5 films de 1999 qui ont complètement changé Hollywood pour toujours

1999 n'était pas seulement une année spéciale en raison de sa position dans le calendrier qui ne se produit qu'une fois par millénaire. Elle s’est également retrouvée à un carrefour bien particulier pour trois générations différentes. Les premiers baby-boomers commençaient à prendre leur retraite, tandis que les membres les plus âgés de la génération X et les plus jeunes de la génération Y atteignaient tout juste, ou avaient récemment atteint, l'âge adulte. Cette convergence unique s’est répercutée dans toute la culture pop, et elle semblait être particulièrement ressentie à travers le cinéma – à la fois par qui les films étaient faits et pour qui les films étaient faits.

Tout cela, associé à une part égale d’enthousiasme et de paranoïa quant à la façon dont les ordinateurs étaient clairement sur le point de prendre le contrôle de nos vies, a fait de 1999 une année révolutionnaire pour Hollywood. Certains des films sortis cette année-là ont amélioré le cinéma. Certains ont sans doute rendu le film pire. Cependant, la plupart se situent quelque part entre ces deux extrêmes. Quoi qu’il en soit, nous pensons que ces cinq films ont contribué de la manière la plus significative à changer le langage du cinéma dans les années 2000 et au-delà.

Il ne s’agit pas des meilleurs films des années 90, même si plusieurs d’entre eux méritent certainement cette étiquette. Au contraire, ce sont eux qui ont le plus d’influence – pour le meilleur ou pour le pire – dans la manière dont ils ont affecté à la fois la réalisation et la vente des films.

Lorsque la plupart des membres de la génération X atteignaient l'adolescence dans les années 90, il y avait une forte pression contre la cupidité et le consumérisme qui étaient si endémiques dans les années 80. Alors que leurs parents semblaient redoubler d’efforts pour mesurer le bonheur en fonction de la richesse et des choses matérielles, les membres de la génération X étaient déterminés à faire les choses différemment en tant qu’adultes. Ainsi, lorsqu’ils ont commencé leur carrière à la fin des années 90 et qu’ils ont commencé à être poussés à devenir de bonnes petites abeilles ouvrières d’entreprise à qui on promettait beaucoup d’argent et qui étaient encouragées à dépenser cet argent pour des « trucs », ils se sont rebellés. Et « Fight Club » était le manifeste cinématographique de cette rébellion.

« Fight Club » ressemblait vraiment à un cri de ralliement d'une génération de nouveaux adultes qui voulaient faire exploser le système au sens figuré – donc le film a décrit cela en demandant à un groupe de personnes de faire littéralement exploser le système. C'était loin d'être le premier « au diable cet homme ! » type de film, mais il l’a abordé d’une manière complètement différente. Ce n’était pas un film de protestation calme, pacifique et subtile. C'était en face de vous, et cela créerait un précédent pour les futurs films sur la rébellion.

Au-delà de ses thèmes et de ses messages, « Fight Club » était également à l'avant-garde d'un nouveau style de réalisation cinématographique, utilisant la CGI pour innover en matière de cinématographie. Cela signifiait ne plus être redevable de la capacité d'un caméraman humain à tenir et à déplacer physiquement une caméra. Le réalisateur David Fincher était également à l'avant-garde de la génération de réalisateurs visionnaires de vidéoclips des années 90 qui sont devenus des cinéastes acclamés dans les années 2000, notamment Spike Jonze, Jonathan Glazer, Michel Gondry et d'autres.

« The Blair Witch Project » n'était pas la première entrée dans le genre des films d'horreur avec images trouvées, mais le succès massif du film – toujours l'un des films les plus rentables de tous les temps – obtient la part du lion du mérite de la popularité des images trouvées et des films à caméra tremblante au 21e siècle. L’esthétique est même allée au-delà des films d’horreur pour imprégner plusieurs genres d’une manière ou d’une autre. C’est l’une des principales raisons pour lesquelles « The Blair Witch Project » figure sur cette liste, mais c’est loin d’être la seule.

« Le Projet Blair Witch » a été l'un des premiers films à utiliser Internet pour son marketing d'une manière vraiment nouvelle et originale. Jusque-là, le site Web d'un film – ou, avant cela, sa page AOL – n'était qu'une simple page de démarrage contenant des informations de base, quelques images et peut-être une bande-annonce. Mais « The Blair Witch Project » a adopté une approche différente, en lançant un site Web qui a construit tout un mythe élaboré autour du film. Le marketing était si efficace qu'il fut un temps où les gens ne savaient pas vraiment si les images présentées par le film étaient fictives ou si elles représentaient effectivement un trio de vrais randonneurs qui s'étaient vraiment perdus dans les bois et n'ont jamais été revus depuis.

Depuis, tous les films comportant une mystérieuse campagne de marketing viral ont sûrement utilisé « Le Projet Blair Witch » comme modèle. C'est évidemment beaucoup plus facile maintenant grâce aux médias sociaux – et cela peut être plus élaboré avec la prédominance de la vidéo en ligne – mais ils ne fonctionnent que parce que « The Blair Witch Project » a été le premier.

Le battage médiatique qui a mené à la sortie de « Star Wars : Épisode I – La Menace Fantôme » ne ressemblait à rien de ce qu'Hollywood – ou les médias de masse dans leur ensemble – avaient jamais vu. Nous tenons pour acquis les suites héritées de nos jours, mais à l’époque, il était inhabituel de voir une franchise cinématographique en sommeil depuis 16 ans revenir avec une suite théâtrale à part entière. Son succès massif a amené tous ceux qui possédaient une franchise cinématographique bien-aimée à ramasser la poussière à comprendre comment ils pourraient faire revivre la leur de manière tout aussi rentable. « Blade Runner 2049 », « Mad Max : Fury Road », « Ghostbusters : Afterlife », « Top Gun : Maverick » — aucun d'entre eux ne se produit sans que « The Phantom Menace » rapporte près d'un milliard de dollars en 1999.

« Phantom Menace » a également ouvert de nouvelles voies dans la technologie cinématographique. C'était l'un des premiers films à avoir des mondes virtuels entièrement construits habités par des acteurs réels, il a été le premier à prendre des photos de foules massives composées de centaines de personnages numériques et c'était la première grande sortie en salles à être projetée sur des projecteurs numériques. Jar Jar Binks a été la première création entièrement CGI à être un personnage secondaire majeur dans un film d'action réelle, et la façon dont il a interagi et déplacé parmi les acteurs réels était révolutionnaire. Encore une fois, il n'y aurait pas de Gollum ou de Dobby, pour n'en nommer que quelques-uns, sans Jar Jar.

Cela dit, « La Menace Fantôme » reste le film « Star Wars » le moins bien noté sur Rotten Tomatoes. Sa sortie a représenté un tournant majeur non seulement dans le fandom de « Star Wars », mais dans la culture fandom en général. Auparavant, les fandoms avaient tendance à être caractérisés comme un groupe qui aimait une propriété. Mais les réactions négatives suscitées par « The Phantom Menace » ont malheureusement inauguré une nouvelle ère de fandom, marquée par les critiques, les tatillons et les combats internes plutôt que par l'affection collective.

En 1999, nous n’en étions pas encore au point où tout le monde avait un ordinateur à la maison, et encore moins tout le monde avait un accès constant – ou n’importe quel – à Internet. Malgré tout, on avait le sentiment que les ordinateurs étaient sur le point de changer le monde, pour le meilleur ou pour le pire, la panique liée à l’an 2000 atteignant à elle seule son paroxysme. En d’autres termes, c’était l’année idéale pour sortir un film décrivant un monde dans lequel la technologie que nous avons créée non seulement s’est retournée contre nous, mais nous a asservi.

« The Matrix » s'inscrit dans une longue tradition de science-fiction qui imagine un avenir où la dépendance de l'humanité à l'égard de la technologie se retournera contre lui de façon catastrophique. Mais il a innové en utilisant des mondes virtuels, des espaces où les humains pouvaient s’injecter numériquement dans une réalité vivante et respirante à peine distinguable de la réalité. La science-fiction avait déjà imaginé des choses comme celles-là, mais jamais aussi pleinement réalisées ni aussi plausibles que dans « The Matrix ». Cela a marqué un tournant clairement défini entre la science-fiction qui imaginait l’esclavage par des robots se déroulant dans un avenir lointain et cet avenir imminent. Les films ultérieurs portant sur ces mêmes thèmes ont rarement pris la peine de se dérouler plus de quelques années avant le présent.

Bien sûr, « The Matrix » a également complètement changé la donne en termes d'effets spéciaux. Chaque film des dix années suivantes comportait une version du bullet time, et le ralenti hautement stylisé est toujours monnaie courante dans les scènes d'action. Zack Snyder doit tout son style cinématographique à « The Matrix », comme presque tous ceux qui ont réalisé un film de science-fiction ou d'action depuis 1999.

Avant « Toy Story 2 », les suites des films d'animation avaient tendance à être reléguées au format direct en vidéo ou au tarif conçu pour la télévision. Grâce en partie à des suites d'animation théâtrales sous-performantes comme « An American Tale: Fievel Goes West » et « The Rescuers Down Under », les années 90 sont devenues la décennie des films d'animation allant directement en VHS. Même les grands succès comme « Aladdin » et « Le Roi Lion » n'ont eu que des suites sur petit écran. Bien que « Le Retour de Jafar » de 1994 ait rapporté environ 100 millions de dollars de ventes de vidéos, Disney était toujours réticent à donner aux suites animées un traitement théâtral.

Entrez « Toy Story 2 ». Même s'il était également censé être une sortie directe en vidéo, il a finalement été décidé que « Toy Story 2 » devrait voir un déploiement complet en salles. 500 millions de dollars de recettes au box-office plus tard, l'idée de suites animées étant des sorties à domicile rapides et bon marché a disparu. Dans les années 2000, presque tous les films d'animation par ordinateur qui connaissaient un succès, même lointain, avaient une suite, voire plusieurs, en particulier après que « Shrek 2 » de 2004 ait également été un succès théâtral monstre.

De toute évidence, Pixar en particulier prouverait bientôt que les suites étaient le truc du studio, un certain nombre d'entre elles se transformant en franchises à part entière. Même Disney lui-même a finalement enfreint sa propre règle de ne pas sortir de suites en salles, avec « La Reine des Neiges », « Moana », « Les Mondes de Ralph » et « Zootopia » donnant tous des suivis sortis en salles. Et tout cela grâce à « Toy Story 2 ».