5 films fantastiques meilleurs que leurs scores de tomates pourries

Il existe de nombreux films fantastiques mal évalués sur lesquels nous pourrions écrire, mais la plupart méritent leur réputation. Pour un genre où l’échelle est la chose la plus importante, il existe d’innombrables efforts peu coûteux et tentatives médiocres pour adapter un matériel source expansif. Ceux-ci méritent les réactions qu’ils reçoivent de la part des critiques et du public. Cependant, il y a des exceptions à chaque règle, et les cinq films fantastiques suivants sont plus intéressants que leur réputation culturelle ne le suggère. Chacun a été immédiatement radié avec des critiques puantes, mais tous méritent un autre regard.

Il s'agit de démarreurs de franchise ratés, de remakes radicaux et d'originaux bizarres de réalisateurs acclamés, dont chacun a été rejeté trop rapidement. Dans cet article, nous allons défendre cinq favoris personnels qui sont bien plus intéressants (sans parler de divertissants) que ce à quoi on pourrait s'attendre de leur réponse originale. Vous n’êtes peut-être pas d’accord avec nous – certains d’entre eux sont difficiles à vendre – mais ils ne méritent pas une place dans les pires listes du genre. Ce sont tous des films qui méritent un culte plus passionné qu’ils ne l’ont actuellement, en grande partie parce qu’ils sont uniques.

Pour sélectionner ces cinq films, nous nous sommes basés uniquement sur les scores de Rotten Tomatoes, en donnant la priorité à ceux ayant les notes critiques les plus faibles. Ils ne sont pas tous largement détruits. Certains ont reçu des critiques plus médiocres que des critiques carrément puantes, mais les réponses décevantes ont toutes joué un rôle dans leur réputation. Nous sommes ici pour essayer de rectifier les faits, plaider pour leur défense et, espérons-le, commencer leurs réévaluations critiques.

Après que « Trainspotting » soit devenu une sensation culte internationale, le réalisateur Danny Boyle a fait équipe à nouveau avec la star Ewan McGregor et le scénariste John Hodge pour ce qu'ils pensaient probablement être un plaisir plus conventionnel pour le public : « A Life Less Ordinary », une comédie romantique sur deux jeunes d'une vingtaine d'années forcés de se rapprocher par des anges de l'amour (Holly Hunter et Delroy Lindo).

Ce qui semble être un fantasme romantique sans vergogne était en réalité quelque chose de plus sombre. Le couple « heureux » était composé d'un kidnappeur (Robert de McGregor) et de sa victime (Céline, interprétée par Cameron Diaz), la fille gâtée d'un PDG qui venait de le remplacer comme concierge de l'entreprise par un robot. Après avoir obtenu la rançon qu'il a demandé, ce qui se déroule est une version noire d'une comédie vintage loufoque, alors que les deux anges doivent continuer à inventer des moyens pour que ce couple reste ensemble. S'ils ne parviennent pas à les faire tomber amoureux, leurs ailes leur seront retirées et ils seront voués à la vie mortelle.

Boyle n'était déjà pas étranger aux grands changements créatifs, avec son histoire antérieure d'héroïnomanes écossais sautant entre la fantaisie surréaliste, la comédie nihiliste et la tragédie déchirante capable d'aller trop loin. Même s'il semblait être un pari plus sûr, « A Life Less Ordinary » s'est avéré difficile à vendre tant pour les critiques que pour le public, qui ont eu du mal avec le pivotement tonal.

Il en a résulté un taux de critiques décevant de 41 % et une approbation de 59 % du public sur Rotten Tomatoes. Cependant, même si le consensus du site l'a classé comme un énorme raté, le film de Boyle mérite d'être revisité. C'est un cinéaste humaniste qui trouve beaucoup à admirer chez les protagonistes les plus imparfaits, et voir des personnages confrontés à des chances impossibles de trouver l'amour crée une romance étonnamment satisfaisante.

En 2019, il semblait que la dernière chose dont quelqu’un avait besoin était un autre remake de Tim Burton d’une histoire fantastique classique ; une formule qui était devenue obsolète avant même que son « Alice au pays des merveilles » dépasse inexplicablement le milliard de dollars. La seule chose qui était plus fatiguée était que Disney continuait de piller son catalogue bien-aimé avec des remakes paresseux plan par plan qui manquaient de l'éclat visuel de leurs prédécesseurs animés. Par conséquent, « Dumbo » n'était pas exactement prévu.

Les faibles attentes ont certainement joué un rôle dans l'accueil mitigé du « Dumbo » de Burton – 46 % de la part des critiques et 47 % du public de Rotten Tomatoes – mais le film de Burton emprunte une voie audacieuse, développant les thèmes du film original d'une manière qui donne l'impression que le réalisateur faisait un méta-commentaire sur sa propre carrière.

Son « Dumbo » n'a pas d'animaux qui parlent, mais se concentre plutôt sur les personnages humains du cirque et sur la façon dont leur vie se transforme une fois que leur éléphant prend son envol. Ce moment culminant de l'animation originale est ici davantage un incident incitatif, inspirant le riche propriétaire du parc d'attractions de Michael Keaton à adopter Dumbo comme l'une de ses propres attractions vedettes. C'est un point de départ pour l'un des films les plus personnels que Burton ait réalisé depuis « Edward Scissorhands », répondant directement à tous les fans qui pensaient qu'il était maintenant devenu l'ombre de lui-même.

Un film pour enfants étant une exploration allégorique à peine dissimulée de la façon dont les affaires corrompent l'art – qui a gagné en actualité car il est sorti juste au moment où l'achat de 20th Century Fox par Disney était sur le point d'être finalisé – est probablement la raison pour laquelle il a été ignoré, mais c'était le plus vivant qu'un film de Burton ait ressenti depuis des années. « Dumbo » mérite un second regard et une réévaluation plus large.

« Le Roi Arthur : La Légende de l'Épée » a été conçu de manière ambitieuse comme le premier d'une franchise de six films qui se transformerait en une équipe de style « Avengers » « Les Chevaliers de la Table Ronde ». Au lieu de cela, le récit de la légende par Guy Ritchie a mis fin à sa vie comme l'une des plus grandes bombes au box-office de 2017.

Si l'on en croit le consensus critique sur Rotten Tomatoes, la déception la plus récurrente exprimée dans les critiques était la façon dont Ritchie a adapté le conte du roi Arthur à la formule d'un récit d'origine de héros d'action moderne, perdant son aspect classique et son attrait mythique. Cependant, la note d'audience plus largement positive de 69 % fait allusion au fait que le film a conquis un certain nombre de fans cultes, en grande partie parce que Ritchie a retravaillé le matériel en fonction de ses propres atouts : il y a l'explosion à succès de ses films « Sherlock Holmes » – qui ont également transformé des sources plus prestigieuses en un spectacle d'action hollywoodien – combinées aux styles criminels de ses efforts « Snatch » et « Lock, Stock and Two Smoking Barrels ».

Différentes missions pour sauver Arthur et protéger leur royaume sont recaractérisées dans le style d'un film de braquage. Chaque plan élaboré se déroule avec le même style effronté et autodérisif que les films précédents de Ritchie, qui utilisaient leur esprit britannique sec pour renverser les clichés d'efforts criminels hollywoodiens plus confiants. On dit qu'Hollywood a toujours eu du mal à donner raison au roi Arthur, mais c'est ce qui s'en rapproche le plus. Il est utile qu'il mette en valeur le caractère distinct de son réalisateur d'une manière que peu d'autres films de cette taille et de cette envergure parviennent à maintenir.

Le redémarrage de la franchise « Masters of the Universe » de Mattel n'a pas été critiqué par les critiques – il détient un score Tomatometer de 67%, ce qui en fait le seul titre ici avec une nouvelle note – mais l'accueil médiocre qu'il a reçu de la part des critiques, avec beaucoup de ces articles positifs de la variété trois étoiles, le rendent digne d'être inclus ici. Ils ont certainement joué un rôle dans la sous-performance du film (même si beaucoup n'ont pas été surpris qu'il ait échoué), surtout lorsqu'ils sont placés à côté du taux d'approbation de 86 % que le public lui a accordé.

Pendant ce temps, nous soupçonnons qu’un culte va se développer maintenant qu’il est arrivé en streaming. La nouvelle vision du matériel du réalisateur Travis Knight parvient à équilibrer le respect du matériel source tout en reconnaissant à quel point il est stupide. Comme on le voit à travers les yeux du prince Adam (Nicholas Galitzine), qui a quitté sa planète natale d'Eternia pour la Terre quand il était un jeune enfant, les noms les plus stupides des personnages, des lieux et des armes sont recontextualisés comme des espaces réservés qu'il a inventés parce qu'il n'est pas resté assez longtemps pour apprendre les vrais.

C'est un moyen de garantir que tout, de l'épée du pouvoir à un gars appelé Fisto (Jóhannes Haukur Jóhannesson), conserve son nom d'origine, sans se moquer de la franchise au sens large. Il s’agit, à la base, d’une histoire sincère sur l’origine d’un héros avec une morale plus positive pour son jeune public masculin que tout ce que nous avons vu récemment. Il explore la masculinité moderne et le besoin de sensibilité d’une manière qui nécessite davantage de regards à l’ère de la manosphère. Ce n’est pas un film qui se prend trop au sérieux, ce qui lui permet de faire passer clandestinement des commentaires sociaux sérieux à la vue de tous.

« Monkeybone » sera notre plus difficile à vendre, avec l'hybride stop-motion/live-action fou d'Henry Selick maudit avec un score de critique de 21% et un score d'audience de 28% sur Rotten Tomatoes. C'est suffisamment abrasif pour inciter le public à fuir vers la sortie dès le début du film, car il suit le dessinateur blasé Stu (Brendan Fraser) et son personnage de bande dessinée à succès Monkeybone (exprimé par John Turturro), un singe hyperactif et odieux qui représente la libido de son créateur.

Le thème de la frustration sexuelle coule dans les veines de ce film PG-13, ce qui explique probablement sa difficulté à trouver même un public culte. C'est trop maniaque pour les adultes et aborde des thèmes trop matures pour les enfants, même s'ils sont cachés derrière des couches d'insinuations. C'est avant d'entrer dans une intrigue qui commence réellement dans l'au-delà, avec la création de Stu désormais sensible et fuyant les enfers pour retourner à la surface afin de s'emparer du corps du dessinateur et de signer un accord de franchise majeur.

Selick a juré de ne plus jamais faire de film d'action réelle après ses expériences ici, mais il y a ici trop de créativité et d'ingéniosité comique pour être écarté. Il s'agit peut-être d'une comédie sexuelle grossière, mais elle regorge de gags visuels inspirés et d'une vision minutieusement réalisée de l'au-delà, et présente une performance physique profondément engagée de Fraser qui parvient à vendre le plus stupide des burlesques.

Le troisième acte est une pure folie, avec Stu possédant le corps d'un donneur d'organes, conduisant à la tentative la plus détraquée de comédie moderne et loufoque que nous ayons vue. Ce n'est décidément pas pour tout le monde, mais on est quand même impressionné par sa pure étrangeté. Il est rare de voir un film de studio de ce niveau qui ne semble pas avoir été projeté à un pouce de sa durée de vie.