5 westerns incontournables des années 70 qui tiennent toujours la route aujourd'hui

Depuis les débuts du cinéma, le western est l’un des genres les plus populaires qu’Hollywood puisse offrir. Il n’existe peut-être pas de forme de narration plus américaine que le western, qui examine les premiers jours de l’existence de ce pays d’une manière héroïque, romantique et parfois même critique. Alors qu’Hollywood subissait des changements radicaux au cours des années 1960, les studios se tournèrent vers de nouvelles voix pour ramener le public dans les salles de cinéma, ce qui conduisit à la révolution du nouvel Hollywood des années 1970. Ces réalisateurs cherchaient à créer un genre de film plus réaliste et plus réaliste, et en tant que tels, les genres cinématographiques les plus anciens ont reçu un lifting dramatique, pas plus que le western.

Les westerns des années 1970 étaient plus violents, contemplatifs et plus fidèles à la réalité que ceux qui les ont précédés. Ils ont démystifié le glamour du Far West, interrogeant les légendes des cowboys courageux et le stéréotype des Amérindiens comme des sauvages meurtriers. Les histoires en noir et blanc de héros contre méchants ont cédé la place à des nuances de gris plus sombres. En même temps, ces films étaient tout aussi excitants et fascinants que tout ce qui mettait en vedette John Wayne. La différence majeure entre les westerns des années 1970 et ceux de l’âge d’or d’Hollywood résidait peut-être dans l’examen plus ouvert des thèmes et des sous-textes qui ne pouvaient être évoqués qu’en allusion avant que le code de production ne soit finalement démantelé. C’est ainsi que l’Occident a atteint son apogée.

Voici cinq westerns incontournables des années 70 qui résistent encore aujourd'hui, des aventures d'action aux parodies comiques en passant par les adieux du duc lui-même, John Wayne.

En 1902, le joueur charismatique John McCabe (Warren Beatty) arrive dans la ville minière en plein essor de Presbyterian Church, située dans les montagnes pluvieuses du nord-ouest du Pacifique. McCabe arrive avec trois prostituées achetées pour seulement 200 $ et envisage d'ouvrir un bordel. Bien que les habitants soient excités, la prostituée cockney Constance Miller (Julie Christie) voit à travers la façade trop confiante de McCabe. Pour une part des bénéfices, Mme Miller propose d'aider McCabe à transformer son bordel en une véritable entreprise, avec des filles très chères qui ne propageront pas de maladies dans toute la ville. Alors que les affaires sont en plein essor, deux agents de la société minière locale (Michael Murphy et Antony Holland) proposent de racheter McCabe. Il refuse, alors les agents engagent un trio d'assassins pour prendre l'affaire de force.

Un western comme « McCabe & Mrs. Miller » aurait été impensable avant 1971, et pourtant telle était la magie du nouvel Hollywood, cette brève période au cours de laquelle les genres pouvaient être déformés et subvertis pour refléter la vie telle qu'elle était réellement. Réalisé par Robert Altman (l'un des meilleurs réalisateurs de tous les temps), le film déglamorise le mythe du Far West, montrant la vie à la frontière comme froide, pluvieuse et pleine de boue. Pourtant, il y a aussi une douce beauté dans l'approche d'Altman, de la cinématographie inspirée de la photographie ferrotype de Vilmos Zsigmond à la musique triste de la chanson de Leonard Cohen. Le film a obtenu une nomination aux Oscars pour Julie Christie dans la catégorie de la meilleure actrice et a été classé parmi les 10 meilleurs westerns de tous les temps par l'American Film Institute.

Dans les années 1880, au Nouveau-Mexique, le shérif nouvellement élu Pat Garrett (James Coburn) rencontre son vieil ami, Billy the Kid (Kris Kristofferson). Garrett informe Billy que les éleveurs locaux veulent qu'il quitte le comté et que lorsqu'il assumera ses fonctions officielles, il sera obligé de le chasser. Après une fusillade entre les hommes de loi et le gang de Billy, Garrett tente de retrouver son ami, ce qui est plus facile à dire qu'à faire. Le gouverneur Lew Wallace (Jason Robards) incite Garrett à poursuivre sa chasse à l'homme avec une récompense de mille dollars des barons du bétail locaux, mais Billy bénéficie de l'aide supplémentaire d'un mystérieux tireur connu uniquement sous le nom d'Alias ​​(Bob Dylan).

Peu de réalisateurs ont fait plus pour changer fondamentalement le western que Sam Peckinpah, qui, avec « The Wild Bunch » (sorti en 1969, la meilleure année pour les westerns), a accru l'action, la violence et le chaos du genre à un degré choquant. A ce titre, ses films ont souvent été mutilés par les studios et les censeurs dès leur sortie, ce qui fut certainement le cas de « Pat Garrett et Billy the Kid ». Avant sa sortie en salles en 1973, Metro-Goldwyn-Mayer a fait pression sur Peckinpah pour qu'il édite le film en longueur, ce qui a conduit à son éventuel départ de la salle de montage. La version publiée n'était qu'un aperçu de la vision de Peckinpah, qui a été restaurée avec amour avec une version Criterion 4K. Les téléspectateurs modernes peuvent désormais apprécier pleinement cette ode lyrique au rêve américain détruit par le capitalisme, dramatisé dans l'amitié brisée entre Pat Garrett et Billy the Kid.

Dans les années 1870, le procureur général corrompu Hedley Lamarr (Harvey Korman) envisage de gagner des millions en construisant un chemin de fer traversant la ville occidentale de Rock Ridge. Lorsque chasser les habitants par la violence échoue, Lamarr met en place un plan B : il convainc le gouverneur idiot William J. Le Petomane (Mel Brooks) de faire du cheminot Bart (Cleavon Little) le premier shérif noir de Rock Ridge. Les habitants racistes de la ville sont initialement hostiles à l'égard de leur nouveau législateur, à l'exception de Jim (Gene Wilder), le flingueur alcoolique connu sous le nom de « Waco Kid ». Mais Bart finit par les convaincre et, avec l'aide de Jim, il élabore un plan pour empêcher la compagnie ferroviaire véreuse de détruire leur ville.

L'un des meilleurs films de comédie de tous les temps, « Blazing Saddles » brise tous les tabous imaginables en ridiculisant le genre le plus ancien d'Hollywood. Remplie de blagues sur le racisme, les flatulences et le courant homosexuel caché des films de cow-boy, la satire de Mel Brooks de 1974 conserve toujours le pouvoir de nous choquer par la franchise de son humour. Jamais auparavant ou depuis n’avez-vous entendu des épithètes raciales lancées avec une telle fréquence comme une punchline, et étonnamment, presque toutes sont toujours d’actualité. Pourtant, même s'il usurpe tous les clichés et tropes des westerns, il leur rend également un hommage affectueux, ce qui en fait une saga des éperons et des selles étonnamment efficace. Le film a remporté des nominations aux Oscars pour le meilleur montage, la meilleure chanson originale (pour la chanson titre) et la meilleure actrice dans un second rôle pour Madeline Kahn dans le rôle de la chanteuse inspirée de Marlene Dietrich, Lili Von Shtupp, une séductrice trop fatiguée pour se lancer.

Pendant la guerre civile américaine, le fermier du Missouri Josey Wales (Clint Eastwood) rejoint la Confédération après que sa femme et son enfant ont été assassinés par le capitaine de l'armée de l'Union Terrill (Bill McKinney) et son gang. Dans l'intention de se venger, le Pays de Galles refuse de se rendre lorsque la guerre se termine par la défaite de la Confédération, et ses camarades sont massacrés par Terrill après avoir rendu leurs armes. Il s'enfuit au Texas après avoir abattu certains des hommes de Terrill, et la nouvelle du hors-la-loi Josey Wales se répand. Le Pays de Galles se lie d'amitié avec un Cherokee vieillissant, Lone Waite (le chef Dan George), et tombe amoureux de Laura Lee Turner (Sondra Locke), mais il ne peut échapper à la prime sur sa tête.

Malgré une production difficile, « The Outlaw Josey Wales » s'est avéré être l'un des meilleurs westerns de Clint Eastwood. Eastwood, qui était à la fois la star et le producteur, a en fait repris les fonctions de réalisation après avoir licencié le réalisateur original Philip Kaufman alors que la production était déjà en cours. Cela a conduit la Guilde des réalisateurs américains à instituer une règle interdisant à un acteur ou à un producteur de faire cela à l'avenir (nommée, à juste titre, la règle d'Eastwood). Pourtant, aucun de ces obstacles à la production n'est présent dans le produit fini, qui est aussi passionnant et réfléchi que les meilleures œuvres d'Eastwood en tant que réalisateur ou acteur principal. Il dépeint également les Amérindiens avec une empathie qui va à l’encontre de nombreux occidentaux qui l’ont précédé. Sorti en 1976, le film fut un succès au box-office qui lui valut une nomination à l'Oscar de la meilleure musique originale.

Au tournant du 20e siècle, le flingueur vieillissant JB Books (John Wayne) reçoit un diagnostic de cancer en phase terminale du même médecin du comté (James Stewart) qui a soigné ses blessures par balle il y a 15 ans. Alors qu'il ne lui reste que quelques semaines à vivre, il décide de passer ses derniers jours à Carson City, dans le Nevada. Books loue une chambre à Bond Rogers (Lauren Bacall), une veuve qui vit avec son fils adolescent, Gillom (Ron Howard). Dans l'espoir de garder son identité secrète, Books donne un faux nom, et elle est furieuse lorsqu'elle découvre qu'un tireur notoire vit dans sa pension. Elle devient de plus en plus inquiète à mesure que son fils passe plus de temps avec le vieil homme, qui lui assure qu'il ne fait aucun mal. Pourtant, plusieurs citadins aux motivations douteuses perturbent les espoirs de Books d'une mort paisible, et il décide de se battre.

L'un des meilleurs films de John Wayne de tous les temps, « The Shootist » était également le dernier film que le duc a réalisé avant sa propre mort d'un cancer en 1979. Réalisé par Don Siegel, c'est à la fois un chant du cygne pour Wayne et un adieu au genre de western hollywoodien traditionnel qui a fait de lui une icône. Alors que des films comme « The Wild Bunch » et « Butch Cassidy and the Sundance Kid » ouvraient la voie à un genre de film de cow-boy plus dur et plus dur, cette sortie de 1976 revenait sur une époque plus douce, soulignée par la présence de James Stewart, le partenaire de Wayne dans « Man Who Shot Liberty Valance ».