5 films de science-fiction les plus sous-estimés des années 1990, classés

L’histoire de la science-fiction est souvent écrite par des films sous-estimés au moment de leur sortie. Pour chaque « Star Wars » qui a transformé la culture du jour au lendemain, il existe des dizaines de films comme « Blade Runner » ou « The Thing » de John Carpenter qui ont mis plus de temps à trouver leur public mais qui allaient progressivement remodeler la construction et la narration du monde de la science-fiction sur grand écran à leur image.

Les années 1990 ont été une décennie totémique pour le genre (rendez-vous ici pour notre tour d'horizon des plus définitifs de la décennie), culminant avec la sortie révolutionnaire et culturelle de « The Matrix » en 1999, un hybride audacieux d'arts martiaux, de cyberpunk et d'influences animées qui a séduit le public car il parlait des angoisses de la génération X au tournant du millénaire. Pourtant, derrière les succès au box-office, il y a d'innombrables autres titres tout au long de la décennie qui auraient dû soit connaître leur moment idéal, soit épater les critiques avec leurs nouvelles versions audacieuses du genre, mais sont rapidement devenus des notes de bas de page.

Les cinq films de ce classement ont soit reçu des réactions difficiles de la part des critiques et/ou du public, soit sont tombés en retrait de la conversation culturelle au fil des années, mais méritent tous d'être discutés parmi les meilleurs et les plus audacieux films de science-fiction de la décennie. Des hybrides de genre impies aux adaptations non conventionnelles et aux visions singulières à petit budget, ces films devraient pouvoir prétendre qu'ils ont façonné le film de science-fiction moderne autant que les titres qui ont été des succès retentissants dès le départ. Ils n’ont peut-être pas eu la réaction qu’ils souhaitaient au départ, mais leur audace les a aidés à vieillir comme un bon vin ; ils toucheraient tous une corde sensible s’ils étaient libérés aujourd’hui.

Bien qu'il soit désormais considéré comme le texte d'horreur gothique par excellence, la vérité indescriptible de « Frankenstein » est que le roman révolutionnaire de Mary Shelley, avec sa vision tordue du mythe de la création, est également l'une des influences les plus formatrices de nombreux conteurs de science-fiction. Précédemment adapté à l'écran dans les films de monstres universels plus campiers, le public était prêt pour une mise à jour d'horreur plus horrible lorsque le réalisateur Kenneth Branagh – encore mieux connu pour les adaptations de Shakespeare « Henry V » et « Beaucoup de bruit pour rien » – a été sélectionné pour faire la version la plus fidèle du matériel source à ce jour.

Le résultat a été la tragédie gothique joliment montée à laquelle on s'attendait, mais qui a laissé le public froid, et à en juger par de nombreuses critiques au moment de la sortie, il est facile de comprendre pourquoi. Ils s'attendaient à un mélange de frayeurs et de camps élevés comme la version alors récente de Francis Ford Coppola du « Dracula de Bram Stoker », mais ce qu'ils ont obtenu était un drame costumé violent plus intéressé à explorer les thèmes les plus entêtants du roman qu'à trouver de nouvelles façons de le rendre choquant.

Le film de Branagh de 1994 n'était pas un rechapage servile, battement par battement, du livre, mais le temps et la distance depuis la sortie initiale controversée l'ont aidé à vieillir et à acquérir la réputation d'être l'une des adaptations les plus fidèles. Sa réputation a également été aidée par la performance de Robert De Niro dans le rôle de la Créature, qui, bien qu'empathique, n'a pas hésité à le montrer en train de tuer par pure aliénation. Placez-le à côté de la récente adaptation Netflix de Guillermo Del Toro, qui s'est mis en quatre pour s'assurer que son monstre central ne ressemble jamais à une monstrueuse machine à tuer, et son approche de cette histoire semble d'autant plus audacieuse.

Après deux adaptations précédentes en 1956 et 1978, le roman de Jack Finney « The Body Snatchers » a obtenu une nouvelle version à l'écran en 1993 grâce au réalisateur Abel Ferrara – et bien qu'il s'agisse de sa toute première production en studio, il a quand même réussi à conserver toute la sordide et la crasse de ses efforts d'exploitation indépendante. « Body Snatchers » est l'une des adaptations les plus lâches de l'histoire d'invasion extraterrestre que nous ayons jamais eues, déplaçant l'action dans une base militaire en Alabama, où le régime strict du camp rend difficile de dire qui a été envahi par le virus contagieux de la conformité qui a émergé des groupes extraterrestres.

Co-écrit par le réalisateur de « Re-Animator » Stuart Gordon et son collaborateur régulier Dennis Paoli – avec des réécritures ultérieures par Nicholas St. John, collaborateur régulier de Ferrara – cette version embrasse le courant sous-jacent troublant de l'horreur corporelle plus que toute adaptation précédente, avec des scènes de transformation troublantes et viscérales qui vous donneront la chair de poule. Cependant, malgré les critiques élogieuses de Roger Ebert, il a été abandonné par Warner Bros. et n'a pas été largement vu dans sa version originale très limitée, encore à peine plus qu'une curiosité culte à ce jour.

C'est dommage, car « Body Snatchers » renverse la paranoïa des adaptations antérieures, déplaçant l'action vers un endroit où la conformité intensive est déjà l'objectif opérationnel, rendant d'autant plus difficile de voir qui a été repris et qui ne fait que suivre les ordres. La dernière tentative d'adaptation a été le mal conçu « The Invasion » de 2007, et lorsqu'une nouvelle prise arrive inévitablement, nous aurions de la chance si elle provenait d'un réalisateur capable de trouver autant de choses uniques à explorer que Ferrara.

Le premier film à petit budget de Darren Aronofsky, financé en demandant 100 $ chacun à ses amis et à sa famille, est moins de science-fiction que de math-fiction, un thriller de conspiration sur un ordinateur défectueux qui révèle plus que les prévisions boursières pour lesquelles il était programmé.

Le film d'Aronofsky de 1998 ne reste cependant pas ancré dans la science-fiction, explorant des thèmes plus capiteux tels que la relation entre diverses confessions religieuses et l'ordre numérique de l'univers, avec le code à 216 chiffres que Max (Sean Gullette) continue d'obtenir sur son ordinateur autoprogrammé s'avérant détenir les réponses à des concepts importants allant de la Torah à la bourse. Pour un mathématicien qui souffre d'hallucinations, de dissociations et d'un trouble de la personnalité, les chiffres sont le seul moyen pour Max de garder une emprise sur l'univers, qui se dévoile sous différentes théories sur la façon dont cela correspond à l'ordre de l'existence construit jusqu'à la fin bizarre du film.

« Pi » a connu un succès surprise après sa première à Sundance en 1998, engrangeant près de 5 millions de dollars au box-office sur un budget de 134 815 $ (ce qui, ajusté à l'inflation, est toujours un peu moins de 500 000 $ de moins que le coût de « Obsession » plus tôt cette année). Cependant, bien qu'Aronofsky ait acquis une plus grande reconnaissance en tant que réalisateur à regarder avec son sombre mélodrame contre la toxicomanie « Requiem for a Dream » quelques années plus tard, son premier film n'est pas resté dans la conscience culturelle, même avec un remasterisé stupéfiant en IMAX 8K pour son 25e anniversaire en 2023.

Ses autres films sont punitifs, obligeant le public à s'asseoir avec des personnages poussés à leurs extrêmes émotionnels, alors que « Pi » est un cauchemar surréaliste d'une race différente. Ce serait tout à fait une réussite élégante et inébranlable s’il était réalisé avec un budget plus élevé – le fait qu’il semble aussi sans compromis avec un budget restreint le rend tout simplement miraculeux.

Peu d'auteurs se sont révélés aussi difficiles à adapter à l'écran que William S. Burroughs, dont les tomes post-modernistes et semi-autobiographiques sont exactement la raison pour laquelle le mot « infilmable » a été inventé. La porte d'entrée pour réaliser une grande adaptation de Burroughs est de suivre de près l'approche de David Cronenberg pour aborder « Naked Lunch », en acquérant une compréhension plus profonde de l'état d'esprit épuisé de l'auteur en liant davantage de segments directement autobiographiques de son œuvre plus large.

Ici, cela incluait une reconstitution de sa nouvelle la plus personnelle, un récit légèrement fictif de la façon dont il avait assassiné sa femme en état d'ébriété. Cronenberg a rejeté le roman mais a gardé l'esprit de l'auteur bien vivant dans sa version épisodique de « Naked Lunch », bien qu'il se soit révélé être l'une de ses œuvres les plus déroutantes à sa sortie malgré un fil conducteur plus clair que sa source.

Il a explosé au box-office malgré l'incorporation d'une horreur corporelle plus agréable au goût pour ceux qui ne sont pas familiers avec le travail de Burroughs – son plus grand impact culturel pourrait être d'inspirer l'un des meilleurs one-liners jetables d'un épisode vintage des « Simpsons » (« Je peux penser à deux choses qui ne vont pas avec ce titre »). Il est plus facile maintenant de l'apprécier comme l'une des œuvres les plus stimulantes et les plus gratifiantes de la filmographie de Cronenberg, qui s'étend sur plus de 50 ans, montrant comment il était capable sans effort d'apposer sa propre empreinte sur les obsessions favorites d'un autre écrivain. Cela ressemble à un original de Cronenberg, et non à un projet qui avait été transmis à plusieurs réalisateurs au cours des décennies précédentes.

Vous ne devriez jamais parier contre James Cameron – mais c’est l’exception qui confirme la règle. « Strange Days » a été l'une des bombes de science-fiction les plus coûteuses des années 1990, malgré un scénario opportun qui faisait écho aux inquiétudes culturelles à la suite des émeutes de Los Angeles en 1992, un casting de premier ordre composé presque entièrement de nominés aux Oscars, et le fait qu'il s'agisse de la seule collaboration officielle de Cameron avec son ex-femme Kathryn Bigelow, qui a réalisé son scénario aux accents noirs (co-écrit avec Jay Coqs).

Situé à la veille du millénaire dans un Los Angeles qui s'est rapproché de la dystopie en quelques années seulement, le film suit le fabuleux nom de Lenny Nero (Ralph Fiennes), un ancien flic qui vend désormais des enregistrements illégaux sur le marché noir de disques qui peuvent vous faire revivre les souvenirs et les sensations physiques d'autres personnes s'ils sont branchés sur votre cortex cérébral. Cependant, il se retrouve plongé dans le monde criminel de la ville après avoir reçu un disque contenant des preuves du meurtre brutal d'une travailleuse du sexe, l'entraînant dans une conspiration qui se déroule sur fond de réveillon du Nouvel An.

« Strange Days » est un mariage parfait des sensibilités de Bigelow et de Cameron, mêlant le commentaire politique intense et factuel de son travail ultérieur au mélange distinctif de Cameron de construction d'un monde de science-fiction et de mélodrame romantique. Il avait quelques défenseurs critiques à sa sortie (Roger Ebert lui a donné une note parfaite) mais a par ailleurs été accueilli avec un haussement d'épaules ; le consensus des critiques de Rotten Tomatoes suggère que son problème récurrent était qu'il n'a pas tiré le meilleur parti de sa dystopie. Mais ce n’est pas l’essentiel, car Bigelow ne pourrait pas être plus claire dans son intention de tenir un miroir jusqu’au moment présent ; plus de 30 ans plus tard, il reste malheureusement tout aussi prémonitoire.