5 films à regarder si vous aimez Resident Evil de 2026

Il y a eu des films de jeux vidéo amusants au fil des ans, mais la version de Zach Cregger sur « Resident Evil » est la première qui semble légitimement géniale. Nous avons même soutenu dans notre revue qu'il ne semble pas hyperbolique de le qualifier de meilleur de tous les temps dès le départ, car il n'y a pas beaucoup de concurrence pour ce titre. Il est utile que cette aventure à sensations fortes de 95 minutes ignore la tradition du jeu, agissant plutôt comme une dramatisation du jeu le plus chaotique que vous ayez jamais vu. Il capture la précipitation qui accompagne le fait de jouer à un jeu vidéo tout en se sentant distinctement cinématographique, adaptant la franchise aux sensibilités sombres et comiques de Cregger plutôt que l'inverse.

Si vous avez envie de plus de films comme celui-ci, ne regardez pas les entrées précédentes de la franchise « Resident Evil ». Ils sont peut-être plus fidèles au matériel source, mais ils ne capturent pas les frissons sanglants et burlesques qui rendent le film de Cregger si singulier et incontournable. Dans cet esprit, nous avons sélectionné cinq titres qui ressemblent à des frères et sœurs spirituels à son film ; des comédies d'horreur ingénieuses, des adaptations de jeux vidéo bien accueillies et des films originaux qui traduisent la logique du gameplay à l'écran de manière audacieuse et inventive. Certains sont largement acclamés, d'autres sont plus controversés, mais valent tous le détour si vous souhaitez poursuivre les mêmes sommets que vous avez obtenus lors de ce voyage aller simple mortel à Raccoon City.

C'est une pure coïncidence si « Resident Evil » est la deuxième adaptation de jeu vidéo acclamée cette année qui démarre avec le protagoniste aux prises avec la nouvelle que sa petite amie est enceinte. Dans le film de Cregger, cela anticipe le voyage de Bryan plus loin dans Raccoon City infecté, lui donnant une raison d'essayer de rentrer chez lui ; dans le blockbuster japonais « Exit 8 », adapté d'un jeu d'horreur viral du même nom, c'est la dernière chose qu'un pauvre banlieusard connu uniquement sous le nom de The Lost Man (Kazunari Ninomiya) entend avant de se retrouver coincé dans une boucle sans fin des couloirs du métro de Tokyo. Cependant, les films se complètent au-delà de cette similitude d'intrigue, car le réalisateur Genki Kawamura donne à son simulateur d'espace liminal une sensation cinématographique similaire.

Comme dans le jeu, le seul espoir de survie du protagoniste est de repérer des anomalies dans la conception de la boucle ; s'il avance plutôt que recule après en avoir vu un, par exemple, il revient à la case départ. Kawamura et le co-scénariste Kentaro Hirase transforment cela en un récit cinématographique en dramatisant l'histoire comme quelque chose qui s'apparente à un jeu, le protagoniste agissant comme un remplaçant pour un joueur qui a du mal à comprendre les règles simples et commet des erreurs évidentes. Comme Cregger, ils se rendent compte que les adaptations de jeux vidéo sont à leur meilleur si nous ne regardons pas quelqu'un relever un défi, mais que nous échouons à plusieurs reprises, bien qu'ils s'écartent de son approche en essayant d'étoffer le jeu au-delà de la perspective limitée de la source.

Bien qu'il ne s'agisse pas d'une adaptation de jeu vidéo – même si nous aimerions en voir une – cette comédie indépendante sensationnelle du réalisateur Mike Cheslik a été directement influencée par les vidéos jouons, le deuxième acte se transformant d'une parodie de films de survie en ce qui ressemble à une partie burlesque de « Zelda » ou « Animal Crossing ». Le protagoniste Jean (Ryland Tews) a été maîtrisé à plusieurs reprises par des castors se faufilant dans son verger de pommiers et est particulièrement inutile pour attraper des animaux. Après avoir attiré l'attention d'un maître Fur JTrapper (Wes Tank) qui le veut comme protégé et de sa fille Furrier qui le veut comme mari, son père lui dit qu'il peut se marier à condition qu'il capture d'abord des centaines de castors pour lui.

Le film utilise la logique du jeu vidéo pour montrer le protagoniste perfectionnant son approche de la chasse, sa progression reflétant un personnage jouable dans votre jeu de rôle moyen. Même si « Hundreds of Beavers » a le même slapstick maniaque et hyper-violent d'un dessin animé vintage « Tom & Jerry » qui met des coups de pied et des cris en action réelle, il prend ses influences de jeu vidéo au sérieux. Même s'il s'agit d'un film essentiellement muet, il utilise une iconographie comme des visites répétées dans la boutique d'un marchand tout droit sortie de « The Legend of Zelda » pour décrire les détails explicatifs. Et comme « Resident Evil », il faut à peine une pause pour reprendre son souffle, avec les règles autrement délivrées en les voyant en action. C'est l'un des meilleurs films de jeux vidéo non basés sur un seul.

Adoré en Europe mais tellement saccagé par la critique américaine qu'il est resté inédit aux États-Unis pendant trois ans après sa première, la satire d'horreur corporelle de Brian Yuzna est tranquillement devenue l'un des films les plus influents pour une nouvelle génération de cinéastes de genre. Ses empreintes digitales sont partout dans le troisième acte audacieux de « The Substance » et dans la récente récolte de comédies noires pour manger les riches, tandis qu'il y a des traces de son tristement célèbre troisième acte à vous retourner l'estomac partout dans l'œuvre de Cregger. Situé à Beverly Hills, le jeune riche Bill (Billy Warlock) est convaincu que quelque chose ne va pas avec ses parents et sa sœur, et après la mort du petit ami de sa sœur après lui avoir donné une mystérieuse cassette qui semble prouver qu'ils ont assisté à une orgie de meurtre, il n'est toujours pas plus proche de la vérité.

Dans un style noir, il essaie de trouver des réponses parmi ses riches camarades d'école et finit par trouver ce qu'il cherche sous son propre toit – et le troisième acte qui suit est l'un des festivals gore les plus surréalistes jamais consacrés au celluloïd, en partie une comédie dégoûtante de Sam Raimi et en partie un cauchemar hallucinatoire de Salvador Dalí. Les conceptions de créatures dégoûtantes de « Resident Evil » sont aussi redevables à ce travail pionnier qu'elles sont la source du jeu vidéo. Alors que Bryan rencontre pour la première fois une créature en fusion corporelle dans une maison familiale pittoresque, il est facile de supposer que ce film était consciemment dans l'esprit du réalisateur pendant le tournage.

Un malheureux héros qui pourrait sauver l'humanité d'une malédiction de morts-vivants est arrêté à plusieurs reprises dans son élan en prenant la mauvaise décision à chaque instant. Cela pourrait décrire le protagoniste d'Austin Abrams dans « Resident Evil », mais cela correspond également à Ash Williams de Bruce Campbell dans « Army of Darkness » de Sam Raimi, où le héros d'horreur se transforme en Buster Keaton du gore ; sans surprise, ce sont les meilleurs films de cette franchise. Bien que le ton soit plus proche de « Evil Dead II », Bryan d'Abrams ressemble plus à cette itération d'Ash, adhérant progressivement à son propre battage médiatique en tant que héros d'action malgré le fait de trébucher d'une mauvaise décision à l'autre.

Son principal défaut dans l'acte final à Umbrella Corporation est de croire qu'il a grandi pour surmonter tous les obstacles et qu'il sera reçu comme un héros pour avoir transporté le remède, alors qu'en réalité, il n'a toujours pas pris le temps de réfléchir à la façon dont ses actions affectent la situation dans son ensemble. Pour Ash, les choses sont encore pires, car il est accueilli comme un héros au Moyen Âge après avoir tué un Deadite, mais prouve bientôt que son mépris des règles (comme ne pas connaître la bonne phrase pour récupérer le Necronomicon) met involontairement les gens en danger. Tous deux pensent pouvoir gagner du temps et faire les choses de manière simple. Raimi et Cregger sont des âmes sœurs pour mettre des héros imparfaits et aléatoires au premier plan et laisser l'enfer se déchaîner parce que c'étaient eux qui étaient aux commandes.

Votre kilométrage variera sur ce dernier titre, qui soit vous dynamisera avec son esthétique de jeu de tir à la première personne, soit vous laissera avec l'un des maux de tête les plus douloureux de votre vie. Cependant, avec les brèves séquences de « Resident Evil » qui rappellent la perspective du jeu de tir à la première personne, cette expérience du réalisateur Ilya Naishuller – qui a ensuite réalisé le véhicule d'action plus conventionnel de Bob Odenkirk « Nobody » – est intéressante si vous voulez voir jusqu'où cette approche peut être poussée dans un récit cinématographique. Raconté exclusivement du point de vue de son personnage principal, c'est une lettre d'amour aux jeux vidéo qui ne suivent pas de logique cohérente.

Après avoir été réveillé dans un laboratoire de dirigeables par Estelle (Haley Bennett), le chef s'enfuit à Moscou, pourchassé par des mercenaires, dans le besoin désespéré de charger son chef cybernétique. Sharlto Copley apparaît sous la forme de plusieurs personnages – réapparaissant après avoir été tués – qui lancent une exposition sur l'écran et visitent tous les lieux que vous attendez d'un jeu de tir de science-fiction. Il y a des entrepôts abandonnés, des clubs de strip-tease, des hôtels, des laboratoires secrets et de grands méchants caricaturaux qui dirigent des armées de clones. Cela n’a aucun sens, mais si vous parvenez à être sur sa longueur d’onde, cela n’aura pas d’importance ; il est conçu pour vous emporter dans sa propulsion, jetant des obstacles sur l'écran plus rapidement qu'un joueur ne saurait réagir. C'est la version exagérée et trop stimulante de l'approche « Resident Evil » de Cregger, même si son esthétique pourrait vous aliéner – procédez avec prudence.