Des films d'horreur des années 70 qui étaient bien en avance sur leur temps

Il y a toujours eu des films en avance sur leur temps. Parfois, il arrive un film fantastique qui, même s'il n'est pas accueilli favorablement au début, fait l'objet d'une réévaluation critique, les gens se rendant compte que le projet était en fait à l'avant-garde de quelque chose de vraiment remarquable. Peut-être qu'il devient un classique culte après sa sortie, gagnant progressivement un public qui le remet sur la carte à mesure que les gens réalisent à quel point il a bien traité certains thèmes. Ou peut-être qu’il reçoit une nouvelle édition qui le remet sur le devant de la scène et incite les gens à le reconsidérer.

Le genre de l’horreur a toujours eu des films en avance sur leur temps. C'est ainsi que le genre continue d'évoluer, depuis l'ère des slashers jusqu'aux nombreuses options de films trouvés qui ont fait leur apparition après « The Blair Witch Project ». Qu'ils soient identifiés lors de leur sortie ou des décennies plus tard, ce sont les films d'horreur des années 1970 qui sont en avance sur leur temps, depuis les thèmes qu'ils explorent jusqu'à la façon dont ils traitent leurs personnages principaux et même leur style de montage.

« Alien » est un film phénoménal pour plusieurs raisons. Il est largement considéré comme l’un des films les plus influents dans les genres de l’horreur et de la science-fiction, la tristesse de l’intrigue continuant de résonner auprès du public des décennies plus tard. Roger Ebert a écrit en 2003 que l'une des forces les plus notables d' »Alien » était son rythme, soulignant la façon dont il laisse parler le silence, avec une montée en puissance lente et régulière des horreurs qui attendent l'équipage.

Mais ce qui a vraiment rendu « Alien » en avance sur son temps, c'est la performance de Sigourney Weaver dans le rôle d'Ellen Ripley. Non seulement le film est un élément important de sa carrière, la mettant sans doute sur la carte, mais les nuances féministes de l'histoire de Ripley aident le public à se connecter avec elle. C'est un personnage féminin fort qui joue un rôle de leadership et survit contre toute attente grâce à son propre intellect. Alors que nous voyons cela souvent dans l'horreur plus moderne avec des projets comme « A Girl Walks Home Alone at Night » de 2014, « Alien » l'explore d'une manière qui a redéfini le genre et a fait de Ripley l'une des filles finales originales.

Weaver est d'accord avec cette évaluation. « Ils pensaient que le public ne soupçonnerait jamais que la jeune femme allait être le héros, essentiellement la survivante », a déclaré l'actrice au Hollywood Reporter en 2025. « C'est incroyable à quel point le personnage de Ripley a eu une influence. Je pense que c'est parce qu'elle nous rappelle à tous que nous pouvons compter sur nous-mêmes et que nous n'avons pas besoin d'un homme pour voler et nous sauver ou quelque chose comme ça. »

« Alice, Sweet Alice » peut ressembler à un film effrayant pour enfants, avec une sœur accusée du meurtre d'une autre, mais le film est bien plus que cela. L'intrigue change d'avant en arrière, laissant le public se demander si la titulaire Alice (Paula Sheppard) est responsable de la mort de sa sœur Karen (Brooke Shields), alors que le film révèle la vraie nature de la première. Elle est violente avec les autres autour d'elle, y compris les animaux, et menace même sa sœur au début, donnant immédiatement le ton à quoi s'attendre.

Racontée dans le contexte de la sœur d'Alice mourant quelques secondes avant sa première communion, la religion devient un thème important, et c'est pourquoi « Alice, Sweet Alice » est devenue un point d'intérêt pour les théoriciens du cinéma. Le film suscite des discussions sur la manière dont les gens intériorisent les enseignements religieux, en particulier dans le catholicisme, et sur la culpabilité qui accompagne leur désobéissance. Les parents d'Alice, maintenant divorcés, l'ont eue hors mariage, et une façon d'interpréter le récit est que Dieu les punit par la mort de leur deuxième enfant.

De plus, la famille nucléaire s'effondre, avec le divorce des parents et la mort d'une fille. Lorsque cela est juxtaposé au contexte de l'Église catholique, cela vous oblige à remettre en question les enseignements traditionnels de l'Église, quel impact cela a sur la famille et si l'incinération du corps de Karen est censée fonctionner comme un moyen de « nettoyer » la famille de leurs péchés. Ces nuances rendent « Alice, Sweet Alice » mûr pour une discussion sur les représentations de la religion et de la pensée religieuse à l'époque, un sujet rarement exploré dans le genre auparavant.

« Don't Look Now » suit un couple marié qui tente d'avancer dans la vie après la mort de leur fille. Ils se dirigent vers Venise, où son mari John (Donald Sutherland) doit aider à restaurer une vieille église. Cependant, il commence à voir des choses étranges, confus quant à ce qui se passe réellement autour de lui.

Le film explore la façon dont différentes personnes traversent leur deuil, séparément et ensemble. En tant que couple, ils sont obligés de faire face à l’impact que cela aura sur leur vie commune, mais ils doivent également comprendre leurs propres sentiments à ce sujet. C’est une dure vérité à laquelle beaucoup ne veulent pas faire face car, en fin de compte, leur mariage pourrait ne pas survivre. Alors que les relations étaient certainement présentées dans les films d'horreur auparavant, « Don't Look Now » était en avance sur son temps dans la façon dont il met en lumière le chagrin dans les relations, en particulier lorsqu'il est combiné avec un montage non conventionnel.

Le style de montage innovant du film oblige le public à s'interroger sur ce qu'il voit, une technique qui correspond davantage aux films contemporains qu'à ceux sortis dans les années 1970. Cela rend l'horreur de tout cela d'autant plus percutante que vous réalisez que rien n'est ce qu'il semble, distinguant « Don't Look Now » de ses pairs.

« Long Weekend » emmène le public en camping avec un couple, Marcia (Briony Behets) et Peter (John Hargreaves). Ils sont assez destructeurs au fur et à mesure, provoquant des incendies, coupant des arbres pour le sport et tuant de nombreux animaux. Les dommages environnementaux ne passent pas inaperçus alors que la nature commence à se venger.

Bien qu'il ne s'agisse pas du premier film de la décennie à aborder le sujet, « Long Weekend » le fait le mieux parmi ses pairs. Il montre non seulement la nature qui fait de grands efforts pour s'assurer que Marcia et Peter ne survivent pas au week-end, mais il fait également allusion à ce qui arrivera au couple dès le début du film, en particulier lorsqu'un reportage parle d'attaques d'oiseaux étranges. Tout cela ressemble à la façon dont un réalisateur pourrait aborder un projet en commentant le changement climatique aujourd'hui, avec la planète provoquant un comportement animal inhabituel ou essayant de faire de quelqu'un un exemple.

« Long Weekend » met également en place un conflit toujours d'actualité : Marcia et Peter se battent au sujet de l'avortement. Marcia a avorté après avoir eu une liaison, et il est clair que la liaison et l'avortement qui l'accompagne sont un sujet sensible pour le couple. Lorsque cette révélation arrive, elle aide à comprendre la tension du voyage et pourquoi les deux semblent agir. Même aujourd'hui, l'avortement n'est pas un sujet qui revient souvent dans les films, donc le voir présenté dans les films d'horreur des années 1970 rend « Long Weekend » en avance sur son temps.

Quand vous pensez au CV du réalisateur d'horreur David Cronenberg, les films qui vous viennent probablement à l'esprit en premier sont « The Fly », « Shivers » ou peut-être même « Videodrome ». Ce sont tous des films incroyables, mais celui qui n’attire pas toujours suffisamment d’attention est « The Brood ».

« The Brood » est en avance sur son temps en raison de la manière dont il décrit le récit d'un couple marié se battant pour la garde de leur fille, Candice (Cindy Hinds). Cronenberg a écrit le film après avoir vécu un divorce, et cela transparaît dans la façon dont le film se concentre non seulement sur la relation en ruine, mais aussi sur les efforts que chaque parent est prêt à faire pour «gagner» ce qu'il veut, tout en incluant la peur d'être un «bon» parent. L'épouse, Nola (Samantha Eggar), consulte un psychothérapeute pour travailler sur son passé et son impact sur sa santé mentale dans le présent, ce qui à son tour est quelque chose que son mari, Frank (Art Hindle), tente d'utiliser contre elle dans la bataille pour la garde.

Alors que l'histoire tourne à quelque chose de bizarre, les thèmes sous-jacents entourant la parentalité, la santé mentale et le pouvoir maternel ressortent, ce qui donne à « The Brood » une place dans les discussions sur la théorie du cinéma. En particulier, les théoriciens affirment que le film montre les véritables problèmes de la misogynie dans les médias : la manière dont les hommes représentent les femmes. « The Brood » dépeint astucieusement deux hommes différents, le mari de Nola et son psychothérapeute, qui tentent finalement de la façonner selon ce qu'ils veulent qu'elle soit.

Si vous ou quelqu'un que vous connaissez avez besoin d'aide en matière de santé mentale, veuillez contacter le Ligne de texte de crise en envoyant HOME par SMS au 741741, appelez le Alliance nationale sur la maladie mentale ligne d'assistance téléphonique au 1-800-950-NAMI (6264), ou visitez le Site Web de l'Institut national de la santé mentale.