5 meilleurs films avec des baisses de carte de titre tardives

Il existe d’innombrables façons dont les films peuvent renverser les attentes. Les plus grands rebondissements cinématographiques de tous les temps sont des exemples frappants de cette réalité, car ces titres ont coupé l’herbe sous le pied des spectateurs pour offrir des développements à couper le souffle. Il y a aussi les façons uniques dont les films peuvent jouer avec les images et les personnages publics de stars de cinéma célèbres, comme par exemple en faisant en sorte que le sympathique Jimmy Stewart joue des rôles plus sombres dans divers films d'Alfred Hitchcock comme « Vertigo ». D'autres fonctionnalités ont des images surréalistes qui déforment et bouleversent l'esthétique visuelle de facto à laquelle adhèrent la plupart des films.

Avec toutes ces possibilités et d'innombrables autres possibilités pour les films, cela semble être un gaspillage qu'un long métrage se contente de respecter les règles et de donner aux gens ce qu'ils attendent déjà. La subversion des normes peut même se matérialiser dans quelque chose d'aussi simple que des films nichés dans une carte de titre au plus profond de la durée d'exécution d'une production. En règle générale, les cartes de titre remplissent l’écran quelques minutes seulement après le début d’un film. Certaines fonctionnalités, cependant, choisissent de proposer ces titres de manière plus créative. Ces cinq meilleurs films avec des chutes de cartes de titre tardives illustrent le fonctionnement de cette manœuvre, ainsi que sa créativité.

Par quelque chose d'aussi simple que de retarder l'entrée d'un titre, ces films ont découvert des moyens uniques de surprendre les téléspectateurs, de renforcer l'esthétique créative individuelle et d'exécuter un immense sens du spectacle. Ces cinq films ne se sont pas pliés aux règles et ont plutôt offert aux spectateurs l'inattendu. Plus de cinéma devrait s'inspirer de ces films et de leur carte de titre révélée.

« Babylon », criminellement sous-estimé de Damien Chazelle, démarre alors que le protagoniste du point de vue du public, Manny Torres (Diego Calva), tombe dans une grande fête, où il découvre ses collègues principaux, Nellie LaRoy (Margot Robbie) et Jack Conrad (Brad Pitt). À partir de là, le spectateur est inondé de toutes sortes de débauche, de numéros de cabaret sexuellement excitants et même d'un éléphant se précipitant à travers la fête. Le compositeur Justin Hurwitz met tout le chaos sur l'air de son morceau original palpitant « Voodoo Mama », qui amplifie vraiment l'atmosphère de fête et donne au public l'impression d'être au milieu de ce chaos moussé de cocaïne.

Toute cette histoire froide se termine avec Torres ramenant Conrad à la maison et un indice selon lequel ce gars normal de tous les jours pourrait bien avoir un avenir à long terme dans les jours naissants de l'industrie cinématographique. Soudain, 32 minutes après le début de ce projet, le titre de « Babylon » occupe l'écran. C'est un moment audacieux, où le micro est laissé tomber, signalant aux gens à quel point « Babylone » est vaste.

Regardez le raz-de-marée de chaos qui se manifeste avant même que le titre de « Babylone » ne scintille à l’écran, et imaginez à quel point le chaos est encore en réserve dans le reste du film. De plus, le titre coïncide avec le fait que Torres s'engage fermement à rester et à essayer de réussir dans un endroit qui correspond à la définition classique de Babylone (une ville où l'opulence et le non-respect des règles étaient la norme). En d’autres termes, la carte de titre reflète les nouvelles ambitions de Torres. Au-delà de donner un aperçu de Torres, cette carte de titre révolutionnaire réaffirme le dévouement de « Babylone » à bouleverser les attentes de manière passionnante.

Les 10 scènes les plus exaltantes de « RRR » ne sont que la pointe de l'iceberg en ce qui concerne toutes les joies maximalistes et captivantes que procure cet effort de mise en scène du SS Rajamouli. Bien après que le meilleur film de « RRR » ait laissé ses fans voir rouge, le talent artistique incroyablement impressionnant du film a perduré. Dans les années qui ont suivi sa sortie, il n'y a vraiment jamais eu d'autre film comme celui-ci. Le don de Rajamouli pour la narration épique signifiait que « RRR » était un miracle unique en son genre que l'on ne vit pas tous les jours.

Parmi les qualités idiosyncratiques de « RRR », il y a le moment où, au cours de sa durée de 187 minutes, sa carte de titre tombe. Ici, il faut environ 40 minutes avant que le titre complet apparaisse à l’écran. Avant cela, trois autres cartes de titre délimitent le début et la fin des segments de prélude importants. « L'histoire », « Feu » et « Eau » sont les balises qui précèdent les séquences clés, les R solitaires dans chaque mot étant accentués. Ceux-ci créent vraiment une attente pour le titre final (qui signifie « Rise, Roar, Revolt » dans de nombreux territoires) grâce à la proéminence de chacun de ces R.

Une fois que la carte de titre tombe, c'est comme le point culminant de tous les prologues qui ont constitué l'histoire proprement dite de « RRR ». Rajamouli et sa compagnie veillent également à ce que la carte de titre soit exécutée avec un vrai flair et un véritable sens du spectacle. Avec un tel panache vibrant, cela vaut largement la peine d’attendre pour voir cette carte de titre. Laissez-le à « RRR » pour même faire du déploiement du texte à l'écran quelque chose de criblé de flair captivant.

Le cinéma d'observation magistral du scénariste et réalisateur Ryûsuke Hamaguchi fait immédiatement de « Drive My Car » quelque chose de spécial dans la façon dont il raconte la vie normale du metteur en scène et interprète Yūsuke Kafuku (Hidetoshi Nishijima). Son épouse Oto, une collègue artiste, joue un rôle central à la fois dans sa vie et dans son processus créatif. Cependant, ces éléments de base de son existence s'effondrent une fois qu'il découvre qu'Oto le trompe et qu'il risque de perdre la vue. Peu de temps après ces événements dévastateurs, Oto décède soudainement, plongeant la vie de Kafuku dans un chaos encore plus grand.

Hamaguchi apparaît ensuite quelques années plus tard, avec Kafuku découragé se rendant à Hiroshima pour diriger une pièce de théâtre. C'est ici qu'apparaît enfin le titre de « Drive My Car », fonctionnant comme une manière de suggérer une scission entre le passé et le présent de Kafuku. Avant que le titre n’apparaisse, on assiste au traumatisme qui tourmente tranquillement son esprit chaque jour. Après son apparition à l'écran, les téléspectateurs regardent Kafuku rencontrer une série de personnages qui font également face à leurs propres complexités et difficultés. Le titre arrivé tardivement constitue donc une barrière entre l'isolement d'antan et les espoirs actuels de connexions subtiles.

Il n'y a tout simplement aucune fin aux raisons pour lesquelles « Drive My Car » est l'un des 13 meilleurs films japonais de tous les temps. Parmi ses plus grandes qualités, cependant, il y a la volonté de Hamaguchi de laisser ce film se dérouler à son propre rythme. Il s'agit d'une production sans hâte marinée dans la vie de tous les jours. Cette qualité est même apparente lorsque « Drive My Car » dévoile enfin son titre.

Parmi les meilleurs films de Nicolas Cage se trouve le thriller de vengeance déséquilibré « Mandy ». Cet effort de réalisateur de Panos Cosmatos est un film magnifique plein de couleurs succulentes, ainsi qu'une ballade transportante et sombre alimentée par la vengeance. Cage incarne Red Miller, un homme qui mène une vie heureuse avec sa petite amie, Mandy (Andrea Riseborough). Cependant, le monstre de la secte locale, Jeremiah Sand (Linus Roache), tue Mandy, envoyant Miller dans une spirale angoissée qui aboutit finalement à ce que l'homme se lance dans une mission de vengeance sanglante. Il est temps d'éliminer Sand et ses partisans avec diverses armes, dont une tronçonneuse.

Il faut un peu plus d'une heure dans ce film de 121 minutes pour que la carte de titre « Mandy » apparaisse. Cette manœuvre inhabituelle fonctionne à plusieurs niveaux, notamment dans la manière dont elle renforce le nom de la femme que Miller cherche à venger. Plus important encore, cela reflète à quel point « Mandy » est un film dingue qui ne respecte aucune règle. Ces personnages existent dans un royaume inférieur violet et rouge, tandis que les antagonistes sont aussi archaïques que terrifiants. Rien de tout cela n’est censé être fondé sur le réalisme, ni adhérer aux conventions narratives standards. Dans ces limites subversives, une approche normale du générique d’ouverture et de la carte de titre ne suffirait tout simplement pas.

Au lieu de cela, « Mandy » choisit de l'abandonner un peu plus de la moitié de la production. C'est un renforcement subtil du fait que tout peut et va arriver dans cet univers, y compris perdre l'amour de votre vie ou qu'un homme au hasard devienne une armée individuelle assoiffée de sang.

Il n'est pas très surprenant d'apprendre que des films acclamés comme « Challengers » et « Wicked » ont livré certaines des meilleures scènes de cinéma de 2024. Cependant, beaucoup pourraient être surpris de voir un film intitulé « Des centaines de castors » sur une telle liste. De quoi diable pourrait parler un film portant ce titre ? Cette comédie indépendante du scénariste et réalisateur Mike Cheslik n'est rien de moins qu'un miracle fait main, une ode en noir et blanc aux comédies du cinéma muet mettant en scène un brasseur de pommes, Jean Kayak (Ryland Brickson Cole Tews), qui lutte pour survivre dans la nature enneigée. Ces luttes incluent la confrontation avec des animaux – y compris des castors – transformés en humains en costumes d'animaux.

L’ensemble de la production est une folie comique qui ne manque jamais de produire constamment des gags visuels et des bêtises inattendues. Une partie de son approche créative « tout est permis » inclut l'exécution fragmentaire du générique d'ouverture. Plutôt que de se produire au début du film, les traces du générique d'ouverture (comme le générique « écrit par ») apparaissent pour la première fois environ 30 minutes après le début du film, accompagnant Jean Kayak, plus confiant, alors qu'il retourne dans la nature.

Pendant ce temps, le titre n'apparaît qu'à la fin du deuxième acte lorsque The Merchant (Doug Mancheski) explique clairement ce qu'il faudra pour que Kayak épouse sa fille, The Furrier (Olivia Graves). Il devra tuer… des centaines de castors. La coupure soudaine de la carte de titre dramatique à ce moment-là est étonnamment synchronisée. « Hundreds of Beavers » vous fait attendre la révélation de son titre, mais cela en vaut largement la peine.