5 gagnants des Oscars du meilleur film qui sont inregardables aujourd'hui

La catégorie du meilleur film aux Oscars a accueilli des centaines de nominés au fil des ans. Cela inclut un large éventail de films, tels que les seuls films en langue étrangère jamais nominés pour l'Oscar du meilleur film. Grâce aux 98 cérémonies des Oscars, même la collection des gagnants du meilleur film constitue un groupe dense. Parfois, l’Académie lègue sa récompense la plus prestigieuse à quelque chose d’incroyable. Dans ces cas-là, le trophée du meilleur film est remis à un film qui remodèle à jamais le cinéma et influence des générations d’artistes à la recherche d’étoiles du Nord pour guider leurs propres visions.

Cependant, comme tout le monde le sait, tous les meilleurs films oscarisés ne sont pas exceptionnels. Il existe de nombreux champions tristement célèbres dans cette catégorie, y compris certains vainqueurs de l'Oscar du meilleur film qui sont inregardables aujourd'hui. Ce qui rend ces cinq films «inregardables» varie cependant d'un film à l'autre. Certains reflètent des tendances cinématographiques distinctes qui ne se traduisent pas bien par le visionnage à domicile moderne. D’autres cristallisent des points de vue limités sur des voix marginalisées qui ont toujours été profondément suspectes. Pourtant, d’autres se sont révélés extrêmement ennuyeux une fois que l’éclat de la gloire des Oscars s’est dissipé.

Il existe d'innombrables façons pour le chéri de la saison des récompenses d'une époque de se transformer en quelque chose d'inregardable pour les générations suivantes. Bien que les films eux-mêmes soient des corvées à endurer, il est fascinant d’analyser ces cinq films et d’examiner comment leur réputation à long terme a si mal tourné. Même une victoire historique aux Oscars ne pourrait empêcher des résultats aussi sombres.

En moyenne, les années 1930 ont probablement connu la pire récolte d'Oscars du meilleur film de toutes les décennies. Cela ne veut pas dire qu'aucun long métrage de qualité de cette époque n'a remporté le prix (« It Happened One Night » et « All Quiet on the Western Front » sont toujours des gardiens de tous les temps), ni le reflet du fait que les années 30 sont dépourvues de cinéma stellaire. Cette décennie a donné naissance à « Bringing Up Baby », « Make Way For Tomorrow », « Madchen in Uniform », « Street Scene » et d'innombrables autres titres sublimes. Cependant, l'Oscar du meilleur film des années 30 a été largement attribué à des biopics jetables, à des adaptations littéraires étouffantes ou à l'un des pires films de trois heures, « Autant en emporte le vent ».

Le western « Cimarron » de 1931 résume malheureusement ces tendances créatives erronées. Le réalisateur Wesley Ruggles commence « Cimarron » en 1889 alors que l'avocat Yancey Cravat (Richard Dix) et sa femme Sabra (Irene Dunne) emménagent à Osage, Oklahoma. L'histoire s'étend ensuite sur quatre décennies alors que le couple navigue dans une vision hagiographique du « destin manifeste » et du colonialisme. Les politiques profondément troublantes qui sous-tendent cette histoire (dans laquelle des personnages blancs doivent « apprivoiser » des terres volées) sont impossibles à ignorer, rendues d'autant plus flagrantes par son rythme glacial.

En 1931, les « talkies » étaient si rares que la longueur de « Cimarron » aurait pu être considérée comme un « cadeau ». Cependant, aujourd’hui, cette forme gonflée offre simplement plus de temps pour mijoter sur son noyau inquiétant. Allez regarder des films de cinéastes autochtones et évitez cet exemple expliquant pourquoi les années 30 n'étaient pas idéales pour les gagnants du meilleur film.

« Cavalcade » est un autre film commençant dans les années 1800 (bien que le dernier jour de 1899) avant de se plonger dans une intrigue qui s'étend sur des décennies. Les points d'ancrage de cette vaste histoire sont Jane (Diana Wynyard) et Robert Marryot (Clive Brook), dont la famille ne cesse de croiser les événements cruciaux des premières décennies du 20e siècle. Il s’agit essentiellement d’une famille entière de Forrest Gumps. Aujourd'hui, « Cavalcade » est surtout célèbre pour son étrange rareté sur les supports physiques, témoignage du peu d'épopée supposée. Alors que les films détestés par la critique et qui ont remporté des Oscars continuent de susciter des débats passionnés, « Cavalcade », largement digne d'un haussement d'épaules, est tombée dans l'obscurité.

Les critiques modernes de cet effort de mise en scène de Frank Lloyd ont principalement critiqué « Cavalcade » pour s'appuyer fortement sur le dialogue (un reflet de ses origines en tant que pièce du même nom de Noël Coward) tout en présentant un verbiage aux oreilles étamées. Devoir endurer tant de lignes maladroites et de personnages écrits à plat est plus douloureux que n'importe quelle tourmente du début du XXe siècle vécue par la famille Marryot. Il est difficile d'imaginer qu'une telle écriture puisse fasciner le public, mais à l'époque, « Cavalcade » avait au moins la légère nouveauté d'être l'un des premiers exemples de cinéma épique relatant l'histoire britannique.

Les films ultérieurs de qualité supérieure illustrant l'histoire britannique, comme « La vie et la mort du colonel Blimp » de 1943, ont permis au public de ne pas avoir à se contenter de « Cavalcade ». Comme « Cimarron », « Cavalcade » reflète à quel point les années 30 ont été une période difficile pour les lauréats de l'Oscar du meilleur film.

Dans les années 1950, Hollywood s’était attaché à l’épopée des roadshows. Ces films ont été définis par leurs durées d'exécution imposantes, leurs portées gargantuesques et leur exposition lors de sorties itinérantes. Ces titres ont fait du cinéma un événement majeur (une qualité essentielle à l’ère de la télévision) et ont donné aux studios l’occasion d’arracher des billets plus élevés au public. De nombreux grands films sont nés de ce phénomène, comme « Le pont de la rivière Kwaï », « 2001 : l'Odyssée de l'espace » et « West Side Story ». Malheureusement, pour chaque classique durable, le royaume des roadshows a également livré des dégâts gonflés (comme « Docteur Dolittle » de 1967) qui sont pratiquement inregardables aujourd'hui. La longueur excessive de ces films médiocres rendait leurs défauts terriblement évidents.

« Le tour du monde en 80 jours », qui a remporté le prix du meilleur film avec quatre autres Oscars lors de la 29e cérémonie des Oscars, est un long métrage qui dépasse largement sa durée de 182 minutes. Certaines qualités, comme sa structure épisodique et son rythme lent, censées donner au public de 1956 le meilleur rapport qualité-prix pour ses billets de tournée, en font désormais un cauchemar. Pendant ce temps, les images grandioses et les effets visuels qui auraient pu paraître passables pour le public du milieu des années 50 n'ont pas vieilli aussi bien que ceux des autres épopées de l'époque.

Cela n’entre même pas dans le déluge de stéréotypes raciaux qui peuplent le voyage de ce film aux quatre coins du globe. Malgré son scénario surchargé, « Le Tour du monde en 80 jours » manque cruellement de pouls.

Les meilleurs films musicaux illustrent les atouts artistiques de cette catégorie de cinéma, nombre d’entre eux présentant certaines des meilleures bandes sonores de films de tous les temps. Des titres comme « Singin' in the Rain » ou « Mary Poppins » ont livré des chansons délicieusement accrocheuses et bien écrites qui ne sont pas encore démodées. Cependant, tous les morceaux de films musicaux ne résistent pas aussi bien au fil du temps. Exemple concret : le film « Gigi » de Vincente Minnelli de 1958, qui a remporté l'Oscar du meilleur film. L'un de ses premiers morceaux voit Honoré Lachaille (interprété par Maurice Chevalier, alors âgé de 70 ans), chanter une chanson intitulée « Merci au ciel pour les petites filles ».

Ce morceau contient des phrases telles que « Merci au ciel pour les petites filles/Pour que les petites filles grandissent chaque jour/Merci au ciel pour les petites filles/Elles grandissent de la manière la plus délicieuse. » Il n’y avait aucune époque où ces phrases n’étaient pas effrayantes. Dans les années 2020, ce verbiage est insupportablement déconcertant. Ce matériel inquiétant préfigure l'intrigue principale tout aussi effrayante, dans laquelle la mineure Gigi (Leslie Caron) est préparée à devenir l'épouse d'un homme plus âgé. L’ensemble du film est une expérience troublante qui devient de plus en plus troublante d’année en année.

Il existe d'innombrables comédies musicales de qualité supérieure ou même des films de Vincente Minnelli parmi lesquels choisir. « Gigi » ne mérite le temps de personne quand de tels titres existent. Même les chansons les plus banales de Pasek & Paul sont préférables à « Thank Heaven for Little Girls ».

Il n’y a jamais eu une époque où « Crash », l’un des pires films oscarisés, n’était ni controversé ni considéré comme dépassé. Dès sa première au Festival international du film de Toronto en septembre 2004, ce long métrage du scénariste/réalisateur Paul Haggis et du coscénariste Robert Moresco a suscité des critiques pour la façon dont il traitait la race, en particulier ses représentations caricaturales de personnages non blancs. L’attention portée à ces lacunes a persisté jusqu’à la fin des années 2000 et n’a fait que susciter davantage de mépris au cours des années qui ont suivi. « Crash » n'est pas passé de réfléchi à déconnecté. Cela garantit simplement de nouveaux niveaux d’obsolescence qui font grincer des dents.

« Crash » ne sert que de traité pour l'approche superficielle de la race par Haggis dans l'Amérique moderne. Le film ne fonctionne pas sous une autre forme. Ce n’est pas comme si c’était un thriller si propulsif qu’il pouvait atténuer les commentaires sociaux potentiellement maladroits. Il ne s’agit pas non plus d’une étude de personnage captivante et à plusieurs niveaux. Au lieu de cela, « Crash » est en proie à des explorations musclées de différentes formes de racisme. Il est donc impossible de minimiser son écriture terriblement fastidieuse ou ses qualités carrément toxiques, ces dernières étant incarnées par la grâce accordée à un policier blanc raciste.

Avec « Crash » ne fonctionnant que dans un seul mode profondément défectueux, ses défauts sont devenus impossibles à ignorer. De plus, des films ultérieurs et nettement supérieurs abordant les relations raciales modernes (comme « Blindspotting ») n'ont fait que souligner davantage la nature dépassée de « Crash » depuis sa première en 2004.