5 meilleurs films d'horreur des années 90, classés

Dans notre société nostalgique, les visions passionnées et hagiographiques des médias des années 1990 sont omniprésentes. Même si cette décennie a produit de nombreuses œuvres d'art sur tous les supports, y compris dans le domaine spécifique des films d'horreur, dans les années 90, tout ne tournait pas à plein régime. Les films d’horreur de cette époque étaient souvent piégés dans un malaise créatif à cette époque. Mais heureusement, comme pour toute période de l’histoire de l’humanité, le bon art persiste.

Les plus grands films d’horreur des années 90 n’avaient pas peur d’adopter des visuels très distinctifs, ainsi que des atmosphères qui enracinaient leurs frayeurs dans un matériau brut et profondément humain. Elles ont pris des expériences telles que le fait d'être une femme dans un domaine professionnel à prédominance masculine ou de surmonter un traumatisme lié à un abus sexuel et les ont utilisées comme tremplin pour des films d'horreur dont les gens parlent encore. Les cinq meilleurs films d'horreur des années 90 (classés ci-dessous du « moins meilleur » au meilleur en fonction des opinions subjectives de cet auteur) ont fait preuve d'impulsions créatives audacieuses dont toutes les formes de cinéma devraient s'inspirer. Les plus grands films d’horreur modernes font certainement la fierté de ces cinq films des années 90 chaque fois qu’ils renversent les attentes de manière effrayante.

Ces films reflètent également de manière passionnante à quel point l’horreur peut ressembler à n’importe quoi ; il n'y a pas de limite à la manière dont le cinéma effrayant peut fonctionner. En d’autres termes, ces cinq films sont des exemples de médias des années 90 qui méritent d’être sans cesse glorifiés.

Des décennies avant que Guillermo del Toro ne promette de continuer à fasciner les spectateurs avec des projets d'animation après son film « Pinocchio », ce cinéaste était un artiste décousu qui cherchait juste à faire décoller son premier film. Chaque film de Guillermo del Toro remonte à ce premier titre et aux penchants créatifs qu’il a démontré. Ce titre était « Cronos », une histoire effrayante sur les plus grands plaisirs de quelqu'un qui les tue. Dans ce cas, ce récit arrive à Jesús Gris (Federico Luppi), qui devient obsédé par un bibelot connu sous le nom d'appareil Cronos. Bientôt, il ne peut plus vivre sans l'entité Cronos, ce qui pose problème, à la fois parce que Dieter de la Guardia (Claudio Brook), mourant, le veut également, et que quiconque utilise Cronos est obligé d'avaler de grandes quantités de sang.

Les téléspectateurs n'ont pas besoin de regarder de trop près pour voir les éléments visuels et narratifs de « Cronos » qui évoquent immédiatement des souvenirs des fonctionnalités ultérieures de Del Toro. Cependant, « Cronos » n'est pas seulement une bande-annonce de long métrage pour les derniers films du réalisateur ; il possède de nombreuses vertus exclusives, y compris une performance extrêmement détaillée de Federico Luppi qui capture de manière obsédante Gris succombant aux impulsions monstrueuses induites par Cronos. Ron Perlman dans le rôle d'Angel de la Guardia est également impressionnant dans le casting, apportant une ambiance nonchalante bienvenue à ce récit intensifié.

« Cronos » contient de puissants moments effrayants et un excellent travail d'effets pratiques, et il établit également la tragédie douloureuse et les ambiances captivantes qui définiraient l'héritage imposant de del Toro.

Il est impossible d’exagérer à quel point la scène américaine du cinéma d’horreur était dans une situation désastreuse au milieu des années 1990. La plupart des pires films de la décennie étaient des titres d’horreur illustrant la créativité dérivée et les frayeurs tièdes qui définissent tant de ces films. Les méchants slashers autrefois menaçants étaient devenus carrément câlins grâce à d'innombrables suites. Soudain, en décembre 1996, un titre est sorti et a injecté un sang neuf puissant et terrifiant dans ce genre assiégé. « Scream » était un film miracle qui n'était pas seulement bon en soi ; cela a également démontré que les films d’horreur américains pouvaient encore avoir un impact terrifiant.

L'histoire initiale de Sidney Prescott (Neve Campbell) aux prises avec un tueur portant un masque Ghostface et une cape noire était un exercice de genre qui utilisait sa connaissance des tropes du cinéma d'horreur pour faire en sorte que les personnages de « Scream » ressemblent aux jeunes qui regardent le film. Pendant ce temps, ses décors viscéraux et imprévisibles et imprévisibles étaient un répit bienvenu des frayeurs creuses qui jonchent tant de films d'horreur des années 90. Lorsque des couteaux plongent dans les corps dans « Scream », cela semble toujours répugnant et énervant. Il y a une cruauté crasseuse dans le carnage qui est durablement puissant dans les années 2020. On ne peut qu’imaginer ce que l’on a ressenti en voyant ce matériel pour la première fois en 1996.

Même avec autant de mauvaises suites diluant le nom de la marque « Scream », rien ne peut enlever les réalisations de son premier opus. Le savoir-faire étonnant présenté ici était la vie dont le genre d’horreur avait désespérément besoin dans les années 90.

Les films d'horreur en images trouvées qui sont réellement bons constituent un répit bienvenu dans un genre souvent réalisé à bas prix, mal tourné et truffé de frayeurs décevantes. Dans les années qui ont suivi la popularisation de ce type de cinéma d'horreur, des titres profondément lamentables comme « Devil's Due », The Devil Inside et « The Last Exorcism » (parmi beaucoup d'autres) ont donné une mauvaise réputation à ce domaine cinématographique. Cependant, « The Blair Witch Project » de 1999 reste l'exemple parfait de la qualité de ces films. Cela vient en grande partie de l'efficacité avec laquelle les réalisateurs Eduardo Sánchez et Daniel Myrick font tout. à l’écran, c’est si brut et si énervant, non scénarisé.

Dans sa critique du « Blair Witch Project », le critique de cinéma Roger Ebert a comparé les dernières excuses auto-filmées et pleines de larmes de Heather aux « notes du carnet de l'explorateur Robert Scott alors qu'il mourait de froid en Antarctique ». Évoquer des segments aussi bruts de la réalité en dit long sur la captivante atmosphère sombre du « Projet Blair Witch ». De plus, en comparaison avec d'autres films d'horreur trouvés qui surchargent les téléspectateurs avec des frayeurs indiscernables, « The Blair Witch Project » extrait une horreur inquiétante d'une peur imminente. L'idée de choses qui deviennent lentement incontrôlables et du malheur qui approche au coin de cette forêt sombre suffit à inspirer des cauchemars pendant des jours.

Même être tourné avec des caméscopes de la fin des années 90 donne à « The Blair Witch Project » un sentiment supplémentaire de chair de poule. Ces personnages se dirigent vers des étendues sauvages terrifiantes avec pour seul équipement de tournage des arcanes à leur actif. Ce détail effrayant illustre à quel point « Le projet Blair Witch » fait honte à presque tous les autres films d’images trouvées.

De nombreux films d’horreur des années 1990 étaient des projets mollement filmés. Cette réalité est renforcée par les images glorieuses qui jonchent chaque centimètre carré du chef-d'œuvre de Jonathan Demme de 1991, « Le Silence des agneaux ». Comme on peut s'y attendre d'un artiste extraordinaire responsable d'œuvres allant de « Stop Making Sense » à « Rachel Getting Married », les impulsions visuelles de Demme dans « Lambs » sont tout simplement exquises. Ce qui est particulièrement impressionnant, c'est à quel point ses tendances en matière de travail de caméra fonctionnent divinement pour mettre le public dans la tête de Clarice Starling (Jodie Foster) et comment elle navigue dans un domaine dominé par les hommes. Un plan large inoubliable d'elle entrant dans un ascenseur dominé par des hommes nettement plus grands est un excellent microcosme de cette facette.

C'est l'un des détails les plus inspirés du « Silence des agneaux ». Comme prévu, les frayeurs de ce long métrage proviennent du compte à rebours de Buffalo Bill (Ted Levine) kidnappant une jeune femme, ainsi que du potentiel barbare d'Hannibal Lecter (Anthony Hopkins) incarcéré. Cependant, une grande partie des frayeurs viennent également du fait que Starling essaie simplement de naviguer dans un monde construit pour et par les hommes. Ce détail exceptionnellement réalisé donne au « Silence des agneaux » à la fois de puissants moments d'effroi et accentue la nature convaincante d'un complot sur Starling essayant de sauver une dame d'un tueur en série.

Un titre de premier ordre à tous égards, les détails cachés richement concoctés dans « Le Silence des agneaux » garantissent à eux seuls que des visionnages répétés sont une exigence pour cette production magistrale.

La chose la plus effrayante au monde, ce ne sont pas les machinations de Jigsaw ou une attaque imminente de Freddy Fazbear. Cela n'est pas entendu; c'est ignorer votre humanité. Laura Palmer (Sheryl Lee), la protagoniste de « Twin Peaks : Fire Walk with Me », connaît cette réalité. Ce prequel de « Twin Peaks » suit la vie cauchemardesque de Palmer juste avant son meurtre. Qu'elle soit à l'heure du dîner avec sa famille ou qu'elle soit ignorée par un garçon de son âge, la vie de Palmer est celle d'être invisible, sauf lorsqu'elle est maltraitée. L'exploration de cette existence par le scénariste et réalisateur David Lynch est bouleversante et laissera ensuite tout spectateur assis en silence, traitant les images déchirantes dont il vient d'être témoin.

Malgré à quel point cette entreprise est exténuante, « Fire Walk with Me » ne se transforme pas en une misère incessante et creuse ou une narration d'exploitation. Au lieu de cela, Lynch utilise ses impulsions d'imagerie ingénieuses pour réaliser de manière vivante et unique comment le traumatisme et la détresse émotionnelle peuvent frapper Palmer à tout moment. Pendant ce temps, la performance de bravoure de Lee est absolument effrayante en capturant à la fois l'angoisse et l'humanité de Palmer. Ses phrases comme « votre Laura a disparu » sont indescriptiblement obsédantes. La partition d'Angelo Badalamenti est tout aussi évocatrice et inquiétante qu'elle reprend les mélodies familières de « Twin Peak » et les transforme en quelque chose de nouveau.

Initialement ridiculisé par la critique, « Twin Peaks: Fire Walk with Me » était l'un de ces films des années 90 qu'il a fallu des années pour que les gens comprennent, et de nombreuses personnes – y compris Quentin Tarantino – l'ont d'abord trouvé trop impénétrable. Aujourd'hui, cependant, son talent artistique et son exploration réfléchie des psychismes maltraités constituent un chef-d'œuvre, l'une des œuvres les plus accomplies de Lynch et le summum du cinéma d'horreur des années 1990.