5 meilleurs films de guerre qui définissent le genre

Les excellents films de guerre ne manquent pas au fil des ans. Malheureusement, tant que le monde restera dans un état de conflit, ces films auront toujours une résonance. Ils seront là pour nous rappeler que le bilan humain de la guerre s'étend bien au-delà des soldats sur le champ de bataille. Leurs proches et les passants innocents pris dans les tensions politiques en paient également le prix.

Mais c'est une chose d'avoir simplement un grand film de guerre. C'est une autre chose qu'un film spécifique reste dans les mémoires et se transmette d'une génération à l'autre. Les meilleurs films de guerre évitent de succomber aux clichés hollywoodiens sur l’héroïsme et n’hésitent pas à décrire le véritable coût du combat.

Grâce à des techniques cinématographiques innovantes ou montrant une autre facette de la guerre que celle que l’on voit habituellement dans le cinéma grand public, ce sont ces films de guerre qui ont contribué à définir le genre. Vous pouvez voir l’ADN de ces films dans beaucoup d’autres qui ont suivi, donc même si vous ne regardez que quelques films de guerre au cours de votre vie, assurez-vous qu’ils figurent sur la liste.

Steven Spielberg a conclu le XXe siècle avec ce qui est sans conteste l'un des films de guerre les plus poignants jamais réalisés. « Il faut sauver le soldat Ryan » a été le pionnier de nombreuses techniques qui seront ensuite utilisées dans les futurs films de guerre, notamment avec la séquence d'ouverture d'Omaha Beach. Pendant environ 24 minutes, le public est plongé tête première dans la bataille, aux côtés des nombreux soldats qui finissent dans le sable.

Spielberg utilise des images tremblantes à la main pour vous donner l'impression d'être là, dans le feu de l'action. Cela met également en évidence la confusion que ressentaient les soldats lorsqu'ils étaient abattus par des ennemis lointains, et ils ne pouvaient rien faire d'autre que se mettre à l'abri lorsque cela était possible et continuer leur marche. Certains pourraient dire que la scène « Il faut sauver le soldat Ryan » est allée trop loin, mais peu de films ont réussi à capturer aussi bien le chaos de l’atterrissage sur un champ de bataille. Il y a aussi la conception sonore désormais emblématique où John H. Miller (Tom Hanks) n'entend la sonnerie qu'après qu'une explosion se déclenche près de lui.

Les soldats sont représentés comme des gens ordinaires et non comme des surhumains. Ils souffrent physiquement et psychologiquement pour sauver un seul homme : le soldat éponyme Ryan (Matt Damon). Le cœur du film se demande si le sacrifice de plusieurs vies justifie d’en sauver une, culminant avec les derniers mots de Miller à Ryan : « Gagnez ceci ». Une vie en vaut-elle vraiment plusieurs ? Ryan méritait-il le cadeau qu'il a reçu ? Il y a effectivement des héros présentés dans « Il faut sauver le soldat Ryan », mais le film se demande pourquoi on les met dans ces situations impossibles au départ.

Les films sur la Seconde Guerre mondiale ont plus de facilité à créer une frontière entre le bien et le mal. L’Allemagne nazie était sans équivoque horrible, donc l’entrée des États-Unis est considérée comme une bonne chose. Mais il y a un plus grand sentiment d'ambiguïté morale avec la guerre du Vietnam, où le sentiment général était : « Pourquoi les États-Unis vont-ils au Vietnam ? Cela se prête aux représentations de l’ambiguïté morale et à la remise en question du concept de guerre lui-même. Ainsi, « Apocalypse Now » de Francis Ford Coppola a jeté les bases d’innombrables films sur la guerre du Vietnam.

« Apocalypse Now » ne se concentre pas sur les batailles épiques. Au lieu de cela, le film suit un officier nommé Willard (Martin Sheen) dans sa mission secrète à travers la jungle vietnamienne pour assassiner le colonel Kurtz (Marlon Brando), devenu voyou. Alors même qu'on lui parle de l'état irrégulier de Kurtz via son dossier, Willard est témoin de toutes sortes de dépravation humaine au cours de son voyage. L'une des scènes les plus mémorables implique le bombardement de villages par le lieutenant-colonel Bill Kilgore (Robert Duvall) au son de la musique classique (en partie à la recherche d'un bon spot de surf), illustrant à quel point les gens peuvent devenir détachés de l'idée de guerre – et pourtant dépendants.

À travers tout cela, Willard se rend compte que la folie de Kurtz n'est pas l'exception ; c'est la règle. Tous les humains abandonnent une partie de leur âme lorsqu’ils s’engagent dans la guerre, obligés de considérer leur prochain comme rien de plus qu’un ennemi sans visage. « Apocalypse Now » opte parfois pour le surréalisme plutôt que pour la simple réalité, et est souvent plus intéressé à examiner comment la guerre fait des ravages sur l'âme humaine autant ou plus que sur le corps physique, la fin de « Apocalypse Now » étant l'une des plus sombres du genre.

Il n’est pas surprenant que de nombreux films sur la Première Guerre mondiale soient sortis dans les années 1920. Le monde était encore sous le choc du conflit et, à Hollywood notamment, l'accent était mis sur l'héroïsme de nos soldats. Il y a certainement eu des films marquants de l'époque, notamment « La Grande Parade » et « Four Sons », mais aucun n'a eu un héritage aussi durable que « Tout se calme sur le front occidental » des années 1930.

Le film rejette catégoriquement toute notion d’héroïsme et ne fait pas non plus de propagande pour la guerre. Au lieu de cela, nous voyons le coût humain lorsque de jeunes hommes, avec Paul Bäumer (Lew Ayres) au centre, sont envoyés à la mort. Le film a mis fortement l'accent sur le réalisme, faisant exploser de vastes étendues de terre en Californie pour créer les séquences de tranchées. Et les travellings restent tout simplement stupéfiants aujourd’hui, alors que la caméra conduit les spectateurs à travers des vues continues du champ de bataille, mettant en valeur la nature chaotique de la guerre.

Le film a reçu un remake en 2022 qui a apporté des changements notables au film original, notamment un accent accru sur les machinations politiques en Allemagne à l'époque. C'est aussi un excellent film, comme en témoigne sa nomination pour le meilleur film la même année. Mais la version originale a changé la façon dont Hollywood pouvait proposer un film de guerre – en en faisant un qui donnait l'impression qu'il honorait véritablement les soldats plutôt que de glorifier inutilement leur mort.

La plupart des films hollywoodiens ont un seul protagoniste que nous suivons tout au long de son parcours. Cela fonctionne pour la plupart des histoires, mais lorsqu’il s’agit de guerre, il y a rarement un héros solitaire. Des milliers de personnes sacrifient leur vie au combat, et bien que la société ait tendance à privilégier les champions, cela est rare dans les conflits mondiaux. C’est ce qui fait de « Le jour le plus long » une histoire captivante. Le temps du film est divisé entre des soldats de différents grades et dans différentes zones, le tout pour montrer combien de personnes sont réellement impliquées dans un seul effort héroïque.

Le film ne se limite pas non plus à un seul pays, puisque nous suivons des escouades et des soldats des États-Unis, de Grande-Bretagne, de France et d'Allemagne. Les soldats parlent même dans leur langue maternelle. Cet engagement envers le réalisme se retrouve également dans le recours à la réalisation du film en noir et blanc, bien que les films en couleur soient devenus la norme dans les années 1960. Cela donne au film la sensation d'une actualité contemporaine sur la Seconde Guerre mondiale, ce qui est approprié, étant donné que le film raconte la préparation du jour J.

« Le Jour le plus long » a établi la norme en matière de films de guerre élargissant leurs horizons au-delà d'un seul héros, voire d'une seule nation. Vous pouvez voir son influence dans des films comme « Un pont trop loin » de 1977 ou dans « Drapeaux de nos pères » et « Lettres d'Iwo Jima » du réalisateur Clint Eastwood.

« La guerre, c'est l'enfer. » Il est impossible de réaliser un film de guerre moderne sans que cela devienne la philosophie centrale, et c'est ainsi qu'il devrait être. Ce n’est pas quelque chose qui mérite d’être glorifié, mais peu de films ont poussé cette limite aussi fort que « Full Metal Jacket ». Il existe parmi les films qui changent complètement à mi-parcours car la première moitié montre comment la déshumanisation des soldats se produit très tôt. R. Lee Ermey donne une performance emblématique dans le rôle du sergent d'artillerie L. Hartman, un instructeur de forage grossier qui finit par opposer ses cadets au soldat Leonard Lawrence (Vincent D'Onofrio), les superposant dans une armure insensible avant de se lancer dans la bataille. Il n'est pas surprenant que Lawrence craque au point culminant de la première mi-temps, mais c'est une horreur à regarder.

La seconde moitié suit certains de ces cadets via leur camarade, le journaliste Joker (Matthew Modine) pendant la guerre elle-même. Mais comme c’est généralement le cas à cette époque, il n’y a pas de gloire ici. Il n'y a pas de héros. C'est comme une série fragmentaire de vignettes où des soldats perdent la vie dans un combat que personne ne comprend vraiment.

De nombreux films porteront le message que la guerre est mauvaise, mais que nos militaires et nos soldats sont formidables. Mais « Full Metal Jacket » montre à quel point l'armée peut être dangereuse pour les soldats avant qu'ils ne soient sur le terrain. L'armée dépouille les cadets de leur identité afin qu'ils puissent être transformés en machines à tuer. Il n’y a pas seulement une guerre physique à l’étranger, mais une guerre psychologique menée contre ceux qui ont rejoint nos forces armées. C'est sans doute fait avec les meilleures intentions du monde, mais ces intentions finissent par être supprimées avec le reste de leur humanité.