5 films de science-fiction des années 70 qui ont toujours l'air incroyables

Il y avait un certain nombre de films de science-fiction des années 70 qui étaient en avance sur leur temps, mais cela ne veut pas nécessairement dire qu'ils tiennent le coup. Peut-être plus que tout autre genre, les films de science-fiction s'appuient fortement sur la présentation visuelle, car ils ont tendance à se dérouler dans des réalités futures qui n'existent pas encore – ou dans de nombreux cas, ne peuvent pas – exister. Et en parlant de l’avenir, l’idée de ce à quoi il ressemblera change constamment.

Ironiquement, la plupart des films qui se déroulent dans le futur sont ceux qui vieillissent le plus rapidement, car la vie réelle dépasse souvent, ou du moins se révèle fausse, le futur imaginé d'un film. Cela étant dit, quelques films de science-fiction des années 70 ont évité ces pièges. Dans le cas de ces offres cinématographiques, leurs effets pratiques étaient suffisamment avant-gardistes pour résister à une hausse HD ou, le plus souvent, possédaient le genre de valeur artistique qui tend à être intemporelle.

Pour présenter leur vision de l’avenir à l’ère pré-numérique, les cinéastes ont souvent imaginé un avenir post-apocalyptique dans lequel la société devait pour ainsi dire revenir à l’essentiel. Des vêtements déchirés, une technologie primitive, des gadgets bricolés et une approche générale du bricolage sont autant de caractéristiques de ce style de science-fiction.

Le réalisateur George Miller a suivi cette direction pour « Mad Max » de 1979. Il imaginait un avenir dans lequel les ressources seraient épuisées et les systèmes écologiques du monde détruits. C’est ainsi que des bandes de bandits se déplacent pour se battre pour le peu d’eau, de pétrole et d’essence qui reste. Cette prémisse a permis à Miller et à sa société d'utiliser de vieilles vestes en cuir, des chaînes rouillées, des sacs à dos en lambeaux et des véhicules en mauvais état, ce qui maintenait les coûts de production à un niveau bas et ne s'appuyait pas sur le néo-futurisme typique qui fait que de nombreux films de science-fiction vieillissent mal.

En conséquence, « Mad Max » était un film de science-fiction à petit budget qui a rapporté des millions et a lancé une franchise qui a survécu bien dans le futur. Et en raison de l’intemporalité du film original, ses nombreuses suites et retombées sorties au fil des décennies ont très peu changé par rapport à l’esthétique visuellement saisissante née dans les années 1970.

Peut-être le film le plus spécialisé de cette liste, « Silent Running » est souvent injustement négligé dans les discussions sur la science-fiction révolutionnaire. C'est un autre film qui imagine un avenir dans lequel les humains auront vidé la Terre de ses ressources naturelles – un concept qui, malheureusement, continue d'être une préoccupation 50 ans plus tard. Pour survivre, l’humanité place les quelques arbres restants dans des dômes géodésiques ancrés à des vaisseaux spatiaux en orbite autour de Saturne. Cependant, la cupidité des entreprises s'installe et quelques botanistes voyous tentent de sauver autant de dômes que possible avant qu'ils ne soient détruits.

En plus d'être un triomphe créatif, « Silent Running » était également une réussite visuelle époustouflante, résistant mieux que de nombreux films de 10 à 20 ans ses cadets. Son réalisateur, Douglas Trumbull, avait déjà travaillé sur les effets spéciaux sur « 2001 : L'Odyssée de l'espace » et a ensuite travaillé dans un rôle similaire sur « Rencontres du troisième type », « Star Trek : le film » et « Blade Runner ». Il savait aussi bien que quiconque comment travailler non seulement dans les limites des effets limités de l'époque, mais aussi le faire d'une manière qui résisterait à un examen minutieux pendant des décennies à venir.

Utilisant des techniques qu'il a apprises en travaillant sur « 2001 », Trumbull a utilisé une combinaison de décors entièrement construits, de miniatures méticuleusement conçues et de projection frontale pour réaliser les visuels impressionnants du film, le tout dans le but d'obtenir, comme l'a expliqué Trumbull à Den of Geek, « … un très grand look avec un très petit budget ».

Ridley Scott était une figure clé du cinéma de science-fiction, jetant les bases de nombreux principes du genre pour les générations à venir. En ce qui concerne son chef-d'œuvre « Alien », cela signifiait mélanger l'horreur et la science-fiction comme jamais auparavant. Bien que loin d'être le premier film de science-fiction effrayant, il a été parmi les premiers à s'appuyer fortement sur les horreurs de l'espace, ainsi qu'à utiliser un monstre rarement vu qui est d'autant plus terrifiant.

Même si c'est un peu un trope exagéré maintenant, cela semblait encore nouveau en 1979 : un équipage enquête sur un navire dont l'équipage a apparemment été anéanti par une force mystérieuse et violente. Cette menace se révèle être une race d'extraterrestres connus sous le nom de xénomorphes, dont l'un traque et tue par la suite l'équipe d'enquête. Un vaisseau spatial constitue le cadre idéal pour un film d'horreur de ce genre, et « Alien » utilise largement son emplacement avec des couloirs claustrophobes, des fils étincelants lâches et des sources de lumière clignotante épargnées.

Les intérieurs de « Alien » sont toujours aussi superbes grâce au fait qu'ils sont des éléments de décor entièrement construits – pas de CG ni d'écran vert ici. Les quelques aperçus que nous avons du xénomorphe tiennent également le coup, et sont toujours terrifiants, car il a été construit avec des effets pratiques plutôt que, encore une fois, simplement construit dans un ordinateur. En conséquence, l’original reste l’une des meilleures versions du xénomorphe, se distinguant de celles créées avec une technologie plus avancée.

Les deux premières trilogies « Star Wars » sont des exemples parfaits de la qualité des effets pratiques par rapport à CGI. Même si l'utilisation d'écrans verts et d'environnements entièrement numériques dans les préquelles était impressionnante à l'époque, il n'a pas fallu longtemps pour que le caractère bidon de ces lieux ressorte comme un pouce endolori, surtout à l'ère de la haute définition.

Une telle technologie n'était pas disponible lorsque la franchise a fait ses débuts avec « Star Wars » en 1977, rebaptisé rétroactivement « Star Wars : Épisode IV – Un nouvel espoir ». Au lieu de cela, les planètes extraterrestres étaient physiquement construites sur des scènes sonores, les créatures prenaient vie via des costumes et des marionnettes, et les batailles spatiales reposaient sur des miniatures et des superpositions de cellophanes. En conséquence, l’histoire du modeste garçon de ferme Luke Skywalker (Mark Hamill) appelé à diriger la rébellion contre le sinistre Empire reste éblouissante des décennies plus tard.

Les nouvelles générations qui ont vu pour la première fois « Un nouvel espoir » n'étaient pas conscientes de l'âge du film, car il a inspiré autant d'émerveillement que n'importe quelle version contemporaine qu'elles avaient vue. Malgré les objections de George Lucas, nombreux sont ceux qui aspirent à une véritable remasterisation de la version originale de « A New Hope » et évitent les effets informatiques mal vieillis maladroitement greffés dans les nombreuses éditions spéciales du film, ce qui montre à quel point ces visuels résistent.

Les gens oublient souvent le fait que le film controversé de Stanley Kubrick, « ​​Orange mécanique » de 1971, est une œuvre de science-fiction, avec une saveur très différente en plus. Plutôt que de parler d'espace et autres, « A Clockwork Orange » réalise un avenir dystopique où le fossé entre les puissants et les pauvres s'est tellement élargi que ces derniers ont décidé de riposter. Et ils ripostent, dans certaines des scènes les plus troublantes jamais réalisées dans une sortie majeure en studio.

Il est difficile de présenter une version du « future cool » qui ne gêne pas des décennies plus tard. Remarquablement, même si l’avenir de « A Clockwork Orange » est fortement influencé par les modes et la culture pop d’alors, il tient toujours – ou du moins, reste accrocheur – des années plus tard. Comparé à la vision du futur parfois inspirée des années 60 de « Star Trek », « A Clockwork Orange » adopte une vision plus subversive, qui célèbre et se moque également de la contre-culture, un peu comme l'effet de nostalgie lorsqu'elle revient à une époque antérieure.

Bien sûr, ces concepts n'auraient pas eu d'importance si les costumes et les décors n'avaient pas été si méticuleusement planifiés et réalisés. Le perfectionnisme de Kubrick s'est peut-être fait au détriment de ses acteurs et de son équipe mal traités, mais il a abouti à des films dont l'apparence et la sensation tiennent le coup un demi-siècle plus tard, et continueront probablement de le faire pendant 50 ans encore.