5 films occidentaux à 100% sur des tomates pourries

Prenons le vertige et parlons du western. L'héritage cinématographique de ce royaume, l'un des genres cinématographiques américains les plus anciens, remonte à l'époque du « Grand vol de train ». À partir de là, le public ne pouvait plus se lasser des films mettant en vedette des cowboys, des chevaux chargeant et des lieux poussiéreux. Cet amour a perduré dans le monde moderne avec des films comme « God's Country », « The Harder They Fall » et « Old Henry », et une multitude d'émissions de télévision occidentales comme « Yellowstone » et ses nombreuses ramifications, prouvant l'attrait durable de ce genre.

Les films occidentaux classiques du XXe siècle qui sont désormais considérés comme les meilleurs films de ce genre contribuent à maintenir cette réputation bien vivante. Cela comprend cinq westerns particulièrement vénérés qui ont obtenu des notes impressionnantes de 100 % sur Rotten Tomatoes. Il n'y a pas de critique négative en vue pour ces films, chacun d'entre eux emmenant le film occidental dans de nouvelles directions passionnantes tout en capturant les possibilités visuelles infinies de ce riche tableau cinématographique. Il y a toutes sortes d'attributs étonnants sous ces titres que les différentes critiques recueillies par Rotten Tomatoes aident à mettre en évidence.

Si l'on recherchait la crème de la crème d'un genre fortement défini dans le cinéma américain, ces cinq westerns et leur réputation de Rotten Tomatoes sont un point de départ divin.

John Ford a involontairement lancé une nouvelle ère pour le cinéma avec « Stagecoach » de 1939, qui a propulsé John Wayne au rang de célébrité. Wayne était l'une des nombreuses figures de l'ensemble de ce titre, aux prises avec un dangereux trajet en diligence jusqu'à Lordsburg, au Nouveau-Mexique. La plupart des meilleurs films de John Wayne de tous les temps n'auraient pas été possibles sans « Stagecoach » faisant de l'acteur un attrait majeur. Cependant, ce n’est pas seulement la notoriété historique qui a contribué à la réputation positive de « Stagecoach ».

Le score impressionnant du film Rotten Tomatoes se résume à une multitude de facteurs. D'une part, « Stagecoach » regorge de performances mémorables. Des personnages secondaires comme Doc Boone (Thomas Mitchell) et Dallas (Claire Trevor) captivent depuis longtemps le public et ont fait autant pour en faire un classique que la performance de Wayne. Ensuite, il y a la réalisation de John Ford, l'un des cinéastes américains les plus acclamés de cette époque. Bien qu'il ait souvent dirigé des westerns d'une envergure considérable, c'est dans « Stagecoach », plus claustrophobe, que ses dons pour le cadrage excellent vraiment. Pendant ce temps, d'une durée de 97 minutes, « Stagecoach » tire le meilleur parti de sa durée tronquée avec beaucoup de suspense et un jeu d'acteur mémorable.

Bien qu'il ne s'agisse pas d'une longue épopée, « Stagecoach » offre aux téléspectateurs beaucoup de choses à digérer par la suite. Même si vous ignorez totalement que ce film a donné naissance à la signification culturelle plus large de John Wayne, « Stagecoach » est toujours suffisamment impressionnant pour mériter son éloge critique universel.

L'espace est magnifiquement utilisé tout au long de « My Darling Clementine ». John Ford, l'un des réalisateurs les plus nominés aux Oscars de l'histoire et réalisateur de plusieurs des 10 meilleurs westerns de l'American Film Institute, réaffirme son statut de légende en mettant constamment l'accent sur la profondeur dans ses plans. Dans une image saisissante, Wyatt Earp (Henry Fonda) entre dans un bar pour s'enquérir de la présence de Doc Holliday (Victor Mature), le côté gauche du cadre étant un gigantesque espace vide. Earp, ne sachant pas où se trouve Holliday, est désormais seul et ce vide renforce sa vulnérabilité. Quelques secondes après le début de ce tir sans ciller, les adversaires commencent à remplir cet espace vide un par un.

En l'espace d'un seul plan, Ford en dit long sur Earp et sa relation avec les habitants de la ville de Tombstone. Si vous souhaitez une narration visuelle magnifique, « My Darling Clementine » satisfera comme une tasse d'eau fraîche dessèche la gorge d'une personne assoiffée. Cependant, « Clementine » brille également en tant que vitrine d'acteur pour des gens comme Mature. Fonda, quant à lui, crée une nouvelle personnalité distincte pour Earp, qui se démarque de l'imposante légende culturelle de l'homme.

Il n'est pas étonnant que les 34 critiques actuelles relatées sur la page Rotten Tomatoes de « My Darling Clementine » lui aient donné des éloges immensément positifs. C'est un western sublime qui peut laisser le public bouche bée par la manière dont certains plans inoubliables sont bloqués.

Ce qui est agréable dans le fait de s'aventurer dans les vieux westerns, c'est d'assister à des performances ou à l'écriture de scénarios qui ont établi des archétypes cinématographiques durables. Les personnages que les enfants voient partout dans les dessins animés ou les films de genre (comme les personnages inspirés de Peter Lorre) sont souvent ancrés dans les artistes du cinéma des années 30/40. Walter Huston dans le rôle d'Howard dans « Le trésor de la Sierra Madre » est l'un de ces personnages, Huston dépeignant Walter comme le prospecteur par excellence. Chaque icône de la culture pop ultérieure qui parle avec une vieille voix traînante du Sud ou qui s'excite en entendant le mot « or » doit énormément à la performance de Huston.

En regardant « Le Trésor de la Sierra Madre » des décennies après sa sortie, la performance de Huston se démarque totalement des personnages et des parodies qu'elle a engendrés. Le film entier tourne à plein régime pour fonctionner comme une histoire captivante sur la cupidité faisant chavirer trois hommes. Mieux encore, « Sierra Madre » est l'un des meilleurs films d'Humphery Bogart, un triomphe compte tenu de son incroyable carrière. Le don de Bogart pour jouer les âmes fatiguées du monde convient parfaitement au portrait de Fred C. Dobbs et de son obsession croissante pour l'or. Il y a une obscurité captivante chez cet homme que Bogart dépeint avec une facilité fascinante.

Les critiques incroyables que « Le trésor de la Sierra Madre » a accumulées sur Rotten Tomatoes sont plus que méritées. En plus de nous donner le contexte pour tous les prospecteurs de cinéma à venir, cette descente remarquable dans la façon dont l'égoïsme détruit l'humanité reste un récit sans cesse captivant des siècles après sa première.

Parmi les meilleurs films de Jimmy Stewart, on retrouve un grand nombre de westerns. Cette importance reflète en partie la domination du western dans le cinéma américain d’avant 1970 (pratiquement tous les acteurs ont croisé le genre une ou deux fois). Pourtant, Stewart a ancré de nombreux films centrés sur les cow-boys à son époque, de « L'homme qui a tué Liberty Valence » à « Destry Rides Again » en passant par « Winchester '73 ». Jetez une pierre aux meilleurs films occidentaux de tous les temps et vous en frapperez forcément un avec Stewart. Un film de ce genre dont Stewart a fait la une était le film d'Anthony Mann de 1953, « The Naked Spur ».

Ici, Stewart incarne Howard Kemp, un chasseur de primes dont la mission de faire venir l'infâme Ben Vandergroat (Robert Ryan) se complique lorsqu'il est obligé de travailler avec le prospecteur Jesse Tate (Millard Mitchell) et Roy Anderson (Ralph Meeker). La perspective d'obtenir 5 000 $ oblige le trio à travailler ensemble, mais l'incertitude et la méfiance pèsent sur le groupe. Filmés en Technicolor vibrant, les tableaux printaniers radieux semblent se moquer de ces personnages intérieurement torturés. Toutes ces images succulentes sont l’un des nombreux éléments qui sous-tendent le succès universel du film auprès des critiques de Rotten Tomatoes.

Les performances exceptionnelles de l'ensemble du casting, y compris Stewart dans l'un de ses rôles les plus sinistres, sont également des sources constantes d'éloges dans les critiques. « The Naked Spur » prouve une fois de plus que Jimmy Stewart et les westerns sont, comme dirait le général Miles Quaritch (Stephen Lang), « un mélange puissant ».

Des décennies avant Lonely Island, le long métrage « The Shooting » de 1966 racontait l'histoire de personnes sujettes aux coups de feu en un rien de temps. Ce film établit cela à travers une scène de générique d'ouverture montrant Willett Gashade (Warren Oates) sur la piste, cherchant de l'eau, regardant constamment par-dessus son épaule. Quelqu'un le suit. Cette scène établit silencieusement que cet homme est convaincu d'être en danger, une réalité renforcée par la partition troublante de Richard Markowitz. Cela renforce le manque de réponses et l’instabilité dont souffrent les principaux acteurs du « Shooting ».

Finalement, Gashade et son ami Coley (Will Hutchins) sont embauchés pour escorter une femme anonyme (Millie Perkins) vers une destination très étrange. Son nom, ses véritables motivations et son histoire restent entourés de mystère malgré que Gashade fasse de son mieux pour lui arracher des réponses et à tous ceux à qui elle parle. Le western a toujours été un lieu où les définitions stoïques de la masculinité exercent un immense pouvoir. Ici, le réalisateur Monte Hellman et la scénariste Carole Eastman (cette dernière créditée sous un pseudonyme) élaborent un western où les « héros » conventionnels n'ont aucune clarté et errent sans but à travers le désert.

Même le méchant Billy Spear (Jack Nicholson), armé d'armes, est tourmenté par des affres de solitude et recourt à une violence incessante pour maintenir le « contrôle » de son existence. Entre ces détails thématiques, la litanie de performances fortes et les compositions inoubliables de Markowitz, « The Shooting » mérite certainement son noble statut de Rotten Tomatoes.