5 meilleurs remakes de films du 21e siècle, classés

Les gens se plaignent du fait qu'Hollywood est à court d'idées depuis plus longtemps que beaucoup d'entre nous ne sont en vie, mais parfois, copier les devoirs d'un autre réalisateur est la recette du succès. Après tout, certains films ayant un potentiel de grandeur ne parviennent pas à l’atteindre, et d’autres ont du mal à traduire à l’écran les éléments qui ont permis à un matériel qui a si bien fonctionné dans un autre média de prospérer. Dans le cas de cette liste, certains ont même pris de plus grands risques en refaisant des films déjà considérés comme des classiques, ce qui a porté ses fruits en éclipsant facilement les originaux.

Notre liste des meilleurs remakes de films du 21e siècle a été choisie selon vos préférences personnelles, et elle a été beaucoup plus facile à compiler que de nombreux articles que nous avons rassemblés : il y a cinq choix évidents pour cette catégorie, qui brillent d'autant plus lorsqu'ils sont placés à côté des nombreux remakes paresseux et sans inspiration qui ont orné les écrans de cinéma ces dernières années. Tous les films suivants sont des bangers qui méritent une place au premier rang, mais un seul peut s'asseoir sur le trône. Nous avons donc donné la place à celui qui a le plus besoin d'amour, les quatre autres ayant tous reçu leurs fleurs du public et des cinéphiles.

Pour d’autres remakes géniaux venant de plus loin dans l’histoire du cinéma, revenez ici après avoir lu tous les remakes de films que nous pensons meilleurs que les originaux.

« Dune » de Frank Herbert était communément accepté comme l'un des romans de science-fiction les plus inadaptables jusqu'à l'arrivée de Denis Villeneuve. Après tout, les tentatives ratées de réalisateurs idiosyncratiques comme Alejandro Jodorowsky (décrit dans le documentaire « Jodorowsky's Dune ») sont tristement célèbres pour leur ambition non réalisée, et la seule véritable adaptation que nous avons obtenue grâce à David Lynch était une bombe au box-office compromise qu'il allait bientôt renier.

La seule raison pour laquelle l'adaptation de Villeneuve, un triomphe à l'échelle d'Arrakis lui-même, occupe la dernière place de cette liste est simplement parce qu'elle ne représente que la moitié de l'histoire, et la « Deuxième partie » de 2024 est, à notre avis, une version encore plus exaltante du matériau. Mais quelle réintroduction dans ce monde lointain « Dune », prenant une source considérée comme trop capiteuse, trop dense en histoire pour être traduite en blockbuster grand public et la rendant à la fois passionnante et accessible à ceux qui sont les plus éloignés de son fandom obsédé et ringard.

Que cela semble facile, permettant à l'action d'illustrer la hiérarchie et les rivalités de ce monde plutôt qu'un barrage d'expositions, était un exploit presque impensable au premier regard compte tenu de la densité du roman d'Herbert. Après deux œuvres existentialistes de science-fiction antérieures – « Arrival » et « Blade Runner 2049 » -, « Dune » ressemble moins à une entreprise ambitieuse qu'au film d'action intergalactique à l'échelle épique que Villeneuve avait travaillé jusqu'à. Ce n'est qu'un demi-remake, d'où son faible placement, mais croyez-nous quand nous disons que si nous comptions les deux films comme un tout gargantuesque, celui-ci serait bien mieux classé.

Désormais surtout connu comme le film qui a finalement valu à John Wayne son Oscar du meilleur acteur, l'adaptation de « True Grit » de 1969 n'a pas particulièrement bien vieilli, sa réputation étant éclipsée par le fait qu'elle a donné sa victoire au duc. En revisitant le roman de Charles Portis de 1968, Joel et Ethan Coen ont voulu faire une adaptation plus fidèle, racontée directement du point de vue juvénile du livre de Mattie Ross, une adolescente qui cherche l'aide d'un chasseur de primes vieillissant pour venger son père. Cependant, la chose la plus surprenante à propos de « True Grit » était que quelques années seulement après « No Country for Old Men », les réalisateurs avaient troqué le nihilisme de ce film contre quelque chose de plus directement émotionnel.

Les Coen ont été critiqués à plusieurs reprises pour avoir été accusés de mépriser leurs personnages, mais « True Grit » est inhabituellement sérieux dans sa perspective, même s'il ne dilue pas bon nombre des thèmes les plus sombres du roman comme l'adaptation précédente l'a fait. Leur Rooster Cogburn (Jeff Bridges) est l'épuisement acharné que Wayne n'a jamais pu devenir pleinement dans un véhicule de star de cinéma, et via Mattie de Hailee Steinfeld, ils ont raconté l'une des histoires de passage à l'âge adulte les plus fortes que l'on puisse trouver à une époque dominée par d'interminables adaptations YA.

C'était un film qui semblait complètement hors du temps, comme un western de l'âge d'or qui n'a été redécouvert qu'en 2010, et c'est peut-être pour cela qu'il n'est pas considéré comme l'un des meilleurs des Coen – il ne porte pas leurs empreintes digitales aussi clairement que leurs meilleurs films. Mais c’est une histoire émouvante racontée avec un panache qui plaira à tout le monde, et la preuve que, lorsqu’ils recommenceront à faire des films ensemble, ils pourraient volontiers quitter leurs zones de confort sardoniques.

Sorti en 1960, l'original « Ocean's 11 » était considéré par les critiques de l'époque comme rien de plus qu'un projet vaniteux de Rat Pack ; un film de braquage farfelu à peine tenu qui semblait exister comme une excuse pour que Frank, Dean et Sammy plaisantent, se mettent à chanter et se déroulent généralement sur une intrigue fragile et mal définie.

Entre les mains du réalisateur Steven Soderbergh et du scénariste Ted Griffin, ce véhicule vedette paresseux et oubliable d'une autre époque est non seulement devenu le rôle définitif de la star de cinéma de George Clooney, mais aussi le modèle de nombreuses comédies d'action modernes. Si vous ne nous croyez pas, rendez-vous sur n'importe quel service de streaming de votre choix et regardez les films de stars diffusés directement en streaming qu'ils ont produits. Il y a de fortes chances qu'ils tournent autour d'une bande de criminels d'élite mal assortis collaborant à un braquage dangereux et élaboré, et leurs qualités algorithmiques ne contiendront pas un seul iota du charme cool et décontracté d' »Ocean's 11″.

La scène étendue du braquage de Vegas est l'une des pièces maîtresses des années 2000, mais en dehors de cela, le film n'a pas reçu le même accueil enthousiaste que les deux films précédents de Soderbergh – « Erin Brockovich » et « Traffic » – qui ont tous deux reçu plusieurs nominations et victoires aux Oscars. Au contraire, il a été sous-estimé à l’arrivée car il s’agissait d’une pure évasion de pop-corn. Pourtant, il a réussi à résister à l’épreuve du temps et constitue l’un des meilleurs exemples de sensations fortes à succès de son époque. Après deux films politiquement engagés juste avant, vous pouvez comprendre pourquoi Soderbergh voudrait faire quelque chose d'aussi relativement léger ; le temps a fini par prouver que son film le moins important était le plus durable et le plus regardable à l'infini.

Plutôt que de simplement traduire l'intrigue de la saga d'action sinueuse de Hong Kong « Infernal Affairs » en Amérique pour un remake hollywoodien, le scénariste William Monaghan a situé son histoire à Boston pour s'inspirer des histoires réelles de corruption criminelle du tristement célèbre Winter Hill Gang de Boston, repris par James « Whitey » Bulger en 1979. Bulger a servi d'inspiration pour Frank Costello de Jack Nicholson, l'une des nombreuses figures plus grandes que nature de Martin. L'histoire sanglante de Scorsese sur les rats doublement croisés des deux côtés de la loi, qui parvient à donner au matériel source du film d'action un aspect sobre en comparaison.

C'est la dernière grande performance de Nicholson au cinéma, et pour cette seule raison, « The Departed » est l'un des remakes les plus essentiels au cinéma. Grâce à l'interrogation sombre et comique de Scorsese et Monaghan sur les doubles tentatives de la foule d'infiltrer les forces de l'ordre et des forces de l'ordre pour infiltrer la foule, il a une personnalité beaucoup plus distincte (et un scénario beaucoup plus grossier) que la trilogie qui l'a inspiré.

Même si cela a valu à Scorsese l'Oscar du meilleur réalisateur qui s'était révélé insaisissable tout au long de sa carrière, il ne s'est pas contenté de gloires passées. Au lieu de cela, c'était tout à fait l'égal de ses précédentes épopées policières pour lesquelles il méritait des éloges. Et c'était tout aussi sans compromis que son travail précédent, le réalisateur s'étant finalement brouillé avec Warner Bros. en raison d'une production tortueuse où ils voulaient qu'il réécrive la fin pour sauver l'un ou l'autre des personnages principaux (Leonardo DiCaprio et Matt Damon) afin qu'ils puissent avoir une franchise. Il a dit non, et l’histoire brutale et noirement comique n’en est que meilleure.

Steven Spielberg a toujours voulu faire une comédie musicale, et pourtant, il y avait encore un scepticisme compréhensible lorsqu'il a signé pour adapter « West Side Story ». Le film original a remporté le prix du meilleur film et est toujours considéré à juste titre comme l'un des meilleurs de son genre. Même en tant que l’un des plus grands réalisateurs de l’histoire d’Hollywood, Spielberg pourrait-il trouver quelque chose de nouveau dans une histoire déjà socialement consciente pour la faire résonner davantage dans les temps modernes ? La réponse a été un oui catégorique, même si dire que le film a échoué est un euphémisme ; Une partie de la raison pour laquelle nous l'avons choisi comme numéro un est qu'il n'a toujours pas trouvé le public massif dont il a besoin dans son au-delà culturel.

Au niveau de la pure magie cinématographique, il s'agit de l'un des meilleurs films de Spielberg du 21e siècle, éclipsant les séquences musicales de l'original en les reconstituant à une échelle gargantuesque, fermant même dans certains cas les rues de New York pour filmer sur place (une telle rareté que cela semble triomphant ici).

Cependant, c'est la recontextualisation de ce conte « Roméo et Juliette » qui lui donne le plus de résonance, le réalisateur collaborant une fois de plus avec le scénariste Tony Kushner pour mettre à jour l'allégorie sociale de l'histoire d'une manière qui reflète mieux les divisions culturelles de l'ère Trump. Ce n’est guère subtil, mais cela rend la célèbre finale poignante encore plus puissante, faisant revivre une pièce d’époque comme quelque chose de profondément et douloureusement ressenti dans le monde moderne. Le temps le prouvera comme l’un de ses chefs-d’œuvre ultimes ; Le meilleur blockbuster de Spielberg qui n'a jamais existé.