une réelle habileté dans le timing précis, comme le montrent des blagues inoubliables comme Horse « jouant » du piano. Et ce n’est qu’une des nombreuses joies et punchlines de « A Town Called Panic », le tout regroupé en seulement 76 minutes d’émerveillement en stop motion.

Lors du classement de chaque film DreamWorks Animation du pire au meilleur, les titres réalisés en partenariat avec la société d'animation britannique Aardman arrivent généralement en tête de liste. Bien que la collaboration n'ait pas duré longtemps, le trio de fonctionnalités Aardman/DreamWorks a permis à l'ancien studio d'amener son esprit et sa créativité visuelle vers de nouveaux sommets passionnants. Cet exploit était évident dès le début avec « Chicken Run » des années 2000. L'histoire d'une bande de poulets essayant de s'échapper de leur ferme cruelle, « Run » était un pastiche passionnant de films de prisonniers de guerre qui ne sacrifiait pas des images frappantes ou inquiétantes pour apaiser la population cible du long métrage.

Au contraire, les réalisateurs Nick Park et Peter Lord ont tiré beaucoup d'effet comique en juxtaposant des images humoristiques et de gros protagonistes de poulet avec des tableaux nocturnes magnifiquement composés. Pendant ce temps, l'engagement de faire en sorte que des personnages antagonistes comme Mme Tweedy (Miranda Richardson) imposent véritablement des enjeux réels et convaincants à cette saga. Mieux encore, l'animation stop-motion décousue d'Aardman est un plaisir à voir dans « Chicken Run ». La tactilité est l’un des grands avantages de raconter des histoires avec de l’argile, amplifiant l’implication émotionnelle de ce monde.

Hélas, « Chicken Run » n'a obtenu aucune nomination aux Oscars. Ironiquement, son incapacité à être nominé pour le meilleur film aurait inspiré la création de la catégorie du meilleur long métrage d'animation. Cependant, son talent artistique sublime a néanmoins perduré, surtout par rapport à de nombreux titres DreamWorks de moindre importance.

Les chefs-d'œuvre dessinés à la main du réalisateur Satoshi Kon, apprécié pour avoir réalisé des films comme « Les Parrains de Tokyo » et « Perfect Blue », sont des réalisations incroyables. Ils sont particulièrement étonnants en tant qu’affichages visuels intensifiés et surréalistes. Kon a utilisé les possibilités illimitées de l'animation dessinée à la main pour reproduire des illustrations trippantes tirées directement d'un rêve psychédélique. Les tendances grandioses des œuvres de Kon ont été clairement affichées dans « Paprika » de 2006, qui a vu la réalité et les rêves entrer en collision, une situation que seul le chercheur/psychiatre Dr Atsuko Chiba (Megumi Hayashibara) peut résoudre.

L’expérience qui s’ensuit ressemble à un rêve chaotique, avec une esthétique visuelle distinctive et des combinaisons de couleurs pour différents arrière-plans. Les téléspectateurs de Chiba et de « Paprika » ne savent jamais ce qui va suivre, ce qui en fait une expérience cinématographique captivante. Son utilisation frappante de teintes rouges et vertes vives suffit à elle seule à garder vos yeux rivés sur l’écran. Même avec les projets passés de Kon qui ont brouillé les frontières entre réalité et royaumes artificiels, l'engagement particulièrement audacieux de « Paprika » envers l'inexplicable lui permet de voler de ses propres ailes.

Malheureusement, aucune des œuvres de Satoshi Kon, y compris « Paprika », n'a jamais été nominée aux Oscars. Cependant, aucune nomination ou victoire n'est un exploit aussi impressionnant que de réaliser un film aussi débordant d'inventivité que « Paprika ».

2009 a été une année phénoménale pour l’animation mondiale. Qu'il s'agisse de « Ponyo », « Up », « Fantastic Mr. Fox », « A Town Called Panic » ou « The Secret of Kells », vous n'avez pas besoin de chercher bien loin pour découvrir d'incroyables trésors. Parmi les sorties les plus discrètes mais non moins percutantes de cette année-là figurait « Mary and Max », le premier long métrage d'animation en stop-motion du célèbre réalisateur Adam Elliot. Il raconte les exploits à long terme de Mary (Toni Collette) et de son correspondant Max (Philip Seymour Hoffman), deux personnes qui ne pourraient pas être plus différentes. Séparés par des continents et des circonstances très variées, les deux hommes se lient au fil du temps et trouvent du réconfort dans leur amitié.

Elliot n'a jamais eu peur des éléments sinistres, voire brutaux, de son travail. Ses films tels que « Harvie Krumpet » et « Memoir of a Snail » présentent des personnages stylisés, mais puisent dans des aspects très réels et déchirants de la vie quotidienne que même de nombreux drames en direct refusent de reconnaître. Cette audace narrative et thématique raconte une histoire douloureuse dont la nature puissante n'est amplifiée que par le travail vocal exceptionnel de Philip Seymour Hoffman, qui apporte des couches puissantes et une sagesse vécue à la vision du monde de Max.

Pendant ce temps, l'animation réalisant les mondes de Mary et Max est extrêmement impressionnante. Déchiquetés mais tactiles, les divers environnements monochromes dégagent un sentiment d’usure convaincant. « Mary et Max » est un exercice bouleversant qui rassure également les téléspectateurs sur le fait que le réconfort et la solidarité peuvent être trouvés partout et en chacun.

Le style d'animation griffonné caractéristique du cinéaste Don Hertzfeldt cache souvent des vérités profondes. Depuis son court métrage « Rejected », qui a lancé sa carrière, les visuels minimalistes et imparfaits des œuvres de Hertzfeldt ont abrité des commentaires brûlants sur la société contemporaine et l'existence elle-même. En 2012, Herzfeldt a créé son magnum opus avec « It's Such a Beautiful Day », une odyssée suivant l'homme apparemment ordinaire Bill, qui a du mal à se souvenir des choses. L'animation surréaliste et le style de montage du long métrage reflètent parfaitement et de manière inquiétante la psyché tourmentée de Bill, ce qui en fait un film d'animation parfait pour les fans d'horreur. Il n’y a aucun sentiment de réalité stable pour notre protagoniste. Ainsi, le public ne reçoit aucune cohérence non plus.

Parmi les nombreuses qualités impressionnantes de « C'est une si belle journée », il y a la façon dont il fait passer des coups d'émotion dévastateurs aux côtés de moments ridiculement humoristiques qui conviennent parfaitement à un cinéaste qui a lancé au monde la phrase « ma cuillère est trop grosse! » Cependant, « Beautiful Day » chante vraiment dans sa représentation du désespoir existentiel. La marche incessante du temps révèle une tristesse omniprésente qui laissera tout spectateur ébranlé. L’imagerie de plus en plus désarticulée et l’élan psychologique lugubre derrière cette spirale visuelle ont tout aussi un impact.

Metacritic dit qu'il n'existe que 24 films d'animation presque parfaits. Il n’est pas surprenant que « It’s Such a Beautiful Day » en fasse partie.